CC BY
16
ставляет собой не только производительную силу, но и силу управления. Поскольку управляемая социоприродная эволюция есть единственная модель устойчивого развития и экологического спасения человечества на Земле, то научное управление социально-экономическим развитием в единстве с научным управлением социо-природной эволюцией - есть единствен-
ная форма выживания России и Человечества на Земле. Теоретической платформой и научно-мировоззренческой основой для такого развития служит Ноосферизм, который развивается в России на базе ноосфер-ной научной школы всемирного масштаба.
Сопредседатели Конференции: С.И. Филатов, А.И. Субетто, В.В. Семикин
М.Н. Дробышева
МУЗЫКАЛЬНЫЕ И ТЕАТРАЛЬНЫЕ ФЕСТИВАЛИ ВО ВЛАДИВОСТОКЕ, САНКТ-ПЕТЕРБУРГЕ И ДУБРОВНИКЕ (ХОРВАТИЯ)
© Дробышева Марина Николаевна - кандидат искусствоведения, доцент, Ленинградский государственный университет им. А.С. Пушкина, Санкт-Петербург; e-mail: drob.55@mail.ru
о см о
О
3
ю О
V Международный Дальневосточный фестиваль «Мариинский» (Владивосток)
На Приморской сцене Мариинского театра проходил фестиваль с 14 августа по 6 сентября. Мероприятие открылось премьерой балета «Тысяча и одна ночь» на музыку Фикрета Амирова. Мировая премьера состоялась в 1979 году на сцене Азербайджанского театра оперы и балета. Нынешнюю постановку осуществил главный балетмейстер Приморской сцены Эльдар Алиев, известный своими спектаклями в Петербурге. Дирижёром и музыкальным руководителем был Эйюб Гулиев. Роль сказительницы мудрых арабских сказок Шахерезады исполнила Анна Самострело-ва, в Петербурге она станцевала партию принцессы Авроры во время гастролей спектакля «Спящая красавица» Приморской сцены. Молодого могущественного царя Шахрияра, сердце которого было исцелено любовью, воссоздал Канат На-дырбек, продемонстрировавший своё мастерство танцовщика зимой 2020 года на прославленной Мариинской сцене. Неверную жену Нуриду, полюбившую Раба, исполнили Катерина Флория, а ее возлюбленного - Юрий Зиннуров. Атмосферу экзотики востока передали декорации художника Петра Окунева и звучание азербайджанского народного ударного инструмента тара. Пластика восточных танцев гармонично сочеталась с голосами женского хора и солирующим сопрано. В балете зримо представлены три сцены из сказок: «Синдбад-мореход и птица Рух», «Аладдин и волшебная лампа» и «Али-Баба и сорок разбойников». В каждой из сказок Шахе-резады женская партия олицетворяла красоту, любовь и мудрость. Неоклассический
стиль балетмейстера Алиева проявился в сложных сольных партиях танцовщиков, грандиозных композициях массовых сцен кордебалета. Заключительный показ балета с успехом прошёл 3 сентября на Приморской сцене. Перед выступлением во Владивостоке Валерий Гергиев и симфонический оркестр Мариинского театра осуществили гастрольный тур по городам России. Концерты прошли в Челябинске, Кемерово, Томске. Традиция давать концерты в российских регионах сложилась на Московском Пасхальном фестивале.
На фестивале на Приморской сцене прозвучали четыре оперных сочинения. Первой в программе была опера С.С. Прокофьева «Огненный ангел». Партию Ренаты исполнила Елена Стихина, а партию Рупрехта - бас-баритон Евгений Никитин. Возобновление постановки 1991 года осуществил режиссёр Юрий Лаптев - народный артист России, солист Мариинского театра, выступавший на сценах «Метропо-литан-опера» (Нью-Йорк) и Большого театра России, недавно возглавивший кафедру режиссуры музыкального театра Санкт-Петербургской консерватории. Опера «Огненный ангел» была поставлена в 1991 году австралийцем Дэвидом Фриманом и художником Дэвидом Роджером, исповедовавшими в своих постановках идеи Питера Брука и Ежи Гротовского. Это была совместная постановка с Ковент-Гарден. Для Валерия Гергиева опера «Огненный ангел» стала особо важной и знаковой. «Я благодарен Сергею Сергеевичу и судьбе, - вспоминал маэстро, - что удалось провести два для меня (без преувеличения) счастливых года - 1990 и 1991 - в атмосфере его творчества». Сегодня опера прозвучала вновь на
Приморской сцене и на Новой сцене «Ма-риинского-2». В репертуаре Дальневосточного фестиваля были оперы «Дон Карлос» Верди (партию Филиппа II исполнил всемирно известный бас, солист Мариинско-го театра Ильдар Абдразаков) и «Сельская честь» Масканьи, а также третий акт оперы «Нюрнбергские мейстерзингеры» Вагнера (концертное исполнение). Из репертуарных спектаклей Приморской сцены были оперы «Царская невеста» Римского-Корсакова и «Аида» Верди. Завершился фестиваль 6 сентября премьерой сезона 2019/2020 «Война и Мир» Прокофьева, в которой выступили как петербургские, так и владивостокские артисты под управлением главного дирижёра Приморской сцены Павла Смелкова.
XXVIII фестиваль «Звёзды белых ночей» Мариинского театра
Фестиваль «Звёзды белых ночей» открылся 20 июня, став первым культурным событием в России после перерыва из-за пандемии. В течение двух месяцев в Мариинском театре состоялось более 110 спектаклей и концертов. На исторической сцене и в «Мариинском-2» показаны оперы Чилеа «Адриана Лекуврер», Леонкавалло «Паяцы», Массне «Дон Кихот», Доницетти «Любовный напиток», Моцарта «Свадьба Фигаро» и «Так поступают все». Завершился фестиваль 6 сентября премьерой оперы Римского-Корсакова «Снегурочка».
Премьера новой версии «Снегурочки» была отложена из-за пандемии. Спектакль стал событием открывшегося театрального сезона 2020/2021. В 2004 году постановку «Снегурочки» осуществили режиссёр-новатор Александр Галибин и художник Георгий Цыпин. Спектакль был в репертуаре 15 лет - до 2019 года. Режиссёром-постановщиком стала Анна Матисон, известная постановками Римского-Корсакова «Золотой петушок» и Дебюсси «Пеллеас и Мели-занда». В своей постановке она подробно разрабатывает три плана: сказочный, раздумья автора (А.Н. Островского) о реальной действительности и философско-нрав-ственный. Сказочный план был воплощён в колорите сценографического решения художника Александра Орлова и костюмах, оригинально сочетающих коллажную технику и славянскую народную специфику. Мариинскому театру необходима была детская, сказочная версия «Снегурочки», поэтому режиссёр многое смягчил в замысле.
А.Н. Островский, создавая пьесу «Снегурочка», изучал жанры народного творчества, подробно исследовал старинные быт и нравы, народные предания, летописи XI-
XVII веков, где было упоминание о племени берендеев. Для оперы было важно в хоровых сценах передать в каждом действии обрядовое, игровое начала обитателей Берендеева царства. В кружащихся хороводах, сопровождаемых напевами, воссоздавалась картина естественного круговорота природы, смены времён года. Философско-нрав-ственный план в спектакле был сосредоточен на теме противопоставления Снегурочки сообществу людей. Как полагает Анна Матисон, «современное общество настроено на потребление, неспособно часто видеть и понимать истинную красоту человеческих отношений». В этом обществе живут корыстные обыватели Бобыль-Бакула (Денис Закиров) и его жена Бобылиха (Марина Марескина), которые приютили Снегурочку, Мизгирь (Гамид Абдулов), торговый гость из посада Берендеева, одаривавший подарками девушек, приехавший, красуясь, в деревню на ретро-автомобиле, Купава (Екатерина Санникова) - брошенная невеста Мизгиря, разряженная в меховую душегрейку, - и многочисленные берендеи со своими слабостями и страстями. В оформлении спектакля есть и приметы современной жизни. В сцене, когда Мизгирь пытается поймать в лесу Снегурочку (Анна Денисова), Леший (Василий Горшков) отвлекает его и разбрасывает денежные купюры, которые с жадностью собирает Купава, а пастух Лель (Артём Крутько, контратенор), завидев деньги, объясняется ей в любви.
В сцене разрабатывается тема чистогана, когда деньги выступают в качестве силы, закрепощающей человеческую личность. В окружении царя Берендея (Александр Михайлов), слепые гусляры изображались с элементами фарса, переходящими в гротеск. Языческие боги (высшие и низшие) - это Весна-Красна (Анна Кикнадзе, меццо-сопрано), одетая в яркое бордовое платье, украшенное цветами, сопровождаемая свитой сорок-белобок, весёлых болтуний, щекотух артистично исполняемых девушками миманса. Весну мало занимает воспитание Снегурочки, как и ее отца Мороза (Андрей Серов, бас). Снегурочка-Анна Денисова свободно льющимся лирико-ко-лоратурным сопрано создавала образ хрупкой, нежной девочки-подростка, в белом платьице, с воздушным шариком цвета снега. На протяжении спектакля на глазах слушателей происходит её взросление. В финале оперы она обращается к матери - Весне -с мольбой дать любви, высшего проявления чувств, вершины гармонии, умиротворения и чистоты, даже ценой своей жизни. Снегурочка обречена - её присутствие
о
CM
о
О
3
ю О
в царстве берендеев нарушает мировое устройство, это понимают царь Берендей и его окружение. Берендеям необходимо принести жертву верховному богу Яриле. И эта жертва - Снегурочка, она испытала сладкий яд любви, предательство Леля, но обрела то главное, ради чего живёт человечество. «Люблю и таю от сладких чувств любви». Режиссёр придумала интересную мизансцену гибели Мизгиря: он кидается с борта авансцены в оркестровую яму, как в студёную воду реки, воссоединяясь со Снегурочкой. Для Мизгиря жизнь без любви становится бессмысленной. В начале спектакля снежный шар, висящий на сцене, заснеженный, дремлющий лес олицетворяют страну, где царствует холод, откуда Снегурочка, прощаясь с родителями, отправляется в страну берендеев. Здесь она расстается со своим заснеженным детским уголком (где установлен телевизор и куклы, похожие на героев последующего действия).
Каждый постановщик задумывает, как передать сценическими средствами таяние Снегурочки. Александр Галибин построил эту сцену с уходом Снегурочки в зрительный зал, используя световое решение. «На премьере 1873 года в Московском Большом театре по поводу сцены таяния Снегурочки было много дебатов. Было решено окружить Снегурочку несколькими рядами очень небольших отверстий в полу сцены, из которых должны были подниматься струйки воды, которые, сгущаясь, должны скрывать фигуру исполнительницы, опускающейся незаметно в люк под лучом прожектора» вспоминал помощник машиниста Большого театра К.Ф. Вальц. В постановке Анны Матиссон в ярких лучах солнца тает Снегурочка, её душа - белый шарик - улетает под колосники, а она сама опускается на край сцены, где когда-то находились её куклы, сливаясь с землей под замирающие звуки арфы. В финале во всём пространстве сцены вырастает огромный огненный диск - верховный бог Ярило, от лучей которого гибнет всё живое, попытка царя Берендея перехитрить всех, даже богов, не удалась. Оркестр звучал под управлением маэстро Гергиева сурово, потом торжественно, величаво, прославляя могущество сил природы.
24 сентября на исторической сцене Ма-риинского театра зрители смогли увидеть премьеру балета «Семь сонат» хореографа Алексея Ратманского, сочинившего его на музыку итальянского композитора Доме-нико Скарлатти. Этот одноактный спектакль был создан им в 2009 году для Американского театра балета в Нью-Йорке. Первая исполнительница в американском
балете Стелла Абрирой разучивала партии с артистами Мариинского театра к премьере, которая должна была состояться в марте 2020 года на фестивале «Мариинский», но из-за пандемии она была отложена. Однако закрытие границ не приостановило работу над постановкой. Алексей Ратманский с артистами Мариинского театра общался по видеосвязи с Нью-Йорком отшлифовывая хореографический рисунок партии балета «Семь сонат». Балет повествует о смысле жизни. Танцующих пар - три; среди них нет солистов, хореографические па основываются на парной композиции. На премьере «Семь сонат» выступили Екатерина Кандаурова и Роман Беляев, Мария Хорева и Филипп Степин, Алина Сомова и Роман Малышев. В программе вечера были также одноактные балеты «Лунный Пьеро» (музыка Арнольда Шенберга) и "Concerto DSCH", созданный на музыку Второго фортепианного концерта Дмитрия Шостаковича.
Памятник композитору П.И. Чайковскому
В фойе Концертного зала Мариинского театра были названы победители Открытого архитектурного конкурса на эскизный проект памятника композитору Петру Ильичу Чайковскому. В первом этапе представили свои работы более 90 скульпторов из России и зарубежных стран: Румынии, Канады, Эстонии, Латвии, Белоруссии. По итогам первого этапа конкурса было выбрано пять лучших эскизных предложений. По решению жюри первое место разделили между собой два проекта: один - Екатерины Пильниковой, а другой - Виктора Гаврилова. Над воплощением замысла скульптора Гаврилова работали архитектор Виталий Чернышов и визуализатор Алеся Тукач.
В торжественном объявлении итогов и церемонии награждения победителей участвовали губернатор Санкт-Петербурга Александр Беглов, художественный руководитель - директор Мариинского театра Валерий Гергиев, президент Санкт-Петербургского Союза архитекторов Олег Романов и ректор Санкт-Петербургского академического института живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина Семён Михайловский. Александр Беглов на церемонии сказал: «Много десятилетий поднимался вопрос об установке памятника в Петербурге. Сейчас мы приблизились к тому, чтобы эту идею воплотить. Памятник Чайковскому будет установлен за счёт спонсорских средств, за счёт Фонда Валерия Гергиева. А город обязательно будет помогать».
Валерий Гергиев отметил, что скульптор Михаил Аникушин был одержим идеей создать памятник Чайковскому, но до реализации проекта дело не дошло. «Высказываю надежду на то, что оба победителя найдут себе наилучшие варианты продолжения жизни в Петербурге. Я бы никуда не отдавал ни один, ни другой проект. Чайковский действительно достоин многих форм преклонения и восхищения: мы театр Чайковского, мы город Чайковского, мы страна Чайковского».
Скульптура Пильниковой представляет задумчивую фигуру идущего композитора с акцентом на портрете и руках с партитурой под мышкой. После первого тура скульптор изменила композицию фигуры дирижирующего Чайковского.
Проект Виктора Гаврилова состоял из радиальных структур - двух вертикальных плоскостей. На главной стене были запечатлены объёмный портретный образ и автограф композитора. Задуманный скульптором художественный приём вызывает ассоциацию с вневременной музыкой великого композитора. Пока не решено, какая из двух работ-победителей будет установлена у Концертного зала, но логично, что если на площади будет установлена композиция Гаврилова, то ее свободное пространство позволит проводить культурно-массовые музыкальные мероприятия на open-air в честь великого композитора.
Третьего места был удостоен проект портрета Чайковского, опирающегося на трость, созданный Евгением Тунинием, Русланом Егоровым, Василием Потаповым. В пятёрку финалистов вошли также Анастасия Лужина и Николай Анциферов.
Национальный драматический театр России. Александринский театр
2 сентября после пятимесячного перерыва на Основной сцене театра открылся 265-й сезон премьерой спектакля «Маузер» по пьесе немецкого классика Хайнера Мюллера в постановке греческого режиссёра Теодороса Терзопулуса.
30 августа состоялся традиционный сбор труппы перед новым сезоном. День начался с возложения алых и белых роз в Петропавловской крепости на могилы императриц Елизаветы Петровны, издавшей указ о создании первой русской профессиональной драматической труппы, первого национального театра в России и Александры Фёдоровны, в чью честь был назван театр. На Основной сцене главный режиссёр театра Николай Рощин провёл встречу с творческим коллективом, на которой были вру-
чены ежегодные премии «Александринская роза». В этом году обладателями премий стали актриса Анна Блинова (наградной знак - бриллиантовая брошь) за создание ролей Комиссара в спектакле «Оптимистическая трагедия. Прощальный бал», Ксении в спектакле «Блаженная Ксения. История любви», Сонечки Мармеладовой в спектакле «Преступление и наказание», Ольги в спектакле «Рождение Сталина».
Еще одним лауреатом стал заместитель художественного руководителя Алексан-дринского театра Александр Чепуров - за создание «Энциклопедии Александрин-ского театра» (СПб., издательство «Балтийские сезоны», 2020, 880 с.); наградной знак - бриллиантовые запонки. В царском фойе Александринского театра прошла презентация энциклопедии. Издание представили народные артисты России Николай Мартон, Сергей Паршин, Игорь Волков. Научный труд начинается с высказывания Д.С. Лихачёва: «Более двух с половиной веков российский театр драмы - Александринский - является национальным театром нашего государства. Здесь формировался национальный драматический репертуар. Формировалась отечественная школа актёрской игры...».
Предваряет собрание биографических сведений об актёрах и режиссёрах статья А.А. Чепурова, анализирующая сложный и многогранный процесс становления александринской труппы. В искусстве первой российской драматической труппы наблюдались опыт «охочих комедиантов» славянского школьного театра, опыт иностранных трупп и принципы классицизма, утверждённые А.П. Сумароковым. В первоначальный состав труппы Александринско-го театра вошли шесть ярославцев во главе с Фёдором Волковым, проявившие свой талант как в комедиях, так и в трагедиях. Каждый исторический период деятельности драматической труппы в статье осмысляется с позиции эстетических предпочтений эпохи. В ней отмечается большая роль петербургской драматической труппы в развитии классической комедии И.А. Крылова, А.А. Шаховского, Н.И. Хмельницкого и А.С. Грибоедова с его бессмертной комедией «Горе от ума». После получения нового здания для спектаклей в 1832 году перед Александринским театром открываются новые творческие возможности, осваиваются лучшие достижения современного постановочного искусства, опыт парижских, берлинских, итальянских сцен. В статье подчёркивается большое значение освоения труппой театра драма-
тургии А.С. Пушкина, Н.В. Гоголя, М.Ю. Лермонтова, И.С. Тургенева, А.Н. Островского, А.В. Сухово-Кобылина, Л.Н. Толстого, которые неоднократно бывали в стенах Александринки. Автор статьи подчёркивает, что главным достоянием Александрин-ской сцены были её прославленные мастера XIX и ХХ веков. Александринскому театру была свойственна восприимчивость к новым веяниям на уровне стиля, приёмов, театральных техник. Эти свойства алек-сандринцев отмечает автор, были переосмыслены В.Э. Мейерхольдом, и режиссёром были созданы выдающиеся спектакли уровня мирового театра, такие как «Дон Жуан» Мольера (1910), «Гроза» А.Н. Островского (1916), «Маскарад» Лермонтова (25 февраля 1917). Послереволюционные годы привели к смене направлений. Как любой театральный коллектив переживает различные периоды, были и триумфы, были и потери. А.А. Чепуров весьма корректно даёт оценку сложному времени, когда театр в 1970-1980-е годы терял цельность своего взгляда на мир, но что важно отметить, наличие в труппе корифеев делало большую часть спектаклей театра выдающимися и художественно наполненными. Главное назначение «Энциклопедии Александрин-ского театра» - показать творческие биографии артистов и режиссёров Александринки от основания в XVIII веке до наших дней, всего их более двухсот пятидесяти тысяч. Над изданием работали более пятидесяти авторов, в том числе сотрудники Российского института истории искусств, Российского государственного института сценических искусств, Санкт-Петербургского музея театрального и музыкального искусства, Национального драматического театра России, Александринского театра. Оформление издания осуществил художник А.В. Дзяк. Необходимо отметить значительную роль в издании Энциклопедии художественного руководителя театра Валерия Фокина, который нашёл «ключ» к искусству александринцев, считая одним из важнейших направлений национальной сцены обращение к театральному эксперименту новых поколений режиссёров, поиск актуальных идей, неотделимых от государства Российского.
24 и 25 сентября Александринский театр провёл «Большие гастроли» в Сыктывкаре, столице Республики Коми, представив спектакль «Демагог» по пьесе Кирилла Фокина в постановке режиссёра Хуго Эрикссена. В городе Ухта был показан моноспектакль Сергея Паршина «Охота жить». В эти же дни в Пскове в програм-
ме Пушкинского театрального фестиваля в Музее Псковского театра драмы Николай Мартон исполнил свой авторский проект спектакля-концерта «Вертинский. Русский Пьеро».
22 сентября в Москве завершились съёмки фильма Валерия Фокина «Петрополис». В этот день можно было посетить декорацию, в которой разместилась инсталляция «Память Петрополиса» художника-постановщика Алексея Трегубова. В презентации приняли участие сценарист Кирилл Фокин, оператор-постановщик Илья Овсенев и два актёра - Один Байрон и Джунсуке Киносита. Действие фильма разворачивается в трёх странах: России, США и Японии, на протяжении 20 лет (с 2000 по 2020 год). Главного героя -ученого Владимира Огнева - играет Антон Шагин. Фильм строится на воспоминания героя. Для съёмок художник Алексей Тре-губов создал декорацию «Город воспоминаний» главного героя, где проходили основные моменты его жизни: от университета Беркли в Калифорнии, где он учился, до японского кладбища в Саппоро и праздника «Алые паруса» в Санкт-Петербурге в белые ночи. По завершении съёмок декорация павильона была вмонтирована в пространство интерактивной инсталляции, посетив которую зрители смогут ощутить себя персонажами, способными лучше понять события, происходящие в жизни Владимира Огнева. После выхода на экраны фильма «Петрополис» Валерий Фокин приступает к работе над спектаклем «Честная женщина» в жанре интеллектуальной драмы по пьесе Кирилла Фокина. Постановка запланирована на Новой сцене.
Международный театрально -музыкальный фестиваль «Дубровницкие летние игры» (10.07.2020 - 25.08.2020)
2020 году проходил 71-й фестиваль в Дубровнике. Многие мировые мероприятия были перенесены на следующий год из-за пандемии. Участниками фестиваля стали артисты и музыканты Хорватии. Некоторые коллективы были из Белграда с факультета драматургического искусства. Был показан спектакль "Intimacy" («Близость») по пьесе сербской писательницы Биляны Србянович, а также артисты театра «Улисс» и Белградского драматического театра представили совместный проект-драму «Кто боится Вирджинии Вульф?» Эдварда Олби. Особое внимание зрителей фестиваля привлекла постановка Хорватского национального театра «Три сестры» режиссёра Бобо Елчича.
Знакомство с драматургией Чехова в Загребе началось в 1897 году с постановки пьесы-шутки «Медведь» Степана Милетича, считавшего, что русская классическая драматургия предоставляет мыслящему актёру много возможностей. В 1902 году загребские зрители увидели пьесу Чехова «Дядя Ваня», в 1916-м - «Вишнёвый сад», а «Три сестры» -только в 1962 году. Рецензенты тех лет указывали, что в пьесах Чехова есть сердце и поэзия, а пьеса «Дядя Ваня», подобно симфонии, имеет внутреннее действие.
В 1922 году, во время гастролей МХАТа в Загребе хорватские зрители увидели лучшие спектакли театра, среди них «Вишнёвый сад» и «Три сестры». Выдающиеся деятели искусства Мирослав Крлежа и режиссёр Бранко Гавелла были свидетелями триумфа русского театра, давшими высокую оценку русскому сценическому реализму.
В спектакле «Три сестры» 2019 года, который был представлен на Дубровниц-ком фестивале, режиссёр Бобо Елчич помещает чеховский текст в контекст нашего времени, связывая прошлое и будущее. Сёстры не могут уйти от прошлого. Ольга (Нина Виолич), Маша (Ядранка Джокич) и Ирина (Ива Еркович) связаны с ним всеми своими помыслами. Выдающийся текст Чехова в спектакле подобен зеркалу, в котором отражается наше общество. Происходящие события в спектакле напоминают зрителям жизненные сиюминутные моменты, которым они сопереживают. Бобо Елчич в своих постановках обращается к актёрской импровизации как драматическому материалу, смешивая документальное начало с игровым. Весь сценический процесс был им нацелен на постижение глубинного смысла авторского текста.
В программу фестиваля вошёл Городской кукольный театр из Сплита со спектаклями «Детдомовцы», «Сороконожка Гога», созданные совместно со Сплитской академией искусств и с театром "Poco Loco".
Хореографическое искусство на фестивале было представлено загребским танцевальным ансамблем. Лела Глухак Бунета основала Загребскую танцевальную компанию в 1970 году. Балет получивший название «Выше, все выше», был поставлен на музыку Ненада Ковачича и Ференца Фенера. Хореографическая композиция, показанная на фестивале, состояла из женского ансамбля. Шесть исполнительниц своим танцем олицетворяли солидарность, мужество, сопротивление, общность, индивидуальную и коллективную ответственность. За вклад в развитие хореографического искусства Загребский танцевальный ансамбль неоднократно
был награжден государственными премиями высшей категории. Афиша концертов фестиваля была разнообразной. Это были фортепианные дуэты, ансамбли инструменталистов, выступления вокалистов, джазового оркестра.
Значительным событием фестиваля стала премьера спектакля «Грижула» Марина Држича - выдающегося ренессансно-го комедиографа Дубровника. Пасторальная комедия создавалась для свадебного торжества друга драматурга Влаха Валентинова и Каты Соркочевичей в 1556 году. Впервые для современного зрителя пьеса была поставлена на сцене Хорватского Национального театра режиссёром Марком Фотезом в 1943 году, а в 1951-м он привёз спектакль на Дубровницкий фестиваль, действие которого происходило так же, как и сегодня, в пространстве парка «Градац».
Современный спектакль «Грижула», был создан Фестивальным драматическим ансамблем под руководством режиссеров Саши Божич и Петры Храшчанец. Действие в спектакле разворачивалось на фоне природного ландшафта. Пруд, скалы, уходящие ввысь деревья леса «Градац», становились декорацией к спектаклю. Природа окружает героев пасторали: горожан, обыкновенных селян, обитателей окрестностей Дубровника. М. Држич обратился к бинарной композиции: с одной стороны -мир крестьян, а с другой - мифологических существ Купидона и его сына Плакира (его играет Борис Барукчич) и героинь народной поэзии вил (их четыре; роли исполняют студентки Академии драматического искусства Загреба). Вилы в спектакле вместе с Купидоном и Плакиром олицетворяют мир плотских наслаждений, походят на современных путан. Вилы же у М. Држи-ча символизировали одно из достоинств человека: правду, ум, силу, смирение. Для того, чтобы текст XVI века приблизить к зрителям XXI века режиссер не включил пролог в спектакль произносимый еще одним персонажем - Небесной Славой. Этот монолог олицетворяет триумф интеллекта человека эпохи Ренессанса над глупостью, над дурными людьми.
Драматург изобразил взаимоотношения трёх пар и их любовь. Это горожанин Грижула (его образ мастерски создаёт Озрен Грабарич), служанка Омакала (Натали Дангубич), сбежавшая от хозяев из Дубровника, крестьянка Груба (Ани-ца Коптич) - покинутая невеста Драгича, неверного жениха, влюблённого в фантастическое существо - вилу, Радое (Кри-стиян Петерлин) и Миона (Ива Еркович),
восставшая против несправедливости, бесправного положения женщин в Дубровнике. Грижула, главный комедийный герой спектакля, - стареющий вероломный, не лишённый обаяния, влюблённый в молодую красавицу-вилу, как и Драгич. Образ влюблённого старика был хорошо знаком дубровницкому зрителю, в речах Грижулы слышится пародийный тон Др-жича, особенно в сцене, когда он попадает в ловушку, расставленную вилой.
Каждая сцена сопровождается южнославянскими танцами, коло, народными напевами. Танец коло всегда был неотъемлемой частью культурной жизни ду-бровчан. Без музыки в спектакле не было бы атмосферы праздника. Музыкальное оформление в спектакле создавалось на основе дубровницкой песенной традиции. Её использовал для создания музыки к спектаклю и композитор Ненад Синкауз. Над сценографией и костюмами работала художник Здравка Ивандия-Киригин. Главная мысль, которую хотел передать М. Држич, а вместе с ним - и постановщики в пасторальной комедии, что истинная любовь существует не в недоступном мире вил и сатиров, а в естественном, реальном, в современной действительности. Героев спектакля «Грижула» отличает употребление характерной для Дубровника лексики разговорного языка. Спектакль показал главное, к чему стремился Држич: к размышлению о судьбах людей, их воспитании, об отношении к обществу, политике, государству, Ду-бровницкой Республике. Но особенно, что важно отметить, рассуждения персонажей комедии основывались на народной мудрости, выраженной народным языком обитателей этих мест, что и сегодня актуально и современно. Завершился Дубровницкий фестиваль концертом Симфонического оркестра Хорватского радио и телевидения. В программе концерта были арии из опер Верди «Бал-маскарад», «Трубадур», «Эрна-ни», «Риголетто» и Пуччини «Манон Леско», Масканьи «Сельская честь», прозвучавшие в исполнении загребских и белградских солистов Ланы Кос (сопрано) и Желько Лучи-ча (баритон), дирижер Иво Липанович.
Дом-музей Марина Држича в период пандемии
В июле в музее состоялось знаковое событие - прошла презентация книги Луко Палетака «Чему можем больше научиться... исследования о Марине Држиче».
Лука Палетак - известный хорватский писатель, переводчик, академик Хорватской Академии Наук и Искусств, опублико-
вавший первый сборник стихов Владимира Высоцкого в переводе на хорватский язык.
Летом 2020 года Дом-Музей Марина Држича во главе с директором Никшей Матичем предложил новый проект, посвященный ознакомлению посетителей с творчеством драматурга. В рамках этого проекта сотрудниками музея была разработана литературная экскурсия по местам героев комедий и пасторалей Марина Др-жича. Совместно с туристическим союзом города Дубровника организуются бесплатные тематические экскурсии «Узнай Дубровник Ренессанса», цель которых познакомить посетителей музея не только с наследием хорватского комедиографа Марина Држича, но и его биографией. Экскурсию по улицам и площадям Дубровника, куда не часто заходит турист, проводит экскурсовод Марина Миссони-Боришич, как на хорватском, так и на английском языках. С проектом экскурсии можно познакомиться в онлайн-формате. В сентябре музеем вместе с Театром «Марина Држича» Дубровника и туристическим союзом создаются новые совместные тематические туры с участием артистов.
В сентябре в музее открылась выставка известного современного скульптора Петра Долчича «Процессия». Затем музей представит вернисаж рисунков с изображением героев из пьес Марина Држича созданных во время пандемии художницей, профессором изобразительного искусства Ясминой Руне. Одна из сторон деятельности музея проведение различных мастер-классов, например, «Культура для подростков». Мастерская «Воображаемый Држич» на этот раз посвящена изобразительному искусству, где участники осваивают рисование пастелью.
Музей предлагает ознакомиться с многочисленными программами, размещенными на сайте, такими как «Профессия и ремесло времени Марина Држича» и «Пойти на суд» (названием последней послужила фраза персонажа комедии Држича «Ар-кулин»).
В онлайн-режиме можно увидеть спектакли по пьесам драматурга, выступления артистов, посетить виртуально выставки, пересмотреть онлайн-каталоги.
В сентябре-октябре был запланирован семинар «Публицистическая традиция времени Марина Држича и ее влияние на развитие национальной публицистики в Хорватии». В семинаре в олайн-режиме между Дубровником и Санкт-Петербургом приняли участие директор Дома-музея Марина Држича Никша Матич,
его сотрудники, а также профессор Ду- Марина Дробышева и магистры филоло- 121 бровницкого университета Катя Бакия, гического факультета ЛГУ им. А.С. Пуш-профессор философии Анна Далматин, кина.
С.С. Акимов
ЖИВОПИСЬ АЛЕКСАНДРА ОСМИНИНА: МЕЖДУ РЕАЛИЗМОМ И ДЕКОРАТИВНОСТЬЮ*
К 60-летию художника
© Акимов Сергей Сергеевич - кандидат искусствоведения, преподаватель, МБУ ДО Школа искусств и ремесел им. А.С. Пушкина «Изограф», Нижний Новгород; e-mail: ss.akimov@mail.ru
В августе 2020 г. отметил юбилей нижегородский живописец, член Союза художников России Александр Михайлович Осминин. Его произведения не раз демонстрировались на областных и всероссийских выставках. В любой, самой обширной и разнообразной экспозиции картины Осминина не теряются, их узнают без труда. Красочные, написанные свободно и сочно, соединяющие реализм с декоративной условностью пейзажи и натюрморты отмечены жизнеутверждающим настроением и умением автора разглядеть красоту в обыденном. Авторитет Осминина в профессиональной среде несомненен, однако его творчество еще не становилось предметом искусствоведческого анализа. В справочниках и обзорах выставок можно найти лишь краткую информацию о художнике [1; 2; 4; 5]. Юбилейная дата служит отличным поводом восполнить эту лакуну и рассказать о главных особенностях живописи мастера. Более того, творчество Осминина дает возможность задуматься о такой важной проблеме, как современные пути развития реалистического искусства.
Биография Александра Михайловича во многом типична для его поколения: детство в селе, переезд в областной центр, служба в армии, учеба. Он родился в 1960 г. в селе Русское Маклаково Спасского района Нижегородской области. В 1986 г. окончил художественное отделение Горьковского (Нижегородского) театрального училища. Вспоминая студенческие годы, Осминин всегда подчеркивает, что училище не только дало ему профессию, но и сформировало его кругозор, познакомив вчерашнего деревенского парня с наследием мировой и отечественной культуры. Как показало время, выбор учебного заведения был сделан верно: обучение в театральном училище
* См. иллюстрации на 4-й стр. обложки.
было менее академично по своей форме, чем в художественном.
С 1995 г. Осминин регулярно участвует в областных выставках, в 2000 г. вступил в Союз художников. В этот период сложилась индивидуальная живописная манера, которой он верен до сих пор. Это вовсе не означает, что искусство Осминина однообразно: напротив, оставаясь в кругу излюбленных мотивов, композиционных и живописных приемов, он умеет не повторять самого себя и всякий раз внести в создаваемый образ новые эмоции и оттенки смыслов. Его творческое постоянство не имеет ничего общего с шаблонностью и догматизмом.
Несмотря на то, что Осминину не довелось работать в театре, полученное образование наложило явный отпечаток на его живопись. Профессия сценографа и бутафора сочетает владение реалистическим рисунком и живописью с декоративным видением, пониманием условного характера сценического действа, и именно такой подход явственно ощутим в его станковых произведениях. Картинам Осминина присущи эмоциональность, обобщенное восприятие натуры, звучность цвета, свободная манера письма с несглаженной фактурой красочного слоя. Творческий метод мастера можно назвать декоративным реализмом. Художник смело обобщает натурные формы, отказываясь от малосущественных деталей, и добивается насыщенности колорита. Его пейзажи всегда основаны на конкретных натурных впечатлениях, но художник обязательно трансформирует увиденное, стремясь к эмоциональной выразительности образа. Важную роль играет письмо открытым, свободным мазком, создающее шероховатую фактуру картинной поверхности. Самый незамысловатый мотив - деревенский
