CC BY
86
выставка «новый русским пейзаж»
в рамках первой биеннале современного искусства в ярославле
С 18 сентября по 14 ноября 2021 года в Ярославле прошла Первая биеннале современного искусства, которая была организована по инициативе Научно-организационного управления по координации программ фундаментальных научных исследований Российской академии художеств и при поддержке Президиума РАХ.
28 сентября в Ярославском центре современного искусства «Дом муз» открылась главная выставочная площадка биеннале. Ее куратор, художник Евгения Буравлева предложила тему «Новый русский пейзаж», которая послужила лейтмотивом всего фестиваля. Проект поддержан президентом Российской академии художеств З.К. Церетели, который всегда уделяет большое внимание культурной политике
в регионах. В экспозиции можно было увидеть работы академиков и членов Президиума РАХ Павла Никонова, Виктора Калинина, Николая Мухина.
Посвященный новому русскому пейзажу проект в Ярославле представляется соответствующим месту и времени. Культура этого региона связана с традицией русского пейзажа через И.И. Левитана, А.К. Саврасова, Б.М. Кустодиева, П.И. Петровичева до современных ярославских художников, продолжающих работать в жанре пленэрной живописи.
Попытки осмыслить изменения, произошедшие с русским ландшафтом после распада СССР, за последние несколько лет привели к появлению не только серьезных выставочных
academy news иле ан с* еигааа
№4 (23) 2021
проектов: «Метагеография. Пространство — Образ — Действие» (ГТГ, 2015-2016, кураторы Николай Смирнов и Кирилл Светляков), «Новый пейзаж» (фонд «Екатерина», 2019, кураторы Анастасия Цайдер и Петр Антонов), «По краям» (ВДНХ, 2018, кураторы Кристина Романова, Наиль Фархатдинов), но и больших пленэрных практик практически в каждом регионе, например «Русская Атлантида», а в самом Ярославле — «Русские сезоны».
От исследований восприятия человеком пространства, в котором он обитает, до рукотворного воплощения состояний природы — такой широкий диапазон говорит о том, что тема нового русского пейзажа, переосмысленная через историю русской пленэрной живописи, советского искусства, изучение локальных контекстов и новых практик в искусстве, кажется очень своевременной для поиска нового языка и способов коммуникаций между разными художественными сообществами и обществом в целом.
Художники, представленные в этом проекте,— практически «отцы и дети». Объединение их работ в одной выставке — это возможность выявить и общие идеи, и отличия в восприятии пространства. Погружение в среду, в конкретные особенности современного русского пейзажа ведет к обобщению до таких общечеловеческих понятий, как детство, жизнь, смерть, утопия, разрушение, исчезновение и память. Каждый художник выбирает для себя разные способы работы с такими важными категориями.
Тема памяти и исчезновения — одна из центральных и болезненных для постсоветского пространства. Акт распада большой страны привел к оставлению и запустению огромных территорий. Природа с невероятной быстротой заполнила незанятые человеком места. То, что было брошено, но не поглощено природой, приобрело статус «не места», вместе с людьми, там обитавшими, оказалось на периферии и было предоставлено самому себе. Но повседневная жизнь теплится в таких местах. Люди пытаются украсить ее и сделать более человечной доступными способами. То, что не удается освоить, остается белым слепым пятном.
Более драматично переживаемое отношение к новой действительности, свойственное старшим участникам проекта, соседствует с наблюдательностью «взгляда со стороны» младших. Те, кто взрослел в позднесоветские годы, могли только наблюдать за тем, что происходило в период распада страны, не имея возможности принимать участие в происходящем в силу возраста. Белые пятна, исчезнувшие населенные пункты и дороги — всё, что осталось вчерашним пионерам. Они замечали то,
что оказывалось за пределами внимания взрослых, занятых поддержанием нормальной жизни. Если работы старших скорее демонстрируют желание поймать уходящее, ускользающее прошлое, создать идеальный мир внутри хотя бы небольших зон, то зависнувшие в нигде и сумеречной зоне безвременья пейзажи и герои «младших» участников поставлены на паузу и существуют в режиме ожидания.
Представленные произведения, исполненные в разных техниках, демонстрируют несколько способов коммуникации художников с окружающим пространством и временем. Активное стремление к изменениям и созданию нового мира, мечту об утопии, предвосхищение появления новых форм социальных и общественных зон представляет проект детского парка в Мневниках Зураба Церетели. В работах Павла Нико-нова и Виктора Калинина — драма бесконечного переживания трагедии вселенского масштаба в давно знакомом пейзаже. Елена Цицулина с сочувствием наблюдает за осиротевшими гаражами, горами, домами и отарами в Тырныаузе и Ростове. Масштабный цикл фотографий Максима Шера — это панорамный взгляд на мир новой эстетики, рожденной от невозможности и нежелания сохранить классические пропорции старого мира и стремления людей сделать лучше свою жизнь быстро и из любых подручных материалов.
Ирина Филатова и Кейто Ямагути будто в приближении фрагментируют мир из фотографий Шера, работая с деталями и характерными особенностями нового русского пейзажа, неуклюжими домами, заборами, трубами и людьми, которые сливаются с окружением, словно хотят спрятаться в нем. Плоды новой экономической реальности и полусонного бытования промышленных зон и транспортных узлов исследуются в произведениях Павла Отдельнова, Юлии Ма-лининой, Алексея Мальцева. Эскапизм рафинированных пейзажей Павла Блохина и тонкие интервенции в ландшафт Федора Тощева демонстрируют взгляд в совершенно «другую сторону». Работа с памятью, распавшейся на фрагменты, растворившейся в линиях, исчезнувшей за белой пеленой, оставившей персонажей в сумеречной зоне, объединяет Егора Плотникова, Ольгу Давыдову, Алексея Хамкина, Евгению Буравлеву. Мечты об идеальном городе воплощены в работах Николая и Надежды Мухиных. В фотографиях Алексея Мякишева находится ответ на вопросы, задаваемые людьми в пространство,— быть как дети, играющие, бегущие, познающие, путешествующие в новом мире.
В русском пейзаже, почти не изменившемся со времен Саврасова и Левитана, художники
продолжают находить новые образы и смыслы. Вертикали колоколен сменились высотными домами, но дороги, ведущие к ним, всё так же по-русски живописны, дети всё так же играют на заброшенных берегах рек, путники всё так же бредут, но теперь на месте кабака у заставы сетевой магазин. Сельское хозяйство сменилось торговлей, но поля остались, и овцы всё еще собираются в отару. Меняются методы и средства, применяемые художниками, но бурное небо и туманные дали всё так же волнуют человека. Не изменилось и искреннее отношение к изображаемому, желание говорить на важные темы. Ведь мы всё так же живем в «интересное» время.
Участники проекта: Зураб Церетели, Павел Никонов, Виктор Калинин, Николай Мухин,
Павел Блохин, Егор Плотников, Павел Отдель-нов, Алексей Мальцев, Юлия Малинина, Федор Тощев, Алексей Мякишев, Кейто Ямагути, Алексей Хамкин, Ирина Филатова, Максим Шер, Елена Цицулина, Ольга Давыдова, Надежда Мухина, Евгения Буравлева.
Материал подготовлен на основе релиза организаторов биеннале.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«краткое содержание». выставка произведений ольги булгаковой в российской академии художеств
Российская академия художеств 29 сентября — 10 октября 2021 года представила выставку произведений академика РАХ Ольги Васильевны Булгаковой «Краткое содержание». В экспозиции представлены живописные произведения 19802010-х годов, а также ряд карандашных и акварельных эскизов, выполняемых автором начиная с 1970-х годов. Словно «пересказывая» жизнь, свой творческий поиск и принципы работы над картиной, художник выставляет краткие, но ёмкие акценты там, где масштабные ретроспективные выставки, в виду выбранной генеральной линии, обычно утрачивают остроту исторических событий и ту хрупкость, на которой зиждется современность искусства.
Ольга Булгакова относится к поколению художников, начавших свой творческий путь в семидесятых. Ранние работы мастера наполнены иносказательными, метафорическими образами. Это поиски кода визуального языка — аллегорий, превращений и аллюзий — в желании сказать больше, чем заметно на первый взгляд.
В своих сложно выстроенных произведениях автор придает большое значение лессировкам и деталям, выполненным с артистической филигранностью. Богатые художественными образами работы Булгаковой — как стоп-кадр в процессе постоянного преобразования Вселенной. Комбинируя элементы символизма и сюрреализма, художник строит свои живописные работы на напряженности сосуществования крайностей и остается открытой для разнообразия интерпретаций. Загадочные женщины, птицы, фантасмагорические карлики — частые персонажи ее полотен конца 1980-х и 1990-х годов.
Художник не настаивает на определенном прочтении своих картин, приглашая зрителей к диалогу с самим произведением, позволяя им собственное прочтение работы. Внутренние переживания и переосмысление позиций привело к кардинальным изменениям в холстах конца 1990-х годов. Фигуративные элементы минимизируются до полного исчезновения — освобождения от предмета в абстрактной серии. Со временем
беспредметные переживания мастера трансформируются, и в цикле «Архаизмы» появляются геометрические фигуры — круг, прямоугольник. Позже круг перевоплощается в мощный пластический знак Имени. Имя как символ-архетип возникает уже в новом качестве — картины этой серии выполнены на цветовых контрастах экспрессивными мощными мазками; они воплощают в себе одновременно конкретное и бесконечное.
В цикле «Имена», вошедшем в экспозицию, художник изображает одни только лица, или лики, а может быть — маски. Темные и посветлее, прозрачные и массивные, иногда как будто беспросветно трагичные, иногда, пожалуй, просветленные, а чаще — на пути от полюса к полюсу. На выставке также были представлены эскизы,
посвященные произведениям Гоголя, Пушкина, и рисунки, связанные с тематикой театра и судьбы художника. Особое место в графической части экспозиции занимают рисунки из «Библейского цикла».
«Краткое содержание» — ретроспекция произведений Ольги Булгаковой в выставочных залах Российской академии художеств, которая стала знаковым культурным событием для всех почитателей таланта автора и наглядно продемонстрировала важнейшие этапы творчества этого замечательного московского художника.
Материал подготовлен на основании статей Наталии Колодзей и Александра Якимовича.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«под шум берез». выставка произведений олега молчанова в российской академии художеств
В Российской академии художеств 12 октября — 7 ноября 2021 года состоялась выставка произведений заслуженного художника России, члена-корреспондента РАХ Олега Молчанова «Под шум берёз». Ретроспективная экспозиция охватила более чем 35-летний период творческой деятельности и продемонстрировала около ста живописных полотен продолжателя традиций русской реалистической пейзажной живописи. На выставке также были показаны фотографии скульптурных и архитектурных проектов, созданных автором.
Пейзаж, наиболее близкий для художника, был представлен как натурными пленэрными работами,
так и сложным жанром большой картины, который наиболее полно выражает мировоззрение художника, его чувства и мысли. Излюбленным временем года для автора стала зима, а также межсезонье. Художник мастерски передает переходные состояния природы, любимые его мотивы — ранний снег, мартовское солнце, золотая осень, туманное утро. Тонкий колорист, О. Молчанов чуток к малейшим нюансам изменений цвета, движению световоздушных масс, игре светотени, соотношению предметов: деревьев, изб, зимнего ручья, каждый из которых гармонично и естественно существует в пространстве картины.
Писатель Валентин Распутин охарактеризовал живописные работы Молчанова как «чистые, добрые, спокойные, тихие, располагающие к размышлению, к молитве, к пониманию глубоких истин».
Олег Молчанов совершил многочисленные творческие поездки по стране и за рубежом. На его полотнах—возрожденные храмы и скромные деревенские церкви, величественный Байкал и русский Север, заброшенные деревни и древние города, сохранившие неповторимый русский колорит. Особое место в творчестве художника занимает Плёс, маленький городок на берегу Волги, который с детства стал второй родиной Молчанова. При работе на натуре художнику важно, по его признанию, «не замучить», «не засушить», «не убить живое чувство». Искусствовед И.Б. Порто отмечал: «Олег Молчанов имеет редкий дар видеть в пейзаже картинность, сложную композиционную, колористическую ткань создаваемого им образа русской природы».
Олег Иванович Молчанов родился в 1966 году в Костромской области. Окончил Ярославское художественное училище и мастерскую пейзажа Российской академии живописи, ваяния и зодчества. С 1997 года — член Союза художников России. Многогранность интересов художника проявляется в иконописи, реставрации, поэзии. С 2000 года участвовал в реставрации храма Преподобного Сергия Радонежского в ВысокоПетровском монастыре в Москве, в 2013 году — в строительстве часовни «Царская Голгофа»
в Ипатьевской слободе в Костроме. Молчанов является создателем нескольких памятников-композиций. Наибольший резонанс имел памятник Ивану Грозному, который Олег Иванович воздвиг в 2016 году на собственные средства и пожертвование областной администрации города Орла к 450-летию основания города. Знаковым для автора также является памятник протопопу Аввакуму, установленный к 400-летию со дня рождения «огнепального протопопа» в Боровске в 2020 году. Ярким событием для города Липецка стала установка шестиметрового памятника святителю Николаю Чудотворцу (чин Никола Можайский), выполненного художником в 2021 году. С 2013 года Олег Молчанов является ведущим авторской передачи «Мысли о прекрасном» на телеканале «Союз». За это время выпущено около 300 выпусков о деятелях искусства и культуры страны.
Участник художественных выставок во многих российских городах и за рубежом: в Германии, США, Черногории и других странах. Персональные выставки Молчанова, которые состоялись в Бремене и Гамбурге, Вашингтоне и Москве, Киеве и Курске, всегда имеют неизменный интерес у зрителей.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«петербург. роман с городом». выставка произведений бориса мессерера в мвк рах
Российская академия художеств 13 октября — 28 ноября 2021 года представила выставку произведений народного художника России и академика РАХ Бориса Асафовича Мессерера. Мастер большой формы, сценограф и автор инсталляций не мог не создать свою петербургскую мифологию, которая не нуждается в присутствии человека,
но сохраняет его страстную и стойкую душу. Пейзажи, созданные московским автором, отличаются изобразительной плотностью, цветовой насыщенностью и крепким рисунком. В экспозиции было представлено около пятидесяти графических и живописных работ, выполненных автором в период с середины XX века по настоящее время.
Впервые ленинградские пейзажи появились в акварелях Мессерера 1955 года, живых, непосредственных, закапанных дождем, и уже тогда помогли молодому художнику выделить наиболее близкие ему мотивы, уловить собственную интонацию, не позволявшую повторять многочисленные известные произведения. Как в поэзии, так и в живописи и графике петербургская тема остается неисчерпаемой и позволяет раскрыться авторам с различным темпераментом и разной «теплотой» крови. Мессерер в своем творчестве, как правило, отличается корректностью, отточенностью пластического высказывания, поэтому его листы подобны чеканным рифмам, которые вспоминаются во время прогулок по гранитным плитам любимых набережных.
Главная героиня художника — река Мойка. Ее набережные, мосты и здания олицетворяют Петербург, его особый ритм, его смены настроения, его неожиданные ракурсы. Серия, посвященная району Мойки, складывалась не одно десятилетие, многие листы родились из беглых зарисовок пером и фломастером, сделанных во время частых приездов в Ленинград. Так сложилось, что в полном объеме художник ее не показывал, выбирая для выставок лишь некоторые работы. Но, собранные вместе, они производят впечатление цельности и продуманности и дают возможность иначе взглянуть на самые знаменитые кварталы города.
Часть Мойки от Мало-Конюшенного моста через Большой Конюшенный до Певческого моста можно пройти за четверть часа. Но какие поразительные архитектурные, живописные,
историко-литературные открытия делает здесь внимательный наблюдатель. Ритмические ударения, соответствующие поворотам неширокой реки, уже два столетия с успехом используются градостроителями. Тем же ритмам подчинены композиции Мессерера, умеющего безупречно выстраивать панорамные перспективы.
Представленные на выставке произведения исполнены в разных техниках, однако являются повторением одних и тех же сюжетов. Что не должно вызывать недоумения, потому что они позволяют увидеть знакомые места и другими глазами, и в разнообразии душевного состояния. Пустынные, очищенные от суеты, лишенные пешеходов и автомобилей, изогнутые набережные, дома, мосты замерли в предрассветном полусне, и в этот момент они принадлежат только прошедшему времени. Это чудесное состояние отрешенности, вечности бытия, в которое на краткий момент погружен город, помогает снова и снова восхищаться его бесконечно странной, «умышленной» и неповторимой красотой.
Рисунки прессованным углем, в отличие от работ, выполненных маслом на холсте, обладают собственной энергетикой, присущей тому авторскому усилию, которое рождает линию на бумаге. Чередование короткого быстрого штриха и тонированных плоскостей воды и набережных первого плана позволяет Мессереру подчеркнуть необходимый контраст между стоящими на месте зданиями и движением вдоль их линии. Особенно живописными в черно-белом варианте выглядят просветы белого листа, которые акцентируют
меняющееся светотеневое освещение и усиливают общее состояние драматического напряжения. Замечательно точно решены художником переходы к дальним и ближним планам, взгляд с одного берега на другой, разбег набережной, будто спустившейся с моста («Мойка. Вид с Большого Конюшенного моста», «Вид на Мойку со стороны Певческого моста»).
Живописные произведения позволяют добавить новую интонацию в изобразительное повествование о Мойке. Цвето-пластическое решение опирается не на скрытый драматизм, который ощутим в угольных рисунках, но на иное представление о городе — пышном, блистательном Санкт-Петербурге. Не случайно район Мойки соседствует с Дворцовой площадью, Миллионной улицей и Большой Невой. Одни и те же пейзажные панорамы в живописи предстают
как величественные и торжественные, поддержанные цветом воды тусклого золота, мрачно сияющей в просветах набережных («Вид на дом Аракчеева», «Вид с Певческого моста», «Большой Конюшенный мост»).
Выставка произведений, посвященная Ленинграду-Петербургу, вновь открывает неожиданные ракурсы восприятия одного из величайших городов мира, рождает новые чувства и размышления, связанные с ним.
Материал подготовлен на основе статьи искусствоведа Натальи Козыревой.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«мой сад, мой цвет». живопись, графика. выставка произведений ирины лотовой в залах российской академии художеств
Российская академия художеств 20-31 октября 2021 года представила выставку произведений члена-корреспондента РАХ Ирины Лотовой «Мой сад, мой цвет». Экспозицию составили около сорока живописных и графических работ нескольких последних лет, выполнены в технике масляной живописи, гуаши, темперы, пастели.
Творчество автора хорошо знакомо зрителю. Она активный участник российских и международных выставок, обладатель высоких профессиональных наград, ее произведения представлены в собраниях многих российских музеев, зарубежных частных коллекциях. Работы Ирины Лотовой всегда находят широкий зрительский отклик. Интерьер и пейзаж, интимная, камерная ситуация и экстравертная восторженность внешним миром, его цветом и светом...
Эти два лейтмотива являются сегодня основополагающими для ее творчества.
«Я хочу передать в своих работах ту красоту, которую увидела, тот цвет и чудесный свет в пейзаже, те контрасты формы и цвета, которые я построила в интерьере. Может быть, если это удается передать зрителю через живопись, зритель почувствует то же, что чувствую я,—радость и покой от созерцания красоты»,— говорит художник.
Непосредственность видения, иллюзорная легкость восприятия — «alla prima» в ее работах на самом деле — результат кропотливого труда. Художник делает множество вариаций цветового и композиционного решения для каждой картины. Выставка «Мой сад, мой цвет» — попытка показать вместе и завершенные работы, и промежуточные результаты этого поиска.
Ирина Лотова родилась в 1958 году в Москве, училась в художественной школе № 1, окончила Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года. Она органично вошла в мир искусства. Большую роль в ее творческой судьбе сыграла семья: родители — московские скульпторы Римма и Николай Лотовы, дедушка и бабушка. «Мои дедушка и бабушка — живописцы из Саратова. Дедушка — Владимир Кашкин — ученик Петра Уткина, младший товарищ Павла Кузнецова»,— вспоминает Ирина. Они передали ей не только основы особой эстетики русского символизма, но и ту живописную культуру, которая вошла в историю вместе с творческим объединением «Голубая роза».
«С раннего детства я смотрела альбомы любимых художников дедушки. Поэтому самое большое влияние на меня оказала русская живопись конца XIX и начала XX века — Михаил Врубель, Виктор Борисов-Мусатов, Павел Кузнецов. Французская живопись — Сезанн, Гоген, Дерен, Боннар и, особенно, Матисс, Пикассо. Надо учиться у них, но я не вижу для себя пространства для поиска и развития пластических идей этих художников. С юности я читала и читаю сейчас воспоминания, письма художников, их мысли об искусстве и считаю, что художник, изучая творчество предков,
прежде всего должен быть искренним, писать то и как душа просит, искать свои решения. Всё искусство любимых художников, их опыт рядом со мной, но я живу в другом времени, и я другая. Надо просто работать, писать, пытаться выразить свое видение мира»,— рассказывает автор.
Одним из основных источников вдохновения Ирины Лотовой, главным героем множества произведений стал ее сад в Переславле-Залесском. Создавая его, запечатлевая в многочисленных работах, она воплощает свою мечту о Саде как модели идеального мироздания, райском уголке, где природа предстает во всей своей красоте, где расцветают необыкновенные цветы, где в полифонии красок, многочисленных нюансов и оттенков буквально ощущаешь их аромат.
«Моему саду 30 лет. В моей библиотеке книги по садоводству. Я выбирала растения для нашей земли и особенностей климата. Но, прежде всего, я выбирала растения по цвету и форме, чтобы их писать. Я сажала клен Гиннала, потому что осенью он разных оттенков красного цвета, дельфиниум— за цвет и рост, хосты—за форму и орнамент, ирисы и лилейники — за количество цветов и время цветения. Я сажала шаровидную иву и хвойные ради их форм. ...Учитывая биологические особенности растений — что сажать в тени, что сажать
на солнце, я всегда думала о том, как я буду писать их, и прежде всего, сажая сад, я думала, о живописи. Сад, живущий по законам природы, дарит мне образы будущих картин»,— признается художник.
«Погруженная» в стихию цвета и света, Ирина Лотова остается строгим и волевым мастером, произведения которого отличаются выверенной композиционной структурой, балансом неожиданных цветовых сочетаний, объемов, векторов движения, продуманным выбором материала. Пастелью и маслом она много лет работает параллельно, пытаясь найти верное композиционное решение. Гуашью и темперой раньше писала чаще всего эскизы к картинам, после натурных зарисовок и поисков композиционных решений карандашом. Пастель и гуашь для нее не графические техники, она пишет этими материалами. Их возможности ограничены и решения работ более условные, другие, чем в живописи маслом. «Мой родной, самый близкий мне материал — масло, самый богатый по возможностям и самый трудный, сложный. Им я могу писать долго, искать, двигать, переписывать, имея неограниченные возможности. Только маслом можно создать мощный, глубокий цвет. Его качество, звук—глубже и сильнее, чем в других техниках». Знакомясь с экспозицией,
зритель сможет оценить и прочувствовать особенности и возможности различных материалов.
Одним из важнейших моментов в становлении художника, по мнению Ирины Лотовой, является присутствие в его жизни человека, который его поддерживает. Для нее это мама, скульптор, керамист Римма Владимировна Лотова, недавно ушедшая из жизни. «Первый, лучший советчик, ее мнением о моих работах я так дорожила! И еще любимая модель — Дама моего сада».
Творческий поиск, рождение образа, произведения, развитие традиции, становление творческой индивидуальности... Обо всём этом повествовала интереснейшая выставка, предлагая зрителю новую встречу с мастером.
Текст подготовлен на основе записи беседы с Ириной Лотовой искусствоведа, академика РАХ Любови Евдокимовой в сентябре 2021 года.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
выставочный проект «шедевры русского искусства из американских коллекций» в мвк рах
Российская академия художеств и Московский музей современного искусства 9 ноября — 12 декабря 2021 года представили выставку «Шедевры русского искусства из американских коллекций», организованную нью-йоркской галереей АВА. В экспозицию вошли произведения искусства величайших мастеров русской живописи: Абрама Ар-хипова, Филиппа Малявина, Константина Коровина, Николая Рериха, Михаила Ларионова, Александра Яковлева, Бориса Григорьева, Давида Бурлюка, Ивана Пуни, Роберта Фалька, Александры Экстер и других.
Зрители увидели около 70 произведений, охватывающих два столетия русского искусства, от Ивана Айвазовского до Олега Целкова и Эдварда Беккермана. Пейзажная школа второй половины XIX — начала XX века была представлена такими известными именами, как Николай Ду-бовской, Владимир Федорович, Александр Маковский и Константин Горбатов. Основное ядро этого раздела составили работы Константина Коровина разных лет, среди которых следует особо отметить ранний шедевр «Гурзуф» 1912 года, произведения из знаменитой серии «Парижские
бульвары» и замечательный портрет элегантной женщины.
Этот ряд удачно дополнили две картины Сергея Виноградова, который вошел в историю не только как пейзажист, но и как консультант известных коллекционеров живописи французского модернизма Ивана и Михаила Морозовых. Однако наиболее значительной работой и центральным экспонатом выставки является эффектное масштабное полотно одного из младших передвижников и основателей объединения «Союз русских художников» Абрама Архипова «Бабы на берегу» из знаменитой серии «Торговки». Работы из этой серии отличаются крупным форматом, исключительным для творчества данного мастера. Размер полотна «Бабы на берегу» (100,5 х 189 см) вызывает в памяти восторженную реакцию Абрама Эфроса на близкую по формату и композиции картину из той же серии, которая была представлена на выставке «Союз русских художников» в 1913 году: «Необычно большие масштабы умелых холстов Архипова. Ведь метр на два, таких размеров у него раньше не было!»
Среди представителей более молодого поколения центральное место занял обширный блок
произведений Давида Бурлюка, показавший его работы японского, русского и американского периодов. В экспозицию вошло более десяти картин художника, от ранних кубофутуристских композиций до американских портретов 1920-х годов и экспрессивного натюрморта, исполненного в 1948 году. Особого внимания заслуживает портрет Василия Каменского 1917 года, долгое время считавшийся утерянным.
В экспозицию были включены также работы других представителей русского авангарда: «Портрет матери» Владимира Бурлюка 1909 года, уникальные по качеству произведения Роберта Фалька, Ивана Пуни, Александры Экстер, Михаила Ларионова, Наталии Гончаровой, Владимира Баранова-Россине, а также полотно «Суд Париса» (1912) Бориса Анис-фельда — наиболее ранняя из сохранившихся работ с изображением мифологических и библейских сцен, создававшихся художником на протяжении 1910-х годов («Сады Эдема», «Суламифь», «Ревекка у колодца» и др.). Для всех произведений этого цикла характерно использование отдельных приемов «умеренного» кубизма А. Дерена и О. Фриеза.
К этому же периоду относятся представленные на выставке натюрморты Бориса Григорьева,
ACADEMY NEWS Ппе Art of Eurasia
№4 (23) 2021
сангина Александра Яковлева «Борец сумо», долгое время хранившаяся в семье сестры художника в Париже, редкое для российского зрителя произведение Марии Маревны и два американских пейзажа — «Американская идиллия» Сергея Судейкина и «Монэгэн, Мэн» Николая Рериха. Однако наибольший интерес представляет более ранняя работа Рериха «Печоры. Внутренний вход со старой звонницей», которая относится к «Архитектурной серии», созданной во время поездок художника по России в 1903-1904 годах. Рерих писал с натуры, поэтому привозил из путешествий в основном малоформатные этюды на фанере. Однако «Печоры» представляют собой полноразмерный законченный холст. После выставки в Санкт-Петербурге в 1904 году император Николай II отдал распоряжение приобрести картину в Русский музей. Однако Рерих, мечтавший о международной славе, решил сначала отправить работу в мировое турне. Картина была вывезена в Париж и Лондон, а затем включена в большой проект в рамках Всемирной выставки в Сент-Луисе в США в 1904 году. Из Америки она уже не вернулась — из-за мошенничества устроителя выставки Эдварда Грюнвальдта, тайком распродавшего экспонаты русских участников и присвоившего себе деньги. Известно, что художник неоднократно пытался вернуть полотно в Россию.
«Сейчас, когда выставочные обмены между странами оказались вынужденно замороженными, нам представляется особенно важным напомнить
и коллекционерам, и зрителям о невероятном потенциале русского искусства и о новых перспективах, которые открываются перед частными галереями. Я рад, что в ноябре 2021 года москвичи и гости столицы будут иметь возможность увидеть шедевры русского искусства, которые около 100 лет не показывались в России»,— сказал в преддверии выставки владелец нью-йоркской галереи ABA Анатолий Беккерман.
Галерея ABA — одна из самых компетентных зарубежных организаций, занимающаяся популяризацией и продвижением русского искусства и культуры на Западе, за 35 лет галереей были организованы десятки выставок в западных и российских музеях и сотни тысяч зрителей смогли увидеть и оценить красоту и оригинальность русского искусства. Учредители галереи стремятся не только собирать, но и изучать художественное наследие русского зарубежья, а также творчество отдельных представителей целого пласта культуры, утраченного Россией в послереволюционные годы. Регулярные выставки, которые галерея проводит в Москве, позволяют заполнить эту лакуну, способствуя возвращению произведений русских художников, в разное время вывезенных из страны.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«первая эскадра». выставка произведений бориса бельского в российской академии художеств
Российская академия художеств 17 ноября — 12 декабря 2021 года представила выставку произведений известного графика, одного из крупнейших мастеров шелкографии, заслуженного художника России, академика РАХ Бориса Бельского «Первая эскадра».
Морская тема стала главной в творчестве мастера со студенческих лет. Талант художника ярко проявляется в произведениях, посвященных славной истории Российского флота, повседневной и боевой жизни моряков, кораблям и морским сражениям, достижениям российского кораблестроения. Более 30 лет Б.Ф. Бельский работает
в уникальной авторской технике шелкографии. Художник новаторски использует различные материалы, в том числе металл, ткань, бумагу, что и было продемонстрировано в экспозиции. Сложную эмоциональную пластику графических циклов «Корабельная архитектура», «Судостроение», «Лодка» и «Первая эскадра» дополнила уникальная инсталляция — на главной лестнице исторического особняка на Пречистенке, 21 был представлен парус яхты «Формоза», под которым академик РАХ Федор Конюхов совершил кругосветное плавание.
Вот что говорит о выставке сам мастер: «С 1981 года я начал ездить на корабли ВМФ СССР
academy news иле ан с* еигааа
№4 (23) 2021
и РФ в творческие командировки, что и продолжаю делать до сих пор, благо тогдашние мои друзья стали уже важными адмиралами. Где-то с 2000 годов это увлечение стало почти маниакальным, одна из статей обо мне даже называлась "Морская болезнь". Сейчас я сочиняю корабли, занимаюсь тем, что можно назвать "корабельная архитектура". Крайне обширная тема, со многими отсылками к истории кораблестроения. Это, на мой взгляд, много шире, в историческом и визуальном контексте, чем просто маринистика. Само понятие "корабль"—одно из наиболее универсальных в мировой культуре. Стараясь узнать и изменить, переварить это всё, я стал работать над темой кораблей в качестве так называемого небрежного чертежника. Постепенно формируя модельную линейку корабельных проектов, активно используя технику шелкографии, которой я занимаюсь с 1986 года (это отдельная история). Практикуя технологии коллажа, на основе обширных архивов, нуждающихся в упорядочивании и утилизации (так называемая утилизация в форме коллажирования). Это первая моя попытка собрать мысли, картинки и объекты в рамках плана по формированию Первой эскадры, с разработкой ее целей и задач, а также пока визуального списка кораблей.
Выставка в Академии—своего рода итог всей предыдущей деятельности, так называемый архив души. Он состоит из листов коллажей, которые могут (и должны) вырасти в другие проекты моего "бумажного судостроения". Добро пожаловать на борт!».
Борис Феликсович Бельский родился в Москве, в семье художника-графика Ф.И. Бель-ского и А.А. Агамировой. В 1984 году окончил факультет графики МГАХИ им. В.И. Сурикова, где
учился у Н.А. Понамарёва, Б.А. Успенского, Н.Л. Во-ронкова. Мастер повышал профессиональное мастерство в международных печатных центрах: Школе Ф. Мазереля (Нидерланды), Принтстудии Глазго (Англия), Художественной школе Каркаран и университете Радгерс (США). С 1980 года он участвует в зональных, республиканских и всесоюзных выставках, в экспозициях советской и российской графики за рубежом, международных биеннале графики (Саппоро, Маастрихт, Чибо, Пусан, Калининград). С успехом прошли персональные выставки в залах РАХ, в Музее архитектуры имени А. Щусева.
В 1993 году Б.Ф. Бельский стал художественным руководителем Творческой мастерской шелкографии Российской академии художеств в Москве. Художник является организатором мастер-классов по шелкографии для студентов МГАХИ им. В.И. Сурикова и СПбГАИЖСА им. И.Е. Репина, учащихся МАХЛ РАХ и ряда других учебных заведений страны. Он член Комиссии по графике Правления ВТОО СХР, эксперт по печатным технологиям Государственного музейно-выставочного центра РОСФОТО Министерства культуры РФ, член Общероссийской ассоциации искусствоведов (АИС), участник научных конференций РАН и РАХ. Б.Ф. Бельский ведет активную общественную и шефскую работу на кораблях Черноморского и Северного флотов. В Североморске им организована большая экспозиция современной графики, которая передана в дар городу. Работы автора находятся в собраниях музеев многих российских городов, зарубежных музеях, во многих частных коллекциях.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«портрет времени». выставка произведений александра теслика в российской академии художеств
Российская академия художеств 17 ноября — 12 декабря 2021 года представила выставку произведений народного художника РФ, академика Российской академии художеств Александра Ивановича Теслика. Экспозицию составили около 50 работ разных лет.
Александр Теслик—крупный российский график, талантливый педагог, виртуозный профессионал, владеющий многими графическими техниками. Он принадлежит к числу немногих художников, вошедших в отечественное искусство в восьмидесятых годах прошлого века и доказавших своим творчеством, что реализм не исчерпывается
позитивистским жизнеподобием, а предполагает разнообразие формальных поисков и воплощений. На его творческое становление повлияло время, ценившее минималистичную ясность художественных высказываний, учителя, создатели новой эстетики мастерской станковой графики в Суриковском институте. Мастерскую «в ее стилистических особостях и образных предпочтениях»исследователи определяют как «школу умного сердца, школу чистого искусства», отличающуюся «фирменными частностями»: стремлением к линеарной выверенности; пространством, строящимся послойно, а не глубинно; использованием
academy news иле ан с* еигааа
№4 (23) 2021
определенных графических приемов, например однонаправленной штриховки, «аннигилирующей физиологическую объемность в пользу изощренной текстурной материальности». Вместе с лидерами поколения А. Теслик искал собственный путь в границах современного классического искусства. В его методе рисования соединяются и натурная наблюдательность, и владение мастерством пластических обобщений, прочувствованных и сформулированных предшествующим искусством. В темах его работ отражены ключевые моменты истории, жизни страны второй половины XX века.
На выставке были представлены рисунки из портретных серий, пейзажи, сюжетные композиции, выполненные в технике графитного карандаша, угля, сангины, произведения, исполненные в технике темперной живописи. К излюбленным темам и мотивам художник обращается на протяжении всей своей творческой жизни. Каждый ее этап — это и встречи с новыми людьми, и новый виток раздумий о мире, и новые художественные обретения. Так рождаются обширные циклы работ, воплощающие не только широкую географию поездок, запечатлевающие облик и образы сотен людей, но и творческие искания мастера. Неразгаданной тайной, притягательной, вызывающей постоянный интерес, для него остается человек, его изменчивая внешность, вселенная его внутреннего мира. Он любуется им, изучает, исследует его. Как подлинный Мастер, А. Теслик для каждого портретного образа находит особую изобразительную форму, меняет исполнительские приемы, переходя «от эстетизма недопроявленного, почти свинцового карандаша к энергийной штриховой брутальности». Он рисует юные, молодые, зрелые, искореженные старостью лица. И нередко форма предельно обострена. Но его порой почти гротесковые рисунки остаются глубоко проникновенными и человечными в своей образной сущности.
Одна из основных тем творчества художника — воплощение мужества и героизма бойцов правопорядка, сложная работа сотрудников правоохранительных органов. Как один из ведущих мастеров Студии художников имени В.В. Верещагина МВД России он неоднократно выезжал в районы боевых действий в Чеченской республике, Северной Осетии, создав по итогам командировок циклы глубоко психологичных произведений. Работы серии не вошли в экспозицию, но широко известны зрителю по ранее прошедшим выставкам.
Выразительнейшим разделом выставки стали произведения из серии рисунков «Северная деревня» (уголь, сангина) и выполненные в технике темперной живописи работы из цикла «Греция православная». Проникновенные
и содержательные, они наполнены глубоким чувством единства человека и природы, чувством единства мира.
К несомненным творческим удачам Александра Теслика специалисты относят первоклассный по исполнительскому мастерству графический лист «Зеркало» (1983), отмечая его как своеобразный «образ-символ времени-эпохи перед ее сокрушением»: «Название листа обращает к поколенчески-культовому фильму Андрея Тарковского и одновременно к пафосу комсомольских ударных строек, к стройотрядовской бодрости, напоминает тебе, постаревшему, о радостях молодости, не замечавшей трудностей, без которых девальвировалась бы нынешняя успешность. В зазеркалье рисунка отразилась вечная женственность, искавшая судьбу не в офисно-планктонной столичной среде, а на стройках, разбросанных по городам всего Союза. Рисунок о том, "как молоды мы были, как искренне любили, как верили в себя!". А еще о влюбленности в девушку в косыночке со звездами художника, все забывавшего "на горестной земле, / Когда твое лицо в простой оправе / Передо мной сияло на столе" (А. Блок). Время безжалостно сепарирует творцов, выделяя из них тех, кто символизирует свое поколение. По ранним рисункам Александра Теслика можно судить не просто об эпохе 1980-х, со всеми ее несуразностями, а об эпохе в ее распознанном благородящем совершенстве».
Александр Иванович Теслик родился в 1950 году в городе Бобрик-Донской Тульской области, окончил Ярославское художественное училище, в 1980-м с отличием — МГХИ им. В.И. Сурикова, мастерскую станковой графики у Н.А. Пономарева, Б.А. Успенского, А.Б. Якушина. Затем прошел стажировку в Творческой мастерской Академии художеств СССР под руководством действительного члена АХ СССР О.Г Верейского. Окончив обучение, работал в мастерской уникальной графики Комбината графического искусства. С 1992 года входит в состав Студии художников имени В.В. Верещагина МВД РФ. Более 25 лет А.И. Теслик ведет педагогическую деятельность. Он преподавал в Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова, с 2002 года — заведующий кафедрой рисунка и руководитель мастерской станковой графики МГАХИ им. В.И. Сурикова, член ГЭК ведущих художественных вузов страны, академик-секретарь Отделения графики и член Президиума РАХ. А.И. Теслик является участником крупнейших выставок, проходивших в стране и за рубежом. С успехом проходили многочисленные персональные выставки мастера. Среди основных произведений — серии графических работ «Металлурги Тулы», «Керченская земля», цикл работ «Отряд спецназа "Русь"»,
выразительные портретные серии: «Молодые ученые МГУ», «Портреты министров МВД», серия портретов жителей села Сростки, села Купче-гень, села Пурнема, серия «Греция православная» и другие. Художник отмечен многими наградами: дипломом и золотой медалью В.В. Верещагина «За вклад в развитие и продолжение традиции русского реализма в искусстве», премией
МВД России в области литературы, культуры и искусства.
На основе статьи народного художника РФ, профессора С.А. Гавриляченко.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«вооруженный зреньем». выставка произведений андрея есионова в государственном музее архитектуры имени а.в. щусева
Новая выставка Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева, концепция которой предложена критиком и куратором выставки членом-корреспондентом РАХ Александром Боровским, представила 1 декабря 2021-20 февраля 2022 года широкой публике творчество современного московского художника, лауреата национальных и международных премий, почетного академика Академии изящных искусств и рисунка во Флоренции и академика Российской академий художеств Андрея Есионова.
В экспозицию вошло около 100 живописных и графических работ, в числе которых акварельные серии на остросоциальные и бытовые сюжеты, а также картины философско-религиозного жанра. Некоторые произведения представлены широкой публике впервые.
Мандельштамовский образ для названия этой выставки выбран осознанно. Есионов — художник оптического склада. Экспозиционное решение прямо подчеркивает момент визуального опыта как экзистенциальной ценности. Всё может разрушаться (обыграна тема «Руины» — названия музейной площадки), но эта ценность сохранится: академик РАХ Юрий Аввакумов, архитектор экспозиции, создает для каждой вещи ситуацию укрытия, как он говорит, подобие реликвария, табернакля.
Андрей Есионов занял в современном искусстве важную нишу, которую можно описать термином эмпатия, осознанное сопереживание. Он уверен в окружающей реальности, далеко не всему сочувствует и знает, что натурная ситуация не обманет и раскроет свои внутренние смыслы. Мастер доверяет своему «зренью», его способности «разобраться в увиденном», услышать главное, не дать себя увлечь посторонним.
Под категорию эмпатия подпадает и отношение с медиа, то есть материалом и техникой — маслом и акварелью: чуткость к их самостоятельной внутренней жизни. Немного доверия, и акварель сама извлечет из нехитрой уличной сценки новый содержательный пласт. В живописи мазок ляжет так, что будет работать на характеристику знаменитой модели помимо психологических нюансов или в картине на религиозно-философский сюжет даст искомое спиритуальное свеченье.
Акварели и картины живописца далеко не безоблачны, его тревожат и вечные проблемы бытия, и вызовы текущей жизни. Однако художнику эмпатии важно подтвердить устойчивость и стабильность картины мира. И это ему удается — в согласии с собой и своими выразительными средствами.
Андрей Кимович Есионов — выпускник Ташкентского государственного театрально-художественного института им. А.Н. Островского (1990), на московской арт-сцене появился в начале 2010-х уже духовно и профессионально сформировавшейся личностью. Это был редкий случай независимого, несистемного творческого старта. В конце десятилетия художник добивается внимания музеев. Причем самых разных — Государственного Русского музея и ММОМА, Государственных
музеев изобразительных искусств Татарстана и Узбекистана, Accademia delle Arti del Disegno во Флоренции и музея San Salvatore in Lauro в Риме.
На основе пресс-релиза Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«корабль плывет». выставка произведений бориса бельского в мемориальном музее «творческая мастерская с.т. коненкова»
В рамках многолетнего выставочного проекта «Диалог с мастером» в Мемориальном музее «Творческая мастерская С.Т. Коненкова» с 7 по 29 декабря 2021 года была открыта выставка произведений академика РАХ Бориса Бельского «Корабль плывет». В экспозиции были представлены графические листы и записные книжки художника.
В графических работах автора, посвященных флоту, призрачные силуэты фантастических кораблей неожиданно прорастают шпилями
готических соборов, а сумрачные фантомы неведомой флотилии полны внутреннего напряжения и мрачной энергии в контрасте черного и белого. Схоластически утонченная, тревожная графика Бориса Бельского, расположенная рядом с эмоциональной скульптурой Сергея Коненкова, дает уникальную возможность погрузиться в миры, полные фантастическими образами и сюжетами. Записные книжки — отдельная часть экспозиции, представляющая воображаемый кабинет
художника, где рабочие блокноты, заполненные рисунками и текстами, дают возможность наблюдать творческий процесс мастера.
Автор о концепции выставки: «По достижении, более или менее успешному, шестидесяти лет, разбираясь в бумагах и архивируя найденное в коллажах, понял, что в основе большинства работ, даже шелкографий на металле размером 2,5 на 1,25 м, лежат записные книжки и дневники, а то и вовсе кусочки бумаги у телефона...
Из книжек вырастали новогодние шелко-графские открытки (некоторые их коллекционируют, что радует). Потом всё квалифицировалось по проектам и моделям кораблей «Первой эскадры» (другой большой проект открыт до 5.12.2021 в залах Российской академии художеств).
Другой аспект — название одного, на мой взгляд, из лучших и философических (хотя они все таковы) фильмов Федерико Феллини. Мы все на корабле, и он плывет, к счастью.
В процессе работы мне показалось, практически бросилось в глаза сходство корабельной архитектуры и конструкций соборов. Оказалось, это давно известно ученым и конструкторам. Но я не кораблестроитель, ничего из этого не построить. Бытует исторический анекдот: кайзер Вильгельм (тот, который кузен Николая II) очень любил рисовать проекты кораблей и делал это с большим тщанием. Кто-то из адмиралов иронично заметил: отличный корабль, жаль, не поплывет.
Может, оно и к лучшему. То, что вы видите,— "корабли души", и они плывут (идут). В этих залах много кораблей и соборов души».
На основе статьи Светланы Бобровой, заведующей Мемориальным музеем «Творческая мастерская СТ. Коненкова».
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«уникальная интонация». выставка произведений веры мыльниковой и учеников в мвк рах
Российская академия художеств с 7 декабря 2021 по 23 января 2022 года представила выставку «Уникальная интонация». Масштабная экспозиция, размещенная на двух этажах МВК РАХ, продемонстрировала около 90 живописных полотен, выполненных академиком РАХ Верой Андреевной Мыльниковой и учениками возглавляемой ею Творческой мастерской монументальной живописи в Санкт-Петербурге. Это пятнадцать молодых, но преуспевающих художников: Сергей Данчев, Сергей Коваль, Станислав Мирошников, Александр Тыщенко, Сергей Секирин, Антон Мелентьев, Евгений Ячный, Иван Покидышев, Григорий Кадыков, Чермен Гуг-каев, Рустам Яхиханов, Иван Журавлев, Арсений Багдасарян, Татьяна Чикова, Ольга Фомина.
Творческие мастерские Российской академии художеств являются исследовательской
лабораторией по изучению процессов и перспектив развития современного изобразительного искусства. Они были основаны в 1947 году, когда качеству художественного образования придавалось особое значение. Постановление Совета Министров СССР объединило в академическую структуру художественные институты и художественные школы Москвы и Ленинграда, аспирантуру, мастерские, лаборатории, издательство, музей и библиотеку. Так была создана единая система художественного образования «школа — вуз — академия», в которой главное внимание уделялось профессиональному развитию будущих мастеров, начиная со школьного возраста и до выпуска из Творческих мастерских специалистов различных художественных направлений.
В 1961 году в Санкт-Петербурге были образованы три академические Творческие мастерские, в том числе и мастерская монументальной живописи. Более пятидесяти лет ее руководителем был народный художник СССР, действительный член и вице-президент Российской академии художеств, Герой Социалистического Труда, лауреат Ленинской, Сталинской и трех Государственных премий СССР и РСФСР Андрей Андреевич Мыльников (1919-2012). Сегодня этой мастерской руководит его дочь и ученица — академик Российской академии художеств Вера Мыльникова.
Художники мастерской с первых лет ее существования принимали участие в создании произведений монументального искусства для оформления общественных зданий Москвы, Санкт-Петербурга и других городов России. Одними из первых работ художников мастерской стали росписи школы в Ленинграде, посвященные истории России, а также мозаики для памятника Героическим защитникам Ленинграда. В конце 1970-х годов художники работали над созданием гобеленов для Дома Советов РФ в Москве, где работала и Вера Андреевна. Были созданы росписи для театра им. Евгения Деммени, мозаики для
станции метро «Площадь Александра Невского». Также к достижениям художников Творческой мастерской разных лет относится участие в воссоздании художественного убранства храма Христа Спасителя в Москве.
За время своего существования мастерская выпустила несколько поколений живописцев, которые стали заслуженными художниками, лауреатами Государственной премии, академиками и профессорами. В настоящее время в Санкт-Петербургской академии художеств имени Ильи Репина работает целая плеяда преподавателей, среди которых одни из первых стажеров мастерской Мыльникова: заведующий кафедрой живописи В.С. Песиков, руководитель мастерской монументальной живописи С.Н. Репин, руководитель мастерской монументальной живописи А.К. Быстров, руководитель мастерской станковой живописи Ю.В. Калюта, руководитель мастерской станковой живописи Х.В. Савкуев, декан факультета живописи А.В. Чувин. Передача накопленного опыта от поколения к поколению художниками Санкт-Петербурга — это наглядный пример преемственности, в основе которой лежит сохранение и развитие исторически сложившейся академической школы.
Высокая профессиональная подготовка, полученная сначала в стенах Института имени Репина, а затем продолженная в Творческой мастерской РАХ, позволяет художникам с успехом работать в разных жанрах и передавать свое мастерство молодым авторам. Личность педагога имеет огромное значение в выборе тем и сюжетов, в понимании вопросов и проблем искусства. Молодой автор должен знать, что он делает и чего он хочет, не впускать стереотипы в свои произведения. Вера Мыльникова как руководитель мастерской видит свою задачу в том, чтобы помочь молодому художнику найти свой собственный путь в творчестве, не теряя при этом основы классического образования, полученного в стенах академии. Для нее важно внушить своим ученикам силу и уверенность в себе. Она говорит, что каждый художник может стать большим мастером, так как искусство — это непосредственное воплощение духовной силы человека.
Соединение опыта прежних времен с новым мышлением молодых авторов рождает произведения высокого художественного уровня, в очередной раз доказывая, что истинная
академическая школа дает широкий диапазон творческого развития. В работах молодых художников, наших современников характерные для русской традиции и данной мастерской темы обретают новое прочтение. Лишенные многословной повествовательности образы на больших холстах трогают глубиной и точностью затронутых ситуаций, вызывая душевный отклик, напоминая об очень важном и сокровенном. Знакомство с выставкой, безусловно, интересно как специалистам, так и любителям изобразительного искусства, поскольку предоставляет возможность заглянуть в процесс формирования мастерства художников — последователей лучших традиций реалистической школы.
На основе статьи руководителя Творческой мастерской монументальной живописи РАХ в Санкт-Петербурге, академика РАХ В. А. Мыльниковой и статьи заведующего Творческими мастерскими РАХ А. А. Трошина.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«радость бытия». выставка произведений николая боровского в российской академии художеств
Российская академия художеств с 15 декабря 2021 по 9 января 2022 года представила выставку произведений заслуженного деятеля искусств РФ, народного художника РФ, академика и члена Президиума РАХ Николая Ивановича Боровского «Радость бытия». Экспозицию составили более 100 произведений реалистического искусства, созданных автором за полвека художественной биографии.
«Пишу, что знаю и что люблю»,— говорит о создании произведений художник. Декоративное
решение полотен, неожиданные, остроумные композиции, выразительные образы, философская трактовка мотива — всё говорит об авторе как о большом мастере живописи.
Николай Боровской является мастером психологического портрета: он тонко передает непосредственное обаяние человеческих характеров и в каждом герое раскрывает сложный внутренний мир, трудный жизненный путь. В портретных работах мастер использует характерный для него набор
приемов: простая поза, крупный план, классически ясная композиция, продуманный колорит — всё это позволяет раскрыть образ портретируемого в многообразии его эмоций и переживаний. Практически все образы документальны и драматур-гичны, сформированы под влиянием жизненного опыта автора, чья биография включает в себя послевоенное детство, труд на колхозных полях и мясокомбинате, службу в Советской армии.
«Николай Боровской — прирожденный рассказчик, ему совершенно не нужны бесчисленные детали и аксессуары, чтобы заставить свои портреты говорить. Его персонажи будто рвутся к нам из полотна, каждый со своей жизненной новеллой — таково напряжение его живописи», — отмечает искусствовед Н. Аникина.
Верность натуре является одним из главных принципов художника вне зависимости от того, в каком жанре он работает. Наблюдательность, умение схватывать суть и передавать настроение проявились не только в портретах, но и в пейзажах. География его пейзажных шедевров так же обширна, как и география нашей страны: здесь можно обнаружить горные хребты Северного Кавказа, крымский зной и уютную тесноту московских улиц.
Особенно дорог художнику лиризм русской глубинки, а именно поселок Борисоглебский с панорамами древнейшего монастыря XIV века — именно здесь художник черпает вдохновение и проводит творческие каникулы. Во всех пейзажах мастер стремится передать различные состояния природы с помощью градации тональных отношений.
Однако одним из наиболее дорогих художнику мотивов, который проходит через всё его творчество, стали яблоневые сады, объединенные в циклы «Времена года» и «Старые яблони — как судьбы». С художественной точки зрения изображения старых деревьев позволяют ввести в картину замысловатую пластику и причудливые ритмы, а с философской точки зрения — психологическую глубину, что придает живописному циклу запоминающуюся образность.
Николай Боровской является одним из ведущих мастеров реалистического искусства, он сохраняет лучшие традиции русской художественной школы на протяжении всего своего творчества. Профессиональное академическое образование Николай Иванович начал в Крымском художественном училище имени Н.С. Самокиша. С 1979 года учился на факультете монументальной живописи
МГАХИ имени В.И. Сурикова, где его наставниками были профессора: Ю. Королев, А. Мызин, А. Фом-кин, И. Шацкий, Б. Тхорн.
Его творчество заслужило широкое признание у зрителей и товарищей по искусству. Автор — лауреат премии Правительства РФ в области культуры, обладатель золотой медали Российской академии художеств и многих других наград, а также участник более 150 различных художественных выставок. Картины Николая Ивановича входят в собрания крупных музеев России, а также в корпоративные и частные коллекции живописи во многих странах мира.
Н.И. Боровской ведет активную и плодотворную общественную деятельность. В настоящее время он первый секретарь ВТОО «Союз художников России», председатель МОСХа России, профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«посвящение...» выставка произведений юрия григоряна в российской академии художеств
Российская академия художеств с 17 декабря 2021 по 9 января 2022 года представила выставку произведений заслуженного художника РФ, члена-корреспондента РАХ Юрия Суреновича Григоряна. Было показано около сорока произведений нескольких последних лет.
Многогранный, глубокий мастер, яркий представитель современного искусства, Юрий Григорян всю жизнь хранит любовь к родному краю, воспевая его в своих произведениях. Уже более полувека он живет и работает в Москве, однако все его холсты наполнены воспоминаниями о его родине — Нагорном Карабахе. Через эту главную тему творчества он говорит о многомерности мира и, воплощая в работах изменчивость мгновенных проявлений жизни, передает свое ощущение первооснов, закономерностей и вечной гармонии бытия. «Юрий Суренович Григорян — свободный художник, — констатируют специалисты.— Что значит "свободный"? Свободный от чего, от кого? От многого свободный, и многих, но только не от себя самого». Мастер остается верным себе, своему внутреннему чувству, художественной интуиции, и отсюда — яркая индивидуальность его живописи, живой и наполненной смыслом.
Юрий Григорян родился в 1946 году. Получил прекрасную профессиональную подготовку в Московском художественном училище памяти 1905 года и Московском художественном институте имени В.И. Сурикова, в мастерской профессора Н.А. Пономарева. Художник нашел свой стиль, выработал собственную живописную манеру с характерными для нее колористической насыщенностью, гармонично выстроенной композицией, оригинальной техникой, с помощью которой он добивается сложной и своеобразной фактуры красочного слоя.
Активная творческая жизнь художника началась еще в студенческие годы, в 1972 году он впервые участвовал в Молодежной выставке московских художников. Отличаясь редкой работоспособностью и трудолюбием, уже к окончанию вуза он сумел представить на выставку в редакции журнала «Юность» более семидесяти полотен, стал стипендиатом Союза художников СССР. А в 1987 году его работа «Армянская женщина» была удостоена золотой медали на выставке «Современная советская живопись» в Японии. Всего на счету Юрия Григоряна участие в более чем в 200 выставках и десятках международных аукционов. Его творчество, удивительно цельное
и одновременно разноплановое, снискало художнику заслуженное признание в России и за рубежом. Произведения мастера представлены в крупнейших российских музеях, галереях многих стран мира.
«Юрий Григорян русский армянский художник. Армянин по рождению, он реально и органически впитал в свое творческое существо русскую культуру, русскую школу и этику истинного жизнеустройства»,— отмечают исследователи. В художественном пространстве его работ колоритная, почти музыкальная, национальная тема соединяется с высокими достижениями европейской живописи. Образы, создаваемые мастером, погружают зрителя в мир Кавказа и его жителей. Запечатлеть этот мир в мельчайших нюансах помогает разнообразие жанров, в которых работает мастер. На его холстах — величественные горные пейзажи, многофигурные жанровые этюды, чарующие портреты женщин с кроткими глазами. В основе замысла, по признанию художника,— только цвет. Именно он определяет эмоциональный строй картин Юрия Григоряна, передает и радость, и трагизм бытия, который остро чувствует художник. С годами цветовые градации становятся разнообразнее, строже, изысканнее, как, например, в его известных работах «Мать», «Кормилица», «Разговор». Плавно,
почти незаметно для глаза перетекающие цвета и формы, световая и тоновая среда наполняют полотна дымкой, флером ностальгии, изображаемое как бы улавливается на грани перехода от зримого к трансцендентному. Оценивая работы Григоряна, искусствоведы нередко отмечают присущую им «.несуетную мудрость, которая восходит к библейским истокам».
Произведения и выставочные проекты художника последних лет расширяют представление о масштабе его творчества. «Масштаб этот я бы характеризовал словом "притчи",— считает профессор, академик РАХ А.А. Золотов.— "Масштаб личности"—категория сложная. Всё здесь сложно. Само по себе определение масштаба: в каких "квадратных" или "кубических" метрах измерять? Личность человека, к тому же человека искусства — и вовсе загадка, а то и тайна. Ощущение масштаба личности Юрия Григоряна рождается из слиянности разнозвучащих, неоднозначных по мысли работ.
Его пейзажи дышат портретной угаданностью непередаваемо прекрасной природы. А люди на его портретах проявляют свою природность и через природность—масштаб, во всяком случае, характер. Вглядываясь в монументально-лирические, мощные пейзажи Григоряна, в вознесенную
им Природу, сознаю, что это, быть может, фрагменты вечного бытия в живом природном облике. Они величают отдельную неведомую жизнь, они таят в себе возвышенный драматизм жизни и высоту чувствования.
Общение с полотнами Юрия Григоряна рождает чувство уверенности в людях и мире. Таинственны каждая отдельная судьба, каждый взгляд на мир,
одаряющий нас ослепительным разнообразием жизни, но и капризами жизни тоже».
Текст подготовлен на основе статьи профессора, заслуженного деятеля искусств РФ, академика РАХ А.А. Золотова.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«секунды. минуты. часы. дни». выставочный проект из музейных фондов
российской академии художеств
Выставочный проект «Секунды. Минуты. Часы. Дни» — это первая тематическая экспозиция, представившая 22 декабря 2021-30 января 2022 года широкой публике музейный фонд Российской академии художеств, включающий более 1200 произведений, подаренных художниками — членами академии. Проект не только тематический, но и в некоторой степени интерактивный, позволивший зрителю посмотреть на собственный опыт со стороны. Экспозиция объединила более восьмидесяти произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства известных художников, членов Российской академии художеств: П.Ф. Никонова, В.Г Калинина, З.К. Церетели, И.П. Обросова, М.В. Дронова, В.А. Евдокимова, Т.Г Назаренко, В.А. Малолет-кова, А.В. Волкова, И.Г Снегура, Н.И. Нестеровой, М.П. Митурич-Хлебникова, Н.А. Пономарева, И.А. Старженецкой, И.В. Пчельникова, Т.А. Файдыш, А.Г Ситникова, О.В. Булгаковой и многих других.
Известно, что изобразительное искусство обладает «внутренним временем», определяемым динамикой особенного движения, развития и становления визуального образа. Плоскость картины и ее рама, пластический объем и свойства материала в скульптуре, ДПИ и, наконец, поверхность и границы белого листа в графике — всё это медиумы, рубежи и, одновременно, горизонты видов изобразительного искусства.
В пределах этой материальной, эстетической границы происходит столкновение протяженности произведения во времени со временем фактическим, связанным уже с условиями экспонирования и появления вещи, спецификой контекста, историей хранения и форматом показа.
Экспозиция была разделена по принципу единиц измерения фактического времени. В каждом из четырех залов экспонировались вещи, визуальный образ которых характеризует, намекает, метафорически или буквально выражает общую тематику зала—промежуток времени. Кроме того, в залах зритель обнаруживал часы, ход которых соответствует заявленному промежутку времени: 1 зал — механический секундомер; 2 зал — таймер-секундомер; 3 зал — песочные часы на 1 час и, наконец, 4 зал — часы, показывающие количество дней. В каждом зале (за исключением последнего) зритель мог по собственному желанию прерывать ход времени и запускать его заново или выбирать для себя определенный временной отрезок. Музыкальным сопровождением выставки выступали звуки хода часов, сливающиеся в асинхронную протяженность и хаотичную какофонию. Сосредоточивая и преобразуя свое внимание, зритель получал больший потенциал к освобождению собственного взгляда от внешней эстетической рамки и официально установленных ограничений. Установленная при входе стойка с диктофоном
и тетрадью позволяла зрителю записать или наговорить пойманный диапазон проведенного времени.
Рядом с часами на выставке были размещены цитаты из литературных текстов русских писателей ХХ века. Зачем нужны эти цитаты, на первый взгляд, абсолютно чуждые характеру экспозиции? Фактическое время — это и социальная рамка повседневной жизни человека, и инструмент его эксплуатации. Предлагая литературный опыт писателей, пострадавших от «банальности зла» и подходящих к осознанию времени критически, организаторы хотели напомнить, что оно, в сущности, является ловушкой анахронизма и в определенные моменты — средоточием безысходности. В наших силах иногда останавливать его ход, чтобы впоследствии открывать для себя возможность будущего.
Можно с уверенностью говорить, что «Секунды. Минуты. Часы. Дни» — это не столько про интересы профессионального сообщества и его символический капитал, сколько про саморефлексию художественной институции и многомерную автономную роль зрителя. Выставка предлагала поразмышлять и о зрительской свободе.
Пространство экспозиции не выступало средством передачи знания или вдохновения от художника к зрителю, напротив оно стало неким самостоятельным объектом. Эта затемненная объективность как раз несет в себе проблематику соприсутствия фактического времени и временности произведения искусства.
Задача выставки «Секунды. Минуты. Часы. Дни» состояла в том, чтобы засвидетельствовать решающие моменты встречи зрителя с произведением, диалектику визуальной культуры экспонирования и созерцания изобразительного искусства, приводящих к сложной игре «опустошения» фактического времени зрительного опыта и протяженности конкретного образа во времени.
Материал подготовлен на основе статьи искусствоведа Александра Саленкова.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
выставка «художник-реставратор адольф николаевич овчинников. страницы жизни. 1931-2021»
В «Иконотеке А.Н. Овчинникова» Центра имени Грабаря (Пречистенский переулок, д. 5А) 20 декабря 2021 г.— 24 марта 2022 г. открыта выставка «Художник-реставратор Адольф Николаевич Овчинников. Страницы жизни. 1931-2021». Выставка приурочена к 90-летию Адольфа Николаевича Овчинникова и представляет этапы творческого пути художника-реставратора и исследователя, почетного члена Российской академии художеств, заслуженного деятеля искусств.
65 лет А.Д. Овчинников проработал в реставрационных мастерских Центра имени Грабаря. Его творческая жизнь формировалась вместе с развитием ГЦХРМ- ВХНРЦ, отражая основные этапы становления советской, а затем российской
реставрации. В его художественных и научных работах запечатлены ключевые события российской культуры второй половины XX века. Это спасение и сохранение памятников, пострадавших во время войны, быстро переросшие в реставрационные открытия произведений древнерусской живописи, образовавших целые пласты малоизученных и даже неизвестных прежде историко-художественных направлений — иконопись Суздаля, Вологды, Пскова, строгановских вотчин и Русского Севера. В дальнейшем они послужили основой для углубленного изучения художественных, стилистических и иконографических связей древнерусского, византийского и мирового искусства.
На выставке представлен один из самых масштабных проектов реставратора — комплекс копий-реконструкций фресок XII века из церкви Святого Георгия в Старой Ладоге. Начиная с первого знакомства с ними в 1962 году А.Д. Овчинников скопировал их полностью трижды. Как он говорил, «для меня копии-реконструкции — это моя машина времени, которая переносит меня в XII, или в XIV, или в XV век». Для нас же знакомство с его наследием, как минимум, дает возможность буквально прикоснуться к динамике творческого созидания фресковых циклов, а пространственное решение экспозиции, нацеленное на моделирование храмовой архитектоники, переносит зрителя на высоту «Пророков» в куполе или останавливает пред «Страшным судом» на церковных хорах.
В экспозиции впервые показаны авторские художественные произведения мастера: графика и живопись 1950-1970-х годов, ряд уникальных копий-реконструкций с древнейших, особо почитаемых икон из Пскова, Суздаля, Рязани, Вологды, Мурома. Частично представлена коллекция слепков византийской и древнерусской мелкой пластики X-XV веков, комплектовавшаяся в течение нескольких десятилетий. Особый интерес представляют несколько фрагментов штукатурки,
найденных в строительном мусоре, которые становятся своеобразным камертоном подлинности и достоверности научных поисков и исследований древней монументальной живописи, воплотившихся в копиях мастера. Редкие фотографии, архивные материалы, многочисленные дневники и мемориальные артефакты дополняют творческий портрет этой масштабной личности, служившей деятельному спасению культурного наследия древности — его изучению, реставрации и преумножению в копиях, росписях и книгах.
Большая часть выставочных материалов передана в дар Всероссийскому художественному научно-реставрационному центру имени академика И.Э. Грабаря (ВХНРЦ) наследницей мастера — Леониллой Адольфовной Овчинниковой. Также в выставке участвуют произведения из коллекции «Иконотеки А.Н. Овчинникова».
Текст и фото предоставил А.А. Горматюк, кандидат искусствоведения, художник-реставратор высшей квалификации, заведующий научно-реставрационной мастерской «Иконотека А.Н. Овчинникова» ВХНРЦ имени академика И.Э. Грабаря
