CC BY
41
«ОАЗИС НОСТАЛЬГИЯ». ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ АЛЕКСАНДРА МАЙОРОВА В РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ
В Российской академии художеств 30 июня — 18 июля 2021 года состоялась выставка произведений заслуженного художника России, академика РАХ Александра Ильича Майорова «Оазис Ностальгия». В экспозицию вошло около сорока работ из трех живописных циклов, которые были созданы автором за последние пять лет. Часть из них представлена зрителям впервые.
В современной российской живописи творчество Александра Майорова занимает особое место. Художника волнуют вечные и глобальные вопросы — смысл жизни, созидание, красота, преображение мира средствами любви. Созданные
за последнее время циклы живописных работ — «Оазис Ностальгия», «Венецианская прогулка» и «Пасьянс накануне семнадцатого» — свидетельствуют о яркой индивидуальности творческой манеры художника и его верности искусству как действенному средству духовной эволюции.
Мировидение художника крайне современно: он умеет находить в остроактуальных коллизиях сегодняшнего дня непреходящий смысл, встраивая то или иное событие в контекст истории духовного развития Человека и социума. Мир в работах Майорова распадается на фрагменты, из которых он выбирает нужное, отбрасывая
остальное. Столь же свободен художник и в своем отношении к пространству: ему чужды географические рамки, творчество вплетено в единый современный культурный контекст, одной из важных черт которого является размытость границ между стилями, жанрами, видами творчества.
Понимая драматичность своего времени, не питая иллюзий на скорое счастье для всех, Александр Майоров далек от идеи воплотить в своих картинах мрачные предчувствия, отчаяние, сознание безысходности. Ориентиры, на которые он опирается в жизни и творчестве, основаны на вечных ценностях, верности красоте и чести.
Путь в искусство для Александра Майорова был непростым: он решил стать художником вскоре после окончания Тульского политехнического института. Сначала мастер занимался дизайном, затем обратился к искусству кино, выступив художником-постановщиком фильма «День ангела» (Ленфильм, 1988). В то же время основным видом творчества Майоров избрал живопись, секретами которой овладевал как самостоятельно, так и на мастер-классах Московского государственного академического художественного института им. В.И. Сурикова. Среди своих ориентиров в мировом искусстве А. Майоров указывает творческое наследие Сандро Боттичелли, Яна Вермеера и Диего Веласкеса, Константина Сомова и Марка Шагала, а также Амедео Модильяни, Поля Дельво и Антонио Гауди.
Сегодня Александр Майоров — автор, признанный художественным сообществом и любимый зрителями. За последние годы он провел более 30 персональных выставок в России и за рубежом. Награжден золотой медалью, медалями «Достойному» и «Шувалов» Российской академии художеств, золотой медалью Творческого союза художников России. В 2001 году А. Майорову
присуждена степень доктора искусства по версии ЮНЕСКО, а с 2002 года — звание профессора Тульского государственного педагогического университета им. Л.Н. Толстого. Произведения художника представлены в коллекциях музеев России, Испании и Болгарии; в галереях, корпоративных и частных собраниях России, США, Канады, Израиля, ЮАР, ряда европейских государств.
В одном из эссе к представленным в экспозиции живописным циклам Александр Майоров пишет: «И всё это с тобой: волшебство открыток в благородных, с полуоблетевшим золотом узоров альбомах, аромат старых книг и какое-то особое свечение нежно-пастельных красок фарфора в бабушкином доме. Старый, но крепкий дом на старой тульской улице рядом с кафедральным собором и кладбищем, где обитают мраморные ангелы. Детство, и уже скоро тишина, прерываемая редкими ударами соборных колоколов, взорвется барабанами Ринго Старра, и тебя подхватит и унесет желтая подводная лодка. И вот ты уже солдат этой армии — клуба одиноких сердец сержанта Пеппера. Твоя униформа — потертая джинса, длинные волосы и башмаки на платформе, и ты знаешь, что "земляничные поля навсегда", как навсегда Пол, Джон, Джордж и Ринго. А потом в караул рядом с сержантом Пеппером встанет солдат "красивый и отважный" — солдат Булата Окуджавы. И они охраняют тебя, бабушкин дом, паровоз, на котором посчастливилось прокатиться, твои сны, где Весна и девы с открыток из старого альбома несут граммофон из цветов, где прекрасные лица на пожелтевших фотографиях, где шелковая птица, вышитая мамой... Правда — как здорово, что всё это есть у тебя, что есть такой Оазис».
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«НЕДОСКАЗКИ».
ВЫСТАВОЧНЫЙ ПРОЕКТ ДМИТРИЯ ТУГАРИНОВА
И ВАЛЕРИЯ АРХИПОВА В РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ
Российская академия художеств 30 июня — 8 августа 2021 года представила выставочный проект «Недосказки», экспозицию которого составили скульптурные композиции народного художника России, академика РАХ Дмитрия Никитовича Ту-гаринова и кинодекорационные эскизы заслуженного художника России, академика РАХ Валерия Валентиновича Архипова.
Сюжеты русских сказок, преданий и былин — одна из сокровенных тем в творчестве Валерия Архипова, представленная в его экспликациях
к фильмам, книжных иллюстрациях, живописных и графических сериях, изделиях Императорского фарфорового завода. Авторский почерк этих «сказочных» произведений мастера, вне зависимости от техники исполнения и масштаба, всегда узнаваем. Каждое произведение Архипова наполнено особой драматургией, рассказывает свою историю, увлекая зрителя в мир, воздухом которого хочется дышать. В эскизах к кинофильму «Сказка о царе Салтане» и опере Н. Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже
и деве Февронии» художник создал удивительную иконографическую панораму красочных образов сказочных и мифологических героев.
Погружаясь в поэтику русской сказки, В.В. Архипов визуализирует на своих полотнах присущую ей магическую составляющую, которую всегда подчеркивают и дополняют точно воспроизведенные исторические детали жизни Древней Руси — от шатровых колоколен и многоглавых храмов на широких панорамах русской земли до орнаментального узорочья княжеских покоев и царских одеяний, богатырских доспехов и усыпанных драгоценными камнями украшений. В результате такого слияния волшебного и достоверного выстраивается наполненный «русским духом» мир, где облик сказочных героев и их чудесные деяния воспринимаются как естественная и неотъемлемая часть окружающего пространства. Этот созданный кистью В.В. Архипова мир образует художественную параллель сказочному тексту, перекидывая изобразительный мост к истокам национального миропонимания и фундаментальным основам русской культуры.
Дмитрий Тугаринов создает скульптурные портреты и фигуративные композиции с начала 1980-х годов. Каждая его работа имеет подтекст. В композициях фактически отсутствует сюжет, его замещают метафора, пластический парадокс, властвует гротеск. Скульптор нередко берет за основу своих произведений общеизвестную притчу или сказку и прочитывает ее в контексте сегодняшних проблем. Возникает пластическая формула типичной жизненной ситуации: «Золотой осел» (1987) — один персонаж попадает в полную зависимость от другого, «Жил-был царь» (1989) — человек, все имевший и все потерявший.
«Золотой петушок» А.С. Пушкина стал для Тугаринова волшебным ларцом «золотых идей». Он получил возможность выразить собственные мысли, придав им вещественную форму, и создал несколько скульптурных версий пушкинского произведения. Эта сказка — не просто сказка, это метафора российского образа жизни, предупреждение и ободрение тем, кто стал жертвой собственных безумных идей и безудержных увлечений.
Скульптура «Жил-был царь», представленная на выставке,— интерпретация известной притчи, согласно которой можно иметь лишь три предмета, но при этом ощущать себя царем. Каждый
сам себе Царь и сам несет бремя собственных сокровищ и ошибок. Тугариновский «царь» проиграл, в его объятиях только деревянный кол, он должен всё начинать сначала.
Работы Тугаринова отличает остросовременный спектр образов, хотя в них угадываются и знакомые каждому традиционные черты. Образы, созданные скульптором, многозначительны и ироничны. Не случайно автора называют «Гоголем в скульптуре».
Дмитрий Никитович Тугаринов — народный художник РФ, академик Российской академии художеств, профессор кафедры скульптуры и композиции МГАХИ им. В.И. Сурикова.
Российский скульптор, создавший памятники генералиссимусу А.В. Суворову (1999, перевал Сен-Готтард, Щвейцария), генералиссимусу А.В. Суворову (2001, перевал Паникс, Щвейцария), основателю природного заповедника Аскания-Нова (Украина) Фридриху Фальц-Фейну (2008-2009, природный заповедник Аскания-Нова, Украина), герцогу Фридриху Фердинанду Ангальт-Кетенскому (2012, Аскания-Нова, Украина); монументальную скульптурную композицию «Вознесение» (1997, парк «Музеон», Москва); горельеф «Кузнец и плотник» (2014, музей-усадьба Героя Отечественной войны 1812 года, генерала И.С. Воронина, Ярославская область); воссоздал композиции «Царица Елена», «Император Константин» для скульптурного убранства Кафедрального соборного храма Христа Спасителя в Москве (1994-1999) и другие произведения.
Валерий Валентинович Архипов — заслуженный художник РФ, академик Российской академии художеств, профессор и декан художественного факультета ВГИК.
Художник кино и театра, который принимал участие в создании более 40 фильмов. Он работал над фильмами «Изображая жертву» (режиссер Кирилл Серебренников, 2006), «Чайка» (реж. Маргарита Терехова, 2005), «Борис Годунов» (реж. Владимир Мирзоев, 2011), «Русские жены» (реж. Юрий Арабов, 2014), «Только не сейчас» (2010) и «Ушел и не вернулся» (2011) режиссера Валерия Пендра-ковского, «Бессмертные» (реж. Тигран Кеосаян, 2021) и многими другими.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«МИРОВОСПРИЯТИЕ». ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ ВЛАДИМИРА ПИМЕНОВА В РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ
В Российской академии художеств 28 июля — 8 августа 2021 года состоялась выставка произведений народного художника РФ, члена-корреспондента РАХ Владимира Сергеевича Пименова «Мировосприятие». В экспозиции было представлено более 50 живописных работ последнего десятилетия.
«Примите мою живопись как метафорическое свидетельство моей жизни, без пафоса и красноречия, как правду. Прожитое мною прошлое является источником, из которого я пью. Степень близости искусства к истине находится в зависимости от масштаба дарования художника, природой
данного. Я далек от мысли, что искусство вообще и мое в частности способны перевернуть человеческую душу вдруг разом и навсегда. Но постепенно, по чуть-чуть оно приближает человека к истинному, к настоящему понятию смысла жизни»,—характеризует автор свое творчество.
Владимиру Пименову восемьдесят... Много это или мало для художника? У каждого по-разному, возрастной ценз в искусстве — понятие весьма условное. Но в данном случае это своеобразный рубеж, знаменующий собой в одно и то же время и несомненное достижение высот творческой зрелости, и неистощимую восприимчивость к новым
образам, темам и идеям, которые порождает стремительное течение жизни.
Цепочка небольших картин — это канва жизни, вернее художественное осмысление текущей онлайн жизни. Это наблюдения, воспоминания, размышления без внутренней логики, но каким-то образом всё вместе начинает работать на настоящую честность, и возникает удивительный эффект: изображенный мир в картинках становится похожим на правду. А правда в поддавки не играет. Ведь, в сущности, наши мысли — коллаж, наша жизнь — коллаж, и эта цепочка картин — тоже коллаж, а ощущение правды возникает из суммы слагаемых элементов коллажа.
Картины Пименова вполне просты для понимания с первого взгляда, но в каждой из них существует некое внутреннее напряжение, некое силовое поле, которое требует от зрителя не разгадывания, а соответствующего состояния души, сопереживания. Для того чтобы произошло событие искусства, должны встретиться двое: автор и зритель. И каждый должен пройти свою часть пути. Художник свою часть прошел — дело за зрителем. В произведениях автора русский быт и русский пейзаж органически сливаются в единый комплекс красоты, покоя, созерцательности и щемящей грусти, из чего вырастает широта и отрешенность русской души, так непонятная на Западе.
Пути в искусстве, равно как и путь в искусство, у каждого художника неповторимо индивидуальны. У одних это преданность раз и навсегда сформировавшимся идеалам, естественная приверженность семейным традициям. У других — это мучительный поиск самого себя, когда некий внутренний голос не только властно подсказывает выбор профессии, но и в дальнейшем предопределяет все повороты и зигзаги творческой биографии, настойчиво влечет к новому переосмысливанию, казалось бы, давно известных понятий и явлений. Очевидно, именно к такой категории современных мастеров принадлежит Владимир Пименов — художник из Зарайска, творческую биографию которого никак нельзя назвать безоблачной или кристально ясной в своей внутренней логике.
Наблюдая за развитием этого художника из Подмосковья, видишь, как всё более серьезным и глубоким по мысли становится его творчество, как из года в год растет профессиональное мастерство и культура, как всё более значимым становится его вклад в современное русское искусство. Можно сказать, что искусство Пименова приобрело тот уровень проблемности, который позволяет поставить и рассмотреть вопрос о специфике национального типа художественного мышления. Это понятие, как правило, априорно совмещало в некое условное единство национальное и общечеловеческое, включая автоматическое наследование лучших, наиболее прогрессивных традиций.
Владимир Сергеевич Пименов — живописец, график, художник-постановщик мультипликационных фильмов, член-корреспондент Российской академии художеств (отделение живописи, 2011), заслуженный художник РФ (1992), народный художник РФ (2002). Родился 1 февраля 1941 г Живет и работает в г. Зарайске. Окончил Рязанское художественное училище (1963); художественный факультет Всесоюзного государственного института кинематографии (ВГИК, 1972), мастерскую А.П. Сазонова. Работал на киностудии «Беларусь-фильм» режиссером-постановщиком мультфильмов (1972-1976). Создал мультипликационный фильм «Мальчик и птица», который стал дипломной лентой художников-выпускников ВГИКа. Занимался книжной графикой. Участник многочисленных выставок в России и за рубежом с 1970 г. Преподавал в Московском государственном областном университете (2002-2006, и.о. профессора). Избирался депутатом городского совета г. Зарайска (1990), ему удалось спасти предназначенные к сносу исторические дома по Советской улице № 28 и дом, в котором сейчас располагается Управление образования, а также дома № 32 и № 26/2 по улице Первомайской.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«ДВА ПОКОЛЕНИЯ». ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИИ
НИКОЛАЯ ВДОВКИНА И ЕКАТЕРИНЫ ВДОВКИНОЙ В РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ
В Российской академии художеств 18-29 августа 2021 года состоялась выставка произведений заслуженного художника РФ, академика Российской академии художеств, профессора Николая Михайловича Вдовкина и почетного члена Российской академии художеств Екатерины Николаевны Вдовкиной — представителей знаменитой российской творческой династии художников-эмальеров. Экспозицию составили более 50 станковых произведений нескольких последних лет, выполненных в технике горячей эмали, демонстрирующих главное направление творчества мастеров, вектор их авторских исканий и одну из граней интереснейшего явления современного искусства.
История искусства эмали насчитывает многие столетия. С древнейших времен эмаль использовалась не только как прекрасный материал для украшения ювелирных и декоративных изделий, но и как материал изобразительного искусства. Достаточно вспомнить знаменитые византийские, лиможские или китайские произведения. Заказчиками работ была церковь, дома знатных вельмож. На Западе и на Востоке из эмали создавали целые ансамбли. В России ее расцвет связан с творчеством художников Усолья, Великого Устюга, Ростова Великого, деятельностью мастерских и монастырских школ росписи по эмали, развитием
портретной миниатюры. Новый подъем искусства эмали возник в конце XX века, когда она оказалась в центре новаторских художественных поисков. Обращаясь к богатейшему культурному наследию и опыту мастеров прошлого, современные художники избрали путь создания уникальных авторских работ, применяя древнейшую технологию в станковой и монументальной формах искусства, искали пластические и технические приемы, свой образный строй.
Николай Михайлович Вдовкин — не только один из тех, кто стоял у истоков современной художественной эмали, но и признанный на международном уровне лидер региональной школы. Он родился в 1948 году, в 1972 году окончил факультет «Интерьер и оборудование» Московской художественно-промышленной академии им. С.Г Строганова (ранее МВХПУ). С самого начала творческой деятельности проявилась его склонность к работе в материале. Он начал с экспериментов в стекле, создал ряд витражей для интерьеров в Хабаровске. Художник параллельно работал в металле. Комплексно решая оформление интерьеров, выполнил ряд светильников из цветного металла. С середины 1980-х годов, после первой поездки в Кечкемет (Венгрия) на международный симпозиум по эмали, именно к ней он обратился как к основе своего творчества. С тех пор он постоянно участвовал в симпозиумах в Венгрии, которые со временем приобрели значение не только плодотворных творческих встреч, но и экспериментальной лаборатории, стимула к профессиональному и техническому совершенствованию. За несколько десятилетий мастер прошел нелегкий путь освоения древнейшей технологии, создания собственных изобразительных приемов.
Эмали Вдовкина близки к живописи, только роль связующего здесь выполняет огонь. Художник пользуется широкой палитрой эмалей высокого и низкого обжига, дающих различную поверхность: блестящую и матовую, гладкую и фактурную. Комбинированная техника помогает получить не только нужную фактуру, но нередко дает новый художественный результат. В изобразительном решении произведений главную роль играют декоративная выразительность силуэта и колорита. Любимый формат эмальерных произведений художника — панно в размере станковой картины, позволяющей вести доверительный разговор со зрителем. С годами авторский стиль достиг такого уровня мастерства, что для него практически не осталось малодоступных тем и сюжетов. Работы Н. Вдовкина отличаются новизной и выразительностью образов. Его привлекают сюжеты с подчеркнуто символическим значением. Мир, созданный художником, наполнен
игрой, парадоксами. Постоянные темы его творчества — любовь, борьба добра и зла, природа, космос, мировое пространство. Большинство работ имеет философское звучание (например, «Два поколения»). Во многих работах глубина образа достигается соединением сакрального и мирского («Материнство», «Парижская мадонна»).
Н. Вдовкин много работает не только в станковой живописной эмали, но и в технике настенной росписи в интерьерах храмов, создает монументальные иконы, такие, например, как установленные в 1997 году на фасадах здания Свято-Никольского Собора в городе Железноводске. Он разрабатывает и выполняет в материале законченные комплексы монументально-декоративной живописи, где эмаль гармонично сочетается с традиционными живописными техниками. Среди них — произведения в Ольгинском храме Желез-новодска (1992-1994), храме Георгия Победоносца в комплексе «Рокада» Минераловодского района (2004-2005).
Художник живет и работает в Ставропольском крае. Он передает свой опыт и мастерство студентам Южного Федерального университета, ведет преподавательскую деятельность в Италии (г. Бергамо), в Германии (г. Дайдесхайм, г. Химме-род, г. Хан-Мюнден). С 1991 года на базе своей мастерской в Побегайловке проводит творческие международные симпозиумы по эмали, возглавляет Гильдию эмальеров России. Н. Вдовкин — участник региональных, российских и всесоюзных выставок (с 1973). Произведения мастера находятся в музеях Москвы, многих городов России и за рубежом, а также в частных коллекциях многих стран мира. Художник удостоен высоких академических и общественных наград.
Художественные традиции семьи продолжает дочь Екатерина Вдовкина. Она родилась в 1978 году, окончила Абрамцевский художественно-промышленный колледж им. В.М. Васнецова, затем факультет художественной обработки металла Петербургской государственной художественно-промышленной академии им. А.Л. Штиглица (бывш. ЛВХПУ им. В.И. Мухиной). Екатерина Николаевна — член Союза художников России, член Творческого союза художников России, член Творческого союза иконописцев России, лауреат многих профессиональных конкурсов, награждена золотой медалью РАХ. Она работает в архитектуре, создает витражи, росписи, произведения иконописи, станковые и декоративные композиции. Врожденное чувство материала, умение соединить в произведении разнообразные технические приемы сочетаются в ее работах с оригинальной тематикой («Руки создающего», «Старый дом», «Древние цивилизации» и др.). В ее работах проявляются унаследованные от отца
подход к творчеству, стремление к постоянному совершенствованию мастерства, глубокое переживание проблем современного мира. И в то же время произведения Е. Вдовкиной обладают ярко индивидуальным образным строем и изобразительным решением.
Сюиты станковых эмалей отца и дочери — диалог двух поколений, а в более широком плане —
перекличка эпох, в их непрекращающемся самопознании, художественном постижении смысла бытия.
При подготовке материала использованы статьи искусствоведов М.В. Хабаровой, И.Ю. Перфильевой.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«КРЫМ».
ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ ВИКТОРА ИВАНОВА В РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ
Российская академия художеств 24 августа — 19 сентября 2021 года представила выставку произведений одного из крупнейших отечественных живописцев ХХ века, яркого представителя знаменитых художников-шестидесятников и основоположника «сурового стиля», лауреата Государственной премии СССР и РСФСР, народного художника СССР и академика РАХ Виктора Ивановича Иванова.
Выставка «Крым» является для художника окном в прошлое, пространством его воспоминаний. Работы, представленные в залах Российской академии художеств, приоткрывают то личное и сокровенное, что художник пронес через всю свою жизнь. Крым — место его юности, подлинного счастья. Впервые Виктор Иванов оказался там на летней практике в числе студентов Суриковского института в 1947 году. Навсегда запомнил живописец те теплые летние дни, время, когда начинался его долгий и блистательный творческий путь.
Концепцию выставочного проекта разработал сам автор, классик советского искусства, отметивший в этом году 97-летие. Он же, работая над экспозицией, делился воспоминаниями: «При слове «Крым» в сознании звучит Пушкинский восторг, непроизвольно меняясь: «Крым! Как много в этом звуке для сердца русского слилось! Как много в нём отозвалось...».
Окончилась Великая Отечественная война. Су-риковский институт снова в Москве после эвакуации, переживает свое счастливое время. Летняя практика студентов вновь проходит в солнечном Крыму. Козская долина — место прохождения практики. Долина, от горы Барсук и села Козы, спускается к морю. Несколько строений, часть полуразрушены. В них — общежитие. Мастерских, в столичном представлении, здесь нет. Вся долина — творческая мастерская. Постановки ставят наши профессора прямо под крымским небом. Во все стороны — смотри и пиши этюды! Черное море рядом — наслаждайся вдоволь! Тут и собирательницы винограда. Они охотно угощают будущих художников...
Мне исполнилось 97 лет. Крым продолжает жить в моей душе.
На выставке представлены работы, сделанные во время практики 1947 года, затем в Гурзуфе, на творческой даче Коровина, и в Судаке — в разное время пребывания в Крыму. До сих пор по тем этюдам я пишу о Крыме — как о счастье в моей жизни...»
Именно в Крыму, еще в юные студенческие годы, мастер подходит к главной теме своего творчества — жизни народа. На полотнах, среди живописнейших пейзажей Козской долины, трудятся простые люди — крестьяне, пастухи,
The Art of Eurasia
no.3(22) 2021
собирательницы винограда. Их жизнь неразделима с природой — эта неразрывная и прочная связь чувствуется при взгляде на работы Иванова. Неиссякаемой жизнеутверждающей силы полны крымские пейзажи живописца — горные виды и ландшафты, укромные бухты и далекие морские пейзажи. Эти юношеские впечатления навеки останутся в памяти художника.
Особое значение для В.И. Иванова имеют работы, исполненные во время практики — учебные натурные постановки и студенческие задания, порученные преподавателями на пленэре в атмосфере крымских красот. Послевоенные, полуразрушенные поселения Крыма подчас напоминали живописные развалины античных городов, а фигуры натурщиков были представлены в классических позах древнегреческих скульптур. Под открытым небом, в световой среде, сильно отличной от пространства мастерских института, работы студентов приобретали иной смысл и новое звучание. Написанные в счастливые студенческие времена, наполненные солнцем и светом, эти рисунки и этюды еще долгие
годы будут служить для художника неиссякаемым источником вдохновения, а любовь к родному институту сохраняется в сердце мастера по сей день.
Экспозиция включила в себя не только законченные картины, но и многочисленные наброски и натурные зарисовки. Созданные в эту эпоху, даже много лет спустя, они неизменно побуждают Виктора Ивановича Иванова работать над большими живописными полотнами. К некоторым темам и мотивам мастер возвращается снова и снова, спустя десятилетия. Посетители выставки не просто смогли проследить за развитием живописной манеры автора и сложным процессом работы над полотнами, но и погрузиться в особое пространство — мир творческой памяти, позволяющий художнику создавать искусство поистине вневременное.
Материал подготовлен на основе статьи искусствоведа Анастасии Кузьминой.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«ВДОХНОВЕНИЕ И ТРАДИЦИИ». ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ НИКОЛЕТЫ СТАТИ В МВК РАХ
Российская академия художеств 10 сентября — 3 октября 2021 года представила выставку молдавской художницы Николеты Стати. Экспозиция «Вдохновение и традиции» — очень личный, огражденный от всего внешнего, исключительно живописный поиск этих традиций.
Культурный и профессиональный бэкграунд Николеты Стати, безусловно, формировался в среде молдавской живописной академической школы. Тем не менее, ее живопись несет в себе критическое преобразование сложившихся представлений. Поэтому наряду с «традициями» в названии выставки появляется «вдохновение» в качестве базовой реакции творческой деятельности и акта личного освобождения. Будучи идеологической структурой, традиция на подсознательном уровне захватывает
воображение художника, стягивая эмоциональные силы вдохновения к неизбежному столкновению исторической и личной памяти.
На становление языка живописи автора повлияли, прежде всего, классики молдавской живописи ХХ века: Моисей Гамбурд, переосмысливший в своем позднем «тихом искусстве» импрессионистический подход к натуре, объединив импульс впечатления с колористической плотностью символизма; Игорь Виера, сумевший через эстетику примитивизма раскрыть в живописи и книжной иллюстрации всю сложность и неоднородность молдавской народной культуры и фольклора; Михаил Греку, отказавшийся от соцреалистической конъюнктуры и ставший в результате знаковой независимой фигурой позд-несоветского изобразительного искусства Молдовы.
No. 3 (22) 2021
С некоторой долей условности, выставку «Вдохновение и традиции» можно назвать «экспрессионизмом» в процессе собственного живописного проявления. Наследуя и творчески преобразуя пастозную и всегда неповторимую технику «импасто», Николета Стати показывает, что зрение художника—это не схватывание композиции в статическом пространстве с определенной точки, но обрамляющий всё увиденное оптический строй. В чем специфика этого строя? Образовавшийся рельеф живописной поверхности, состоящий из линии, мазка и цвета, раскрывает зрение как экологический феномен, зависящий не только от глаз и головного мозга, но также от окружающей среды, движения тела и доступных условий получения информации. Стати совершает это открытие, прежде всего, на пленэре, показывая, что привычная вылазка на природу может становиться настоящим экспериментом на открытом воздухе. Именно чуткое наблюдение приводит художника к осознанию того, что природа сама предоставляет возможности активного действия и использования ее потенциала.
Попытка переноса естественного восприятия в пространство живописи, разумеется, проблематична, поскольку между непосредственным, прямым зрением и формированием изображения существует граница уже опосредованного восприятия и навыка. «Техника говорит о логике и профессионализме художника»,— замечает
Николета Стати, в то время как чудо проявленной жизни — это «возможно то, что нами движет!». Зрителю, таким образом, открывается сложная, нелинейная драматургия и внутреннее напряжение между вдохновением и традициями.
Николета Стати — художник с большим и разносторонним опытом образования. Она училась в Молдове, Швейцарии и Италии. С 2014 года обучается в докторантуре по профилю менеджмент. Автор является основателем фонда «Stati Art» и одноименной частной академии, реализовавшей в 2015-2019 годах в Кишиневе бакалаврскую программу по станковой живописи. Педагогическая деятельность Николеты Стати началась в ее родной школе — Академическом лицее изящных искусств им. Игоря Виеру, которым она руководила с 2011-2019 годы. С 2015 года она также возглавляет фонд «Voice of Art», занимающийся поддержкой молодых молдавских художников. Охват такого количества направлений профессиональной деятельности в самых разных областях искусства свидетельствует об активной позиции художника, стремящегося к систематическому развитию художественного образования и сохранению традиций станковой живописи в Молдове.
На основе статьи члена-корреспондента РАХ Александра Саленкова
Управление информации (пресс-служба) РАХ
«ВОЙНА И МИР». ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ АЛЕКСАНДРА БЫСТРОВА И УЧЕНИКОВ
В МВК РАХ
В Российской академии художеств 22 сентября — 17 октября 2021 года состоялась выставка, посвященная теме «Войны и Мира» в современном академическом изобразительном искусстве. Экспозицию составили около 50 живописных картин и монументальных произведений, выполненных народным художником РФ, академиком Российской академии художеств Александром Быстровым и его учениками Романом Абдуллиным, Черменом Гугка-евым, Маратом Кесаевым и Сергеем Некрасовым.
На стыке двух знаменательных для истории нашего Отечества дат — 75-летия Великой Победы и 80-летия начала Великой Отечественной войны —
военная тематика стала одной из основных тем для историков, политиков, ученых, деятелей культуры и, конечно же, художников, для которых трагедия Войны в ее глобальном масштабе, важность и хрупкость Мира являются крайне актуальными проблемами в нашем непростом и напряженном мире.
В период этих торжественных юбилеев, заставляющих задуматься о вечных вопросах бытия, тема войны стала главной и для группы молодых художников из Санкт-Петербурга, подготовивших выставочный проект с концептуальным названием «Война и Мир». Идею четырех участников данного проекта — выпускников Санкт-Петербургского
государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина при Российской академии художеств Романа Абдуллина, Чермена Гугкаева, Марата Кесаева и Сергея Некрасова — личным участием в данной выставке решил поддержать руководитель мастерской монументальной живописи, профессор Санкт-Петербургской академии художеств имени Ильи Репина, художественный руководитель мозаичной мастерской РАХ в Санкт-Петербурге Александр Быстров.
Молодых авторов и их руководителя объединила общая цель — показать отношение современных творцов к теме войны как огромной трагедии в общечеловеческом масштабе, несущей боль от утрат, память о которой сохраняется и поныне практически в каждой семье в нашей стране. «Война для народов — это слезы и кровь, ...погибшая молодость и оскорбленная старость»,— писал Илья Эренбург, и именно об этом хотят напомнить зрителям участники выставки. Но трагической темой не исчерпывается жизнь, и даже в моменты тяжких испытаний человеку свойственно радоваться, любить, быть счастливым. Поэтому, в противовес теме войны, в работах участников проекта «Война и Мир» представлены произведения, воспевающие полифонию мирного бытия с его жизнеутверждающим началом.
А.К. Быстров многие десятилетия осуществляет педагогическую деятельность, в своих учениках стремится развить все качества, присущие непростой профессии монументалиста, то есть умение
работать с масштабной композицией, решать синтетические проблемы, согласовывать многочисленные частные детали, подчиняя их общей идее, сочетать броскость и даже порой плакатность языка монументального искусства с тонким психологизмом и исторической достоверностью. Он учит своих подопечных воздействовать на зрителя через силу эмоционального выражения живописи и экспрессивности изобразительных приемов. Он формирует в учениках вкус, патриотические чувства и историзм мышления, без которых немыслима работа в решении больших задач. Жизнь поколений продолжается в полотнах молодых художников, жизнь искусства продолжается в традициях Школы, жизнь учителя продолжается в трудах учеников.
Участники проекта, лейтмотивом которого обозначено: «Война и Мир в истории нашего Отечества глазами молодых художников», являются, несмотря на свой возраст, уже серьезными живописцами, профессиональными мастерами. Все они — члены Союза художников России, постоянные участники российских и международных выставок, неоднократно отмечены дипломами и наградами различных степеней и уровней. Несомненно, впереди у них дальнейшее творческое развитие, вдохновенная работа и продолжение верного служения своей Родине.
Материал составлен на основе статьи академика РАХ Наталии Федоровны Ломовой
Управление информации (пресс-служба) РАХ
«ИНДИКТ». ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ ВИКТОРА КАЛИНИНА В РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ
В Российской академии художеств 22-26 сентября 2021 года состоялась небольшая, но знаковая, юбилейная выставка заслуженного художника РФ, первого вице-президента и академика РАХ Виктора Григорьевича Калинина «Индикт». Она символически приурочена к началу осени — времени, которое в православном церковном календаре отмечено празднованием Нового лета от Сотворения мира («Индикта», или «Новолетия»).
С 14 сентября (1 сентября по старому стилю) православные христиане просят Бога о даровании благословения в наступившем году. Важно, что этот праздник знаменует новое начало литургии.
Именно молитва как ключевая часть церковного богослужения становится опорой в поиске дара Таинства. Павел Флоренский писал: «Слово же это — есть слово молитвы, молитвенная формула или некоторый ее эквивалент. Только через слово действие становится Священнодействием, ряд внешних процессов — обрядом, явственное — Таинством: повседневное словом сокрывается в тайну. Слово это может иногда не произноситься вслух, но оно непременно подразумевается, молчаливо предполагается, мыслится при внешнем действии; и без слова, так или иначе проявленного, внешнее
The Art of Eurasia
no.3(22) 2021
действие остается бессловесным, не умным — только эмпирическим, только дольным, только чувственным. Слово же возводит его горе. И тогда слово это, как сказано, есть молитва».
Литургическая традиция постепенно обогащалась песнопениями, уставной декламацией и своими особенными чтениями — паремиями, апостольским и евангельским чтениями, которые являются неотъемлемой частью начала Индикта. Осторожно и вместе с тем вполне уверенно можно сказать, что художник тянется к средоточию молитвы, пробирается средствами живописи и свойствами картины к сути и «топосу» произнесенного, звучащего, живого слова. Возникающие как будто здесь и сейчас из цвета, тона и линии, фигуративные образы воплощают то радость и восторг от явленного Таинства, то щемящий страх сердца, ощущаемый во время молитвенного обращения. Фигуративную образность живописи Виктора Калинина, возможно, стоит назвать «драматургией осязаемого предстояния». Это осязаемое предстояние характерно для иконографии
храмовых икон. Драматургию, трепет исканий и очень личное, острое восприятие со-присутствия видимого и невидимого не только в литургии, но и в повседневной жизни, привносит экспрессивный, местами абстрактный, мерцающий язык живописи, переносящий зрителя от явного и очевидного наблюдения к Таинству осязаемого предстояния.
Часть представленных на выставке работ ранее была подарена художником Российской академии художеств. Сейчас в коллекцию РАХ войдут также новые работы Виктора Калинина: «Мать» (2005), «Село Залесово» (1997), «Отец» (2010), представленные в экспозиции в виде триптиха и служащие своего рода свидетельством памяти о месте рождения и выражением той безмолвной благодарности родителям, которой, с течением времени, становится только больше.
Материал подготовлен на основе статьи Александра Саленкова.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«ОТТИСК ЛИЧНОСТИ». ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ ГАЛИНЫ ВАНШЕНКИНОЙ В МВК РАХ
Российская академия художеств и галерея ГросАИ: 29 сентября — 24 октября 2021 года представили выставку произведений московского графика Галины Ваншенкиной. Экспозицию составили произведения разных лет, характеризующие особенности ее авторского стиля, развивающегося в русле художественно-пластических исканий XX века, и одну из граней современного графического искусства.
Галина Ваншенкина родилась в 1950 году в семье писателей Константина Ваншенкина и Инны Гофф. В 1973 году окончила художественный факультет Московского полиграфического института. График, офортист. Член объединения «Эстамп». Работы мастера представлены в собраниях Государственного Русского музея, ГМИИ
им. А.С. Пушкина, Государственной Третьяковской галереи, российских и зарубежных частных коллекциях.
Становление творческой личности художника начинается с пути к своей профессии, который в каждом конкретном случае и уникален, и закономерен. Галина Ваншенкина, с детства любившая рисовать, в двенадцать лет приняла твердое решение стать художником и после окончания школы поступила в Полиграфический институт (ранее — ВХУТЕМАС), который всегда славился свободолюбивыми традициями и выдающимися преподавателями в лице, прежде всего, Владимира Фаворского, Петра Митурича, а позднее его ученика Павла Захарова, Андрея Гончарова и других. По воспоминаниям Ваншенкиной, в институте
«учили не только рисовать, но и думать». В стенах этого учебного заведения бытовала практика обходиться без академических штудий и гипсовых слепков, использовать только живую модель. Так внутренняя свобода студентки органично совпала с духом института.
В основе авторского метода любого художника чаще всего следует искать характерный для него источник вдохновения, который может скрываться в мире физическом или метафизическом, надре-альном, в опыте непосредственно чувственном или умозрительном. Галина Ваншенкина не придумывает сюжетов и мотивов для своих графических серий, она скорее отдается спонтанному возникновению пластических образов, полагая, что «художник думает не только головой». Особое же озарение и сверхвдохновение она испытала, когда к ней пришла новая техника.
Еще в 1976 году в составе группы молодых художников Ваншенкина впервые оказалась в офортных мастерских Дома творчества «Челюскинская» и там открыла для себя акватинту как одну из самых выразительных техник офорта, с ее декоративными свойствами, тоновым разнообразием, фактурой, обогащенной белыми зернами оплавленной канифоли. Богатые образно-технические возможности акватинты художница
демонстрирует, например, в своей ранней серии «Ракурсы» (1987), персонажи которой, представляющие собой внимательных посетителей художественных музеев, подвержены легкому пластическому гротеску и отличаются отточенной передачей жестов и поз.
В 1990 году Галине Ваншенкиной удалось заметно модернизировать свою излюбленную технику. По воспоминаниям художницы, в какой-то момент ее осенило, «что можно использовать нить в качестве еще одного инструмента для рисования на пластине — получается тонкая линия, недостижимая в офорте никакими другими способами». Так появился «Библейский цикл». Позже она придумала еще многое другое, что усиливает выразительность листа, делая оттиск уникальным, но именно с нитью, рисующей белую линию различных очертаний, сложилось особое взаимодействие, превратившее ее в настоящий живой материал.
Формальный язык ее станковых графических произведений, отличающихся яркой индивидуальностью и отсутствием заимствований, находит, впрочем, аналогии с некоторыми явлениями искусства ХХ века, так или иначе связанными с пластическим минимализмом. Например, геометризованные лентообразные формы в листах из серии «Ширмы» 1999 года вызывают в памяти
отдельные образцы постживописной абстракции Фрэнка Стеллы. А монументальные фигуранты серий «На берегу» (2005) и «В воде» (2010-2011) перекликаются с визуальными формами представителей искусства органической абстракции в лице, скажем, японского дизайнера Исаму Ногучи или британского скульптора Генри Мура. Кроме того, некоторые формальные приемы московской художницы, использованные в сериях работ «Детство» (1998-1999), «Таблица носов по Дюреру» (2004), «Из кукольной жизни» (2004-2005) и других, слегка указывают на знаково-литристские и таблично-автоматические зрительные «регистры» таких отечественных мастеров концептуального круга, как, например, Валерий Герловин, Игорь Макаревич или Виктор Пивоваров.
Однако сугубо отвлеченная художественная концепция как таковая Ваншенкину абсолютно не интересует, ее, наоборот, занимает словно разыгранная по нотам интригующая пластическая игра, богатая силуэтными нюансами и ритмическими парадоксами. Обостренное чувство ритма и выразительного формального обобщения, но с сохранением привязки к реальности роднит также композиции из серий «Конвейер» (2004) и «Крестьяне» (2009) с безупречно найденными графическими мотивами заборов и детских фигур одного из бесспорных гуру российской графики первой половины ХХ столетия Петра Митурича.
Уверенно продвигаясь к усилению абстрагирования изобразительных форм, о чем свидетельствуют работы из серий последних лет «Гинекология» или «Мадонна в пейзаже» (2017) и особенно «Тропинка» 2018 года, Ваншенкина по-прежнему не порывает до конца с фигуративной мотивацией художественного образа. Отсюда можно сделать
вывод о том, что такой непротиворечивый синтез этих двух противоположных начал есть главная своеобразная особенность ее стилистики.
Искусство Галины Ваншенкиной примечательно многими профессиональными качествами. Оно, во-первых, несмотря на технологическую много-дельность, не пахнет лампой, как сказали бы древние римляне. Во-вторых, в нем соблюден тонкий синтезирующий баланс между идеей и чувством, геометрией и органикой, абстракцией и фигурати-вом, безусловным, хотя и неброским новаторством и, наряду с ним, бережным вниманием к традиции, органично замешанным на легком соединении принципов «пластиков» и «метафористов», прозорливо обозначенных искусствоведом Г Ельшевской в отечественной графике последних десятилетий XX века. Наконец, оно отличается той завидной «точностью», которую Фаворский особенно выделял в «высоких произведениях искусства» наряду с оригинальностью, музыкальностью и ритмичностью.
Офорт сам по себе сложен, а Ваншенкина еще всячески усложняет свою задачу. Как истинный художник, она редко бывает полностью удовлетворена результатом. Ей интересен процесс создания произведений, полноценный «оттиск личности» в искусстве. Она любит эксперимент, и в ней сохраняется на протяжении многих лет тот молодой творческий азарт, который может привести еще к новым находкам и открытиям.
Материал подготовлен на основе статьи одного из кураторов проекта, искусствоведа Елены Грибоносовой-Гребневой.
Управление информации (пресс-служба) РАХ
«ВЫСТАВКА «ДАШИ НАМДАКОВ.
ТРАНСФОРМАЦИЯ» В РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ
Российская академия художеств 8-19 сентября 2021 года представила выставку произведений народного художника Республики Бурятия, академика РАХ, почетного члена Академии рисунка во Флоренции Даши Намдакова «Трансформация». В камерной экспозиции были представлены произведения скульптуры, графики, декоративно-прикладного искусства, которые наиболее ярко отражают этапы творчества этого самобытного мастера.
Даши Намдаков — один из представителей современного, активно развивающегося искусства Бурятии. В 2000 году в Иркутском художественном музее прошла первая персональная выставка художника. В тот период сложился неповторимый стиль мастера. Автор обращается к историческому и анималистическому жанрам станковой пластики, которые обогащает новым видением формы и запоминающимися композициями.
No. 3 (22) 2021
Даши с любовью и интересом исследователя использует формы и декор стиля «скифо-сибирского анимализма»: фрагменты золоченой бронзы, детально выполненные предметы вооружения всадников, костюма. Работа в мастерских в итальянском городе Пьетрасанта позволяет мастеру обогатить скульптуру разными оттенками природной бронзы — от темно-синих до карминных. В более поздний период в материалах для скульптур кроме бронзы появился природный камень, обработанный специальными станками.
Выставка в залах Российской академии художеств позволила проследить основные этапы творческого пути Намдакова. В экспозиции была представлена станковая пластика разных лет: «Воспоминание о будущем» (2001), «Утро» (2006), композиция «Виктория» (2014), анималистические образы серии «Восточный календарь» (2015) и многие другие. Дополнили экспозицию произведения графики, декоративно-прикладного искусства и панорамные фото известных монументальных композиций автора: «Царская охота» (2013, Кызыл), «Трансформация» (2019, Красноярск), «Отец Байкал» (2019, Ольхон). Выставка в залах Российской академии художеств — важное событие в творческой жизни Даши Намдакова. За каждыми из произведений — многие годы раздумий и каждодневного труда автора. Зритель смог ознакомиться
с экспериментами Д. Намдакова с материалом, формой и, конечно же, с цветом.
Дашинима Намдаков родился в 1967 году в Забайкалье. В 1988 году поступил в Красноярский государственный художественный институт, где его наставниками были Л.Н. Головницкий, Ю.П. Ишханов, А.Х. Боярлин, Э.И. Пахомов. Сейчас скульптор — лауреат Государственной премии Правительства Российской Федерации в области культуры, Государственной премии Монголии. В 2007 году за работу в качестве художника над фильмом Сергея Бодрова-старшего «Монгол» Даши получил премию «Ника» в номинации «Лучшая работа художника», Национальную премию кинокритики и кинопрессы «Белый слон» и премию Национальной академии киноискусств и наук России «Золотой Орел». Творчество Намдакова высоко оценено профессионалами и ценителями искусства со всего мира. Его произведения экспонировались в Государственном Эрмитаже, Пекинском музее мирового искусства, в галереях Halcyon (Великобритания), National Arts Club (США), находятся в музеях и частных коллекциях в России, Германии, Франции, Бельгии, Швейцарии, Финляндии, Японии, США, Тайване.
Управление информации (пресс-служба) РАХ на основе релиза Арт-фонда Даши Намдакова
