CC BY
13
выставка «фантазии на тему бумаги. три художницы из италии» в мвк рах
В Российской академии художеств 10 апреля — 9 мая 2021 года состоялась выставка «Фантазии на тему бумаги. Три художницы из Италии». Она организована Посольством Италии и Итальянским институтом культуры в Москве совместно с Российской академией художеств. В экспозицию вошли произведения трех итальянских художниц, работающих с бумагой в абсолютно разных техниках и прибегающих к совершенно различным видам ее использования. Каждый из авторов отличается уникальным творческим подходом и богатым опытом работы с этой материей. Все представленные на выставке работы способны моментально перенести зрителя на территорию воображения, некий «реальный нереальный» мир, предложенный Фламинией Мантегацца, Лучаной Фьоре и Анной Онести, а также куратором проекта Джованной далла Кьеза.
Произведения Фламинии Мантегацца и Лучаны Претты Фьоре, представленные на выставке,— это две взаимодополняющие истории: зрелищное движение «Облаков», разворачивающееся над нами, свободное и независимое от постоянно сковывающих нас границ и ритмов, и более камерное ощущение жизни, отраженное в привычных деталях, но которые, словно «Окна души», словно легкий жест, способны приоткрыть коробочку с красками и черпать оттуда настроения и живописать.
Анна Онести вдохновлена темой, которая отсылает к порядку и круговороту вещей в природе, а именно — к «Семенам», которые лежат в основе любого жизненного процесса. Пространство, предлагаемое художницей, буквально рассечено летящими воздушными змеями, которые одновременно похожи на разноцветные, диковинно
расписанные штандарты, вобравшие в себя глубокое исследование восточных практик.
Бумага, обладая особой легкостью, способна пускаться в тысячи приключений, как, впрочем, и слово, отпечатанное на ее поверхности, которое по произнесении превращается в звук, идею, мысль, мечту.
Фламиния Мантегацца обучалась в Рио-де-Жанейро, где окончила факультет экономики и истории, а также в Риме, куда она переехала в конце 1980-х годов. В Италии вновь вспыхнула ее страсть к искусству, некогда проявленная в Школе визуальных искусств Parque Lage в Рио. По долгу службы занимаясь продвижением международного туризма, Фламиния разрабатывала особо сложные городские проекты и инсталляции экологической направленности, одна из таких работ входит в постоянную экспозицию Музея MUST в Фаэнце. Художница принимала участие в престижных выставках в Италии и за рубежом, в Лондоне и Стамбуле.
Анна Онести получила образование в Риме и в Турине. Затем она продолжила программу обучения в Японии, Индии и Индонезии, где ее особой целью стало изучение древних методов окрашивания и реставрации бумаги, а также исследование символических значений, присущих полету воздушных змеев в восточных культурах. В ее арсенале — многочисленные выставки в Италии и за рубежом, а также деятельность в области культурного наследия, частое сотрудничество
с международными организациями, занимающимися вопросами охраны объектов культурного наследия.
Лучана Претта Фьоре (урожденная Лучана дус Сантус) получила свое образование в бразильском городе Сальвадоре, где окончила Школу изящных искусств Федерального университета штата Байя, а затем продолжила обучение в Италии — в Академиях изящных искусств Рима и Болоньи. Личный опыт путешествий укрепил ее стремление использовать в своем творчестве разноплановые материалы, такие как фотография и керамика, а в последнее время — бумагу в комбинации с живописью. В 2017 году художница создает намеренно незавершенную работу, которую скорее можно определить как work in progress, под названием «Реминисценции — места памяти», в которой используются небольшие картонные коробки, расписанные по следам воспоминаний детства, что устанавливает своеобразную и бесконечно переплетающуюся связь между настоящим и прошлым. Будучи занятой также в социальной и образовательной сферах, Фьоре участвует в знаковых международных проектах, таких как сотрудничество между немецким городом Дахау и городом Фонди в итальянской области Лацио, выстраивая таким образом культурный мост между различными мировоззрениями.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
выставка «творческая мастерская скульптуры: опыт и поиск» в мвк рах
Российская академия художеств 21 апреля — 6 июня 2021 года представила выставку «Творческая мастерская скульптуры: опыт и поиск». Проект был приурочен к 30-летию создания Творческой мастерской скульптуры Российской академии художеств в Москве.
В одном экспозиционном пространстве были представлены работы признанных мастеров — академиков РАХ и работы их учеников — стажеров и выпускников. На конкретных произведениях
можно было проследить преемственность принципов академической школы. Зрители увидели более 100 произведений станковой пластики и графические зарисовки, являющиеся неотъемлемой частью авторской работы над концепцией и видением каждой конкретной скульптуры.
Выставочный проект также помог «взглянуть» на систему академического художественного образования, включающую школы, вузы и академию. Творческие мастерские Российской
академии художеств как часть этой системы — уникальное явление в художественном образовании. Современные мастерские имеют более чем полувековую историю — это особая страница в становлении отечественного искусства, ценность российской и мировой культуры. При воссоздании Академии художеств в 1947 году, когда качеству художественного образования придавалось особое значение, для наиболее успешных выпускников институтов была предусмотрена возможность продолжить обучение под руководством выдающегося мастера-академика. Творческие мастерские стали подлинной школой для крупнейших современных российских художников.
Экспозиция выставки включала, в первую очередь, произведения основателя и руководителя Творческой мастерской скульптуры в Москве, которым более двадцати лет являлся народный художник СССР, академик Владимир Ефимович Цигаль (1917-2013). Эстафету принял его сын и ученик — народный художник РФ, академик и член Президиума РАХ Александр Владимирович Цигаль, возглавивший мастерскую в 2012 году. Зрители также увидели работы прославленных педагогов Московского государственного академического
художественного института имени В.И. Сурикова, академиков РАХ-М.В. Переяславца (1949-2020), А.И. Рукавишникова, В.И. Кошелева, А.В. Балашова, Д.Н. Тугаринова и других.
Российская академия художеств стремится не только сохранить, но и развить многолетний положительный опыт взаимодействия общества и творца, в том числе и посредством сохранения такой формы, как «творческая мастерская». В довольно нестабильной социальной обстановке, когда обстоятельства порой вынуждают художника, окончившего вуз, работать не по специальности, возможность заниматься любимым искусством в стенах академии становится настоящим спасением.
Обучение в творческой мастерской сегодня не только обеспечивает бесценную возможность непосредственного живого общения с мастером, но и задает безграничный диапазон эксперимента по исследованию и внедрению в современный художественный и образовательный процесс инновационных техник и технологий. Многие выпускники Творческих мастерских скульптуры в Москве успешно передают опыт будущим поколениям, воспитывая своих собственных учеников. Среди них стоит отметить Н. Опиок, А. Зейналова,
З. Карамяна, И. Яворского, Г Гарибяна, Н. Комра-кова, А. Правоторова, В. Кошелева.
Художники, проходящие творческую практику в мастерских,— активные участники современной художественной жизни, лауреаты многих премий и наград. В последнее время громко заявили о себе такие мастера, как А. Дмитриев, И. Коротченко, Е. Дубровина, В. Мишов, А. Агбунов, П. Журавлев, В. Курочкин, Д. Мельников, Л. Бобокулова, В. Кириллов, О. Колосова, С. Серёжин, Ф. Караханова, С. Дзидзоев и многие другие.
Мастера скульптуры Российской академии художеств создают многогранный образ невероятно сложной современной эпохи. Масштабная выставка как встреча художников разных поколений продемонстрировала взаимопроникновение традиций, новаций, менталитетов, что дает новые стимулы в развитии искусства скульптуры.
Материал подготовлен на основе статьи академика РАХ М. Вяжевич.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
выставка произведении владимира соковнина
в российской академии художеств
В Российской академии художеств 21 апреля — 9 мая 2021 года состоялась выставка произведений народного художника России, академика и члена Президиума РАХ Владимира Соковни-на. В экспозиции было представлено около 40 живописных полотен и авторская инсталляция, воссоздающая один из костюмов кинофильма «Кин-дза-дза» (режиссер П Данелия), работу над которыми вел художник в соавторстве с супругой Наталией Журавлевой в 1986 году.
Владимир Борисович Соковнин родился в Москве в 1955 году. В 1982 году окончил факультет прикладного искусства Московского текстильного института им. А.Н. Косыгина. С 1976 года — постоянный участник московских, республиканских, всесоюзных художественных выставок, в том числе и персональных. Творчество В.Б. Соковнина отмечено многочисленными наградами, среди которых «Орден Дружбы» (2018), Ордена преподобного Сергия Радонежского III, II степени (2001, 2005), медали Российской академии художеств, МСХ, МОСХ России, СХ России, ТСХР и другие. Работы автора находятся в собраниях ряда художественных музеев России и в зарубежных частных коллекциях КНР, Франции, Германии, США.
Владимир Соковнин является автором триптиха «Память» в Музее Великой Отечественной войны на Поклонной горе (1985), участвовал в воссоздании живописного убранства храма Христа Спасителя (2000). Также работал как художник кино и дизайнер, создавая костюмы для кинофильмов «Чародеи» (режиссер К. Бромберг, Одесская киностудия, 1982), «Кин-дза-дза» (режиссер Г Данелия, Мосфильм, 1986). Но истинным призванием автора, конечно же, стала живопись.
Какие люди, характеры, чувства и судьбы удается зафиксировать художнику на холсте? При взгляде на портретную галерею живописи Владимира Соковнина создается впечатление молчаливого диалога между героями произведений и зрителем. Точность найденных образов — будь то портрет любимой супруги за утренним чаем на летней веранде или вальяжная фигура уверенного в себе бизнесмена — раскрывает интереснейший мир человеческих жизней, каждая из которых с достоинством носит свой внешний облик и бережет от лишних глаз подлинную внутреннюю суть.
Изображая современников, Соковнин нередко обращается к традиции парадного портрета,
создавая каждый раз особое пространство-фон, которое вне зависимости от меры конкретизации времени и места (от подробно-описательного, детализированного интерьера до однородной цветовой плоскости позади фигуры) помогает додумать структуру личности человека. Неповторимая индивидуальность поз портретируемых, их направленный на зрителя взгляд располагают к беседе, но не приглашают приблизиться вплотную или войти в картинное пространство — самостоятельность характера модели сохраняет за собой право на определенную дистанцию, своего рода обращение на «Вы».
В особом ключе трактуется и самый, пожалуй, сложный для художника сюжет — автопортрет. Владимир Соковнин пишет «Автопортрет» (2020) в сопровождении привычных для живописца инструментов: кистей, палитры, тюбиков красок, чистого нового холста и в окружении уже созданных полотен, отвернутых к стене. Крепко вылепленная фигура, центрующая композиционное равновесие между белым фоном слева и почти черным справа, воспринимается как остановленное мгновение сосредоточенного художнического труда — как переход от выполненных работ и предвкушение
будущих: еще мгновение — и кисть, замершая в руке, начнет свое живописное действо... Взгляд направлен глаза-в-глаза зрителю, так, словно автор полотна смотрит именно на нас, и мы становимся частью произведения, которое пишется прямо сейчас, в настоящий момент. Ощущение процессуальности живописи дополняет этюдный характер письма, принцип «нон-финито», создающий эффект неоконченности произведения: перед новым творческим этапом художник ставит в диалоге со зрителем многоточие.
Связь между портретными и пейзажными работами Владимира Соковнина лишь на первый взгляд кажется неочевидной. Люди и их окружение, в основном, пишутся тщательно и сдержанно, в то время как пейзажу свойственна большая свобода, широта мазка, цветовой «разгуляй». Портретируемые преимущественно показаны в их характеризующем для общества качестве — курсанта, наездницы, фехтовальщика, делового человека. А переменчивая природа, полная красочных переливов, жестких и мягких касаний, тончайших живописных наблюдений,— наоборот, дана в своей первозданности и чистоте, не заселенной навязчивым человеческим присутствием.
Умение работать с условной картинной глубиной, вводя взгляд зрителя через удаляющуюся тропинку, падающие диагональные тени, наклоненные ветви кустарника, выдает в нем художника, привыкшего мыслить трехмерностью пространства. Кажется, именно ему как созерцателю дана удача разглядеть нежность лежащего на еловых ветках снега в касаниях к светлому небу.
Магия разнообразного творческого диапазона художника удивительным образом раскрывается в экспозиционном соседстве. Создается впечатление, будто героев его портретов отделяет от при-
родной красоты и умиротворения только картинная рама. Стоит ее перешагнуть — и все времена года, пойманные чутким взглядом и кистью живописца, станут для персонажей, а вслед за ними и для зрителя, тем «тайным садом», в котором мудрый единомышленник не нарушит драгоценной тишины...
Материал подготовлен на основе статьи кандидата искусствоведения, члена-корреспондента РАХ В. А. Лагутенковой.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«художник и время» выставка произведений виктора псарёва в российской академии художеств
В Российской академии художеств 28 апреля — 16 мая 2021 года состоялась выставка произведений народного художника России, члена-корреспондента РАХ Виктора Пантелеевича Псарёва «Художник и время». В ретроспективную экспозицию вошло более ста живописных и графических работ, созданных автором в период с 1985 по 2021 год.
Творчество мастера, проникнутое истинной любовью к Отечеству и патриотизмом, вселяет надежду, что связь поколений не прервется. Именно такие цели ставят перед собой мастера студии имени Н.Б. Грекова, художником которой с 1980 года является В.П. Псарёв.
Виктор Пантелеевич Псарёв родился в 1950 году в городе Лениногорске. После переезда с родителями в Усть-Каменогорск стал посещать занятия художественной студии Дворца пионеров. Там его первым педагогом по рисунку и живописи стал Е.Н. Годовский, у которого будущий художник учился не только основам мастерства, но и особому, пытливому взгляду на жизнь. Окончив художественное училище в Алма-Ате и отслужив в армии, в 1974 году начинающий живописец поступил в Московский художественный
институт имени В.И. Сурикова, где учился в мастерской народного художника СССР, академика РАХ Таира Салахова. Под руководством Сала-хова молодой мастер провел свою первую выставку в Российской академии художеств. Всего у Псарёва их было более четырехсот.
В.П. Псарёв обладает широким творческим диапазоном. Художника интересуют исторические и военные события, сюжеты о жизни и деятельности современников, а также нравственно-религиозные, философские и библейские темы. Среди самых известных работ: диорама «Центральная переправа через Волгу» в Музее-панораме «Сталинградская битва» в Волгограде, «Вечер» (1977), «Портрет молодого солдата» (1981), «Память. 9-я Мая» (1978-1985), триптих «Раны сердца» (1989), «За землю Русскую» (1991), «Материнство» (1994), «Художник и время» (2004) и многие другие. Тема Памяти была и остается главной в творчестве художника.
Еще в институте Виктор Пантелеевич задумал серию работ на тему «Память» (1988-2012), за которую в 1997 году был награжден дипломом Российской академии художеств. Его вдохновил сюжет, близкий каждому, живущему в России,— воспоминания о войне. Однажды художник про-
читал о том, что молодые ребята посадили целый сад, назвав каждое дерево в честь погибшего бойца Великой Отечественной. Так родилась картина, названная «Сад памяти», на которой мальчик внимательно рассматривает портреты погибших на войне солдат. Полотно «Диалог» — часть триптиха «Раны сердца» — художник посвятил современной российской молодежи. С одной стороны картины изображены представители так называемых неформалов, с другой — солдаты минувшей войны, а также недавнего — афганского или чеченского — конфликта. Этот разительный контраст рождает в душе зрителя вопрос, являются ли ушедшие воины героическим примером для молодежи.
Важным этапом в творчестве Виктора Псарёва явилась работа над воссозданием живописного убранства храма Христа Спасителя в Москве. Впечатления от реставрации храма легли в основу полотна «Патриархи Московские и всея Руси», продолжившего тему Памяти.
Портретная галерея художника демонстрирует образы Владимира Высоцкого, Андрея Тарковского, Александра Солженицына, Иосифа Бродского и Василия Шукшина из серии «Сыны России»
(1988-2017), а также целый ряд изображений друзей и близких художника, которые представлены в экспозиции.
Внимание зрителя, несомненно, привлекают пейзажи мастера, выполненные во время многочисленных путешествий,— природа родного края, его первозданность в работах «Степь», «Вишня», «Последний луч», полные солнца серии «Италия», «Санторин» и другие.
Художественный мир Виктора Псарёва пронизан идеей относительности времени. Свойственное автору ощущение единства истории, исторических и человеческих судеб воплощается в характере образного пространства его работ, живописной интерпретации, композиционных приемах, создающих богатейшие ассоциации. Глубоко волнуют художника судьбы поколений, переживших катаклизмы российской истории начала XX века. Подняв много важнейших проблем, обратившись к сущностным пластам русской истории, выставка стала серьезным поводом для раздумий.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«люди. города» фотовыставка кирилла симакова в мвк рах
Российская академия художеств 1-30 мая 2021 года представила выставку работ Кирилла Симакова «Люди. Города», в экспозицию которой вошло около 100 произведений фотохудожника.
Город — это мир, сотворенный людьми. Создание этого мира коренным образом изменило и самого человека. Город живет жизнью людей, а люди живут жизнью города, словно невидимые ниточки соединяют людей и города. Люди продолжают свой путь, встречают рассветы и провожают закаты, мечтают.
На выставке автор также представил свой проект «The NINE» — серию работ, вызывающих у зрителя множество ассоциаций, чувств и мыслей, доказывающих, что природе не свойственно повторяться, создавая шедевры. Каждый закат, каждый мегаполис, каждый человек прекрасен и уникален по-своему.
Кирилл Симаков — российский фотохудожник. Родился 15 августа 1984 года в Москве. Увлекаясь фотографией, занимался организацией и проведением фотосессий мировых знаменитостей и выдающихся деятелей искусства и политики, неоднократно был куратором выставок, а также редактором книг-альбомов. Портфолио автора составляют фотопортреты В. Ланового, Д. Медведева, Стивена Сигала, М. Горбачева, Б. Ефимова, Пола Уокера, В. Этуша, Аль Пачино, В. Путина, А. Немова, Ю. Соломина, В. Фетисова, Вуди Аллена, Эли Визе-ла, М. Плисецкой, Ромеро Бритто, И. Апексимовой, З. Церетели, Ральфа Файнса, М. Горевого, Марка Костаби, А. Баталова, Ланг Ланга, Дени Девито, К. Шахназарова, Меган Фокс, Римаса Туминаса, В. Добронравова, Марка Захарова, Ю. Медведева, В. Наумова, Т. Гвердцители и многих других.
В 2016 г. открыл рабочую студию в г. Москве. В 2018-2019 гг. является официальным послом Leica Camera в России. В 2019 г— участник выставки RedDot в рамках ArtBasel Miami'19. В 2020 г.— бронзовый призёр Mifa2020 в категории «Архитектура». В 2020 г.— участник Shanghai International Art Fair.
Фотоработы Кирилла Симакова неоднократно украшали обложки известных изданий, печатались
в газетах и журналах, выставлялись в престижных частных галереях Италии, США, Великобритании. Многие российские и иностранные музыканты и актеры используют работы Кирилла для своих афиш.
Кураторы проекта: Кирилл и Екатерина Симаковы.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«лики россии» выставка произведений геннадия правоторова в российской академии художеств
В Российской академии художеств с 19 по 30 мая 2021 года состоялась выставка произведений народного художника РФ, академика Российской академии художеств ГИ. Правоторова «Лики России». В экспозиции — более 150 медалей, плакет, созданных автором за последние 5 лет и посвященных деятелям российской истории.
Геннадий Иванович Правоторов — один из ведущих современных скульпторов. Его искусство глубоко содержательно, обращено к сущностным основам бытия. Работам художника свойственна особая выразительность, высокое мастерство, свободные от штампов пластические решения, символичность образов, легкий, часто импрессионистический стиль лепки.
ГИ. Правоторов родился в 1941 году. В 1968 году окончил Московское высшее художественно-промышленное училище (б. Строгановское), работает в монументальных и станковых пластических формах, круглой скульптуре, рельефе. Среди произведений скульптора — рельефы на колоколах для храма Христа Спасителя, церкви «Большое Вознесение» в Москве, Успенского храма в Тобольске. Произведения мастера экспонируются на крупнейших выставках в России и за рубежом,
вызывая широкий зрительский интерес, внимание профессионального сообщества и по праву занимая одно из центральных мест среди работ современных медальеров. Его произведения находятся в собраниях ведущих музеев страны и зарубежья, удостоены престижных профессиональных наград.
Центральное место в творчестве ГИ. Правоторова занимает медальерное искусство. «Поле медали — круг, и я был втянут в его орбиту сразу по окончании Строгановки и нахожусь в этой добровольной неволе по сей день. Круг — это ведь бесконечность с бесконечными возможностями творческого диапазона и, как говорил великий Буонарроти о глыбе камня, из которой можно вызволить любые образы, рождающиеся творческим духом художника, так и в малом, но емком круге медали с его неизмеримыми орбитами»,— отмечает художник. Произведения ГИ. Правоторова посвящены самым различным темам: истории и современности, экологии, космосу, гармонии человека и природы. За долгие годы художником создано множество классических круглых наградных и памятных медалей, разнообразных по тематике и художественным решениям, большое количество плакет, разных по пластическому языку и форме.
Только для тиражирования им выполнено более 200 медалей, которые находятся в постоянном обороте.
В 1980-е годы художник обратился к теме героического прошлого России, выполнив рельефы «Вещий Баян», «Первопечатник Иван Федоров», «Андрей Рублев», рельеф по мотивам «Слова о полку Игореве». В сложнейшей по технике исполнения плакете «За землю Русскую» он продолжил лучшие традиции отечественной мелкой пластики, идущие от литых бронзовых иконок, православных складней и крестов. Тему духовной преемственности Г Правоторов продолжил в серии медалей и плакет «История государства Российского», посвященной выдающимся личностям, принесшим славу нашему Отечеству. К 250-летию Императорской — Российской академии художеств Г Правоторов исполнил серию памятных медалей «Президенты Российской академии художеств».
Сюжеты произведений, связанных с историческими событиями, становятся для художника
прологом к большой теме, открытию важных смыслов, которые закладываются в художественный образ. Создавая новую работу, скульптор неизменно погружается в обширный исторический материал, делает множество эскизов, из которых складывается окончательное пластическое и изобразительное решение. Изучения большого пласта отечественной истории, связанной с освоением Сибири, потребовала работа над крупной серией «Славен град Тобольск», в которую вошло свыше 50 медалей, ряд которых представлен на выставке. Богатый краеведческий материал дал возможность высветить широкий спектр исторических событий этого региона, представить галерею выдающихся людей. Среди портретных образов — первопроходец земли Сибирской Ермак Тимофеевич, губернатор Тобольска, историк и писатель Д.Н. Бантыш-Каменский, исследователь Тобольского севера А.А. Дунин-Горкавич, просветитель Сибири митрополит Филофей, первый русский
генералиссимус А.С. Шеин, композитор А.А. Алябьев, ученый Д.И. Менделеев, художники В.Г Перов и В.И. Суриков, писатель П.П. Ершов, художник и историк М.С. Знаменский, медали «Царская семья в Тобольске» и др. Серия стала художественной летописью Сибири.
Историческая тема в творчестве ГИ. Правоторо-ва продолжает развиваться. Им создан медальный цикл «Русские полководцы», своего рода галерея портретов военачальников от Александра Невского до Георгия Жукова, памятные медали «Минин и Пожарский», «Куликовская битва». Этот ряд органично продолжили произведения, посвященные истории
духовности и культуры,— серия «Поэты и писатели Серебряного века» и другие.
На выставке в Российской академии художеств также были представлены плакеты на античные, библейские сюжеты. Неисчерпаемое разнообразие композиционных решений, пластических интерпретаций, образного, эмоционального звучания отличает эти обширные серии работ.
Материал подготовлен на основе статьи искусствоведа Татьяны Бойцовой.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
выставка произведений виталия петрова-камчатского (1936-1993) в российской академии художеств к 85-летию со дня рождения
Российская академия художеств с 9 по 20 июня 2021 года представила выставку произведений Виталия Петрова-Камчатского, заслуженного деятеля искусств РФ, члена-корреспондента Российской академии художеств, профессора, ректора Красноярского государственного художественного института (1988-1993), приуроченную к 85-летию со дня рождения художника. В экспозиции было около 40 графических листов разных лет.
Сегодня это единственный мастер в России, который настолько полно, весомо и широко посвятил свое творчество Дальнему Востоку: Чукотке, Камчатке, Сахалину, Якутии, покоривших его своей неповторимой красотой. На эту тему художником созданы обширные серии произведений в техниках станковой и книжной графики, выразительные живописные работы.
Коренной москвич, он обрел себя далеко от столицы. Сегодня его произведения украшают многие музейные коллекции России и зарубежья, среди них Государственный музей изобразительных
искусств им. А.С. Пушкина, Галерея Людвига (Кёльн, Германия), Государственный музей Востока и др.
Творческая биография Виталия Петрова (Камчатского) начиналась так же, как и у многих его сверстников: учеба в средней московской художественной школе, затем в институте имени В.И. Сурикова. Шестидесятые годы были для него периодом освоения профессиональных навыков, открытия своей темы.
Произведения Петрова-Камчатского уже тогда отражали неповторимые черты личности и мироощущения их автора. На рубеже шестидесятых-семидесятых годов художник обращается к технике литографии, обладающей значительно большей свободой изобразительных средств и богатством нюансов. Его цикл «Белая Чукотка», созданный по впечатлениям от путешествий по этому краю, как бы суммирует опыт, накопленный на протяжении предыдущих лет напряженного профессионального труда.
Удивительная эмоционально-смысловая основа заложена в цикле «Белая Чукотка». Его листы, создававшиеся в течение почти шести лет,— сплав живых впечатлений, увиденного и пережитого, одухотворенные романтической мечтой художника о дальних странствиях, неожиданных встречах и открытиях. Высокое бездонное небо над головой, сферически круглящаяся твердь земли — всё это подсказало необычные образные решения, словно материализовалось в созданных мастером листах цикла. Работа над циклом привела Петрова-Камчатского к необходимости поиска иных выразительных средств, органично соответствующих качественно новым задачам реализации идейно-художественного замысла на стыке черно-белого и цветного изображения. Так возник ряд цветных автолитографий, в которых по-своему воплотились представления автора о роли цвета в графике, проявился его тонкий дар колориста. Каждый лист этого цикла, будучи содержательно и тематически связан с другими, одновременно воспринимается как вполне самостоятельное, завершенное произведение, подобное поэтической новелле. С редкой изобретательностью ложатся на бумагу штрихи и линии, образуя неповторимый орнаментальный узор,
очерчиваются плоскости и выявляются объемы, создавая особую воздушную среду, в которой происходит действие. И чем более обобщающим, собирательным становится содержание в произведениях Петрова-Камчатского, тем с большей свободой и непринужденностью он оперирует средствами образной драматургии. Все эти грани творческой индивидуальности художника, в совокупности раскрывшиеся в цикле «Белая Чукотка», получили дальнейшее развитие, логическое продолжение в произведениях выдающегося мастера семидесятых годов.
Работы Петрова-Камчатского, такие как «Время охоты на морского зверя», «Берег Чукотского моря» и «Северный хлеб», свидетельствуют об усилении эпических интонаций, появлении черт определенной монументализации содержания, об акцентировании событийного начала в конкретной жизненной ситуации, в изображении обыденного мотива.
Художником проиллюстрировано более 15 книг повестей, сказаний и былин народов Севера и Дальнего Востока, а также созданы графические листы к произведениям Юрия Рэтхэу, Ивана Шесталова, Владимира Санги, Чингиза Айтматова. Книги с иллюстрациями В.Н. Петрова-Камчатского издавались в Германии, Италии, Японии, Португалии.
Творчество мастера являет неповторимый пример верности избранной теме и профессиональной взыскательности. Произведения Петрова-Камчатского отмечены оптимистическим восприятием мира, ощущением его бесконечного многообразия, вдохновенным мастерством
и особой поэтикой духовного отношения ко всему сущему.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«иерофании» выставка произведений александра токарева в российской академии художеств
Российская академия художеств 26 мая — 13 июня 2021 года представила выставку произведений члена-корреспондента РАХ Александра Токарева «Иерофании», в экспозицию которой впервые вошли многочастные и монументальные произведения, созданные художником за последние 10 лет.
Александр Токарев — яркое явление современной отечественной и мировой культуры. Он один из немногих художников, создающих произведения, по масштабу замысла подобные симфоническим полотнам и эпическим кинолентам. Из всех возможных маршрутов автора интересует один — путешествие человека в космосе собственного сознания и подсознания, поиск и открытие истинного «я». В его картинах легко сочетаются фигуративное повествование и духовное пространство. Рассматривая жизнь через магический фильтр поэтического преображения, он словно демиург трансформирует элементарные события в ошеломляющие сновидческие образы, создавая свою Вселенную, мир внутри других миров.
Редкий дар художника и кинематографиста «сжимать» события в одном кадре, останавливать повествование в точке наивысшего эмоционального напряжения, в моменте, который объединяет «до» и «после», позволяет зрителю «домысливать» предысторию и эпилог по своему усмотрению. Заданная таким образом авторская игра неизбежно превращает нас в сотворцов — соучастников Иерофаний.
Термин «иерофании» заимствован у одного из самых оригинальных мыслителей и философов XX века Мирчи Элиаде. Он означает «нечто священное, предстающее перед нами», или «проявление божественного, сакрального в мирском и обыденном».
Собранные вместе, картины А. Токарева могут быть прочитаны как единое поэтическое повествование, сдобренное тонким юмором и сатирическими нотками. Художник интерпретирует разные явления жизни, наполняя знакомые сюжеты новым содержанием, сочиняет парадоксальные метафоры для таких общечеловеческих понятий, как Любовь, Творчество, Детство, Память, Отечество, Время. Его персонажи столь же узнаваемы, сколь и призрачны, и почти всегда трагикомичны.
Чаще всего главными героями холстов становятся те, чье сознание открыто всему новому и необычайному — Художник и Ребенок (как альтер эго автора, «очарованный странник» или просто человек перед лицом своей собственной судьбы). Работа этого года триптих «Колизей» повествует о сакральном пространстве внутренней борьбы, символическом «падении» и «вознесении» человеческого духа. Полиптих «Сумасшедшие головы» (2001-2003) развивает тему «инакости» художника и творчества на пересечении двух контекстов — сознательной и бессознательной природы. Метафизическую интерпретацию того же символического ряда мы встречаем в картине «Нулевой
код» (2016), где объекты — небесные светила — ментальные тела — парят в трансцендентном пространстве, лишенном признаков материальности.
Музыка — еще одна любимая тема в творчестве Токарева. Образ «Человека-Оркестра» стал одним из счастливых открытий, позволил обрести колористическую и пластическую свободу. В нем найдено точное соотношение абстрактного и символического, заданного и спонтанного. Виртуозная импровизация «Человек-Оркестр» разрослась до пятисот холстов и, в конце концов, стала основной творческой стратегией, преобразовавшись в бесконечный автопортрет. Из силуэтов музыкантов, музыкальных инструментов, жестов и сферических форм возникает ощущение завораживающей космичности. «...Я хотел написать симфонию жизни и смерти, где есть и рождение, и любовь, и трагедия. Симфонию космоса, по эмоциональному ощущению близкую к "Страшному суду" или 'Апокалипсису". Музыка, которую они играют, только повод к изображению Космоса»,— говорит автор.
Александр Вячеславович Токарев родился в Одессе в семье художников в 1946 г. После Одесского художественного училища им. М.Б. Грекова (1961-1966) окончил Всесоюзный государственный институт кинематографии (ВГИК), художественный и режиссерский факультеты (1972). С 1966 года
участвовал в московских, республиканских и всесоюзных выставках. Первая персональная выставка живописи состоялась в 1974 году в Союзе художников СССР.
В 1970-х занимался станковой и монументальной живописью, сотрудничал с журналом «Юность», одновременно с этим работал в кинематографе как сценарист, художник, режиссер, автор текстов песен. С 1988 по 1993 гг. был главным художником в Московском музыкальном экспериментальном театре.
Сотрудничал со многими выдающимися людьми: Мстиславом Ростроповичем и Галиной Вишневской, Родионом Щедриным и Майей Плисецкой, Пьером Карденом, Валерием Гергиевым и Андро-ном Кончаловским.
В 2008-2009 гг. ретроспективные персональные выставки Токарева прошли в двух крупнейших национальных музеях — Государственной Третьяковской галерее в Москве и Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге. Произведения художника представлены в музеях и частных собраниях Бельгии, Великобритании, Индии, Италии, России, США, Украины, Франции, Чехии, Японии и других стран.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«по умолчанию...» выставка произведений валерия мишина в мвк рах
В Российской академии художеств 2-27 июня 2021 года состоялась выставка работ почетного члена РАХ Валерия Андреевича Мишина, которую он назвал «По умолчанию.». На выставке было представлено более 70 живописных и графических работ последних лет, раскрывающих всю полноту мирочувствования человека XXI века. Как «по умолчанию» мы принимаем дар жизни, так же в произведениях художника явлен нам восторг бытия и пронзительное очарование уходящего мгновения.
В творчестве этого мастера соединились страсть к анализу и формальным поискам с философским взглядом на окружающий мир. Он разработал метод «Остаточного реализма», при котором главной компонентой произведения является оттиск на холсте или листе бумаги реального предмета. В основе творческого направления лежит сочетание традиционной графической техники — так называемый «монопринт». Корни
«Остаточного реализма» Мишин возводит к наскальным рисункам первобытных людей и даже к отпечаткам доисторических животных в окаменевших геологических породах.
Валерий Мишин, один из апостолов современной визуальной культуры Петербурга, давно утвердил за собой репутацию независимого и оригинального художника, стремящегося воплотить в искусстве собственное представление о мире, опираясь на творческую интуицию и годами вырабатываемое профессиональное самосознание. Он получил образование в Свердловске у младшего футуриста Павла Петровича Хожателева, а затем в Ленинграде у сына мирискусника Глеба Александровича Савинова. Он известен своими графическими циклами, живописными работами и иллюстрациями ко многим и многим классическим произведениям русской и мировой литературы — от «Песни песней» до стихов Цветаевой,
Маяковского, Шимборской, прозы Пушкина, Карамзина, Замятина, Гранина.
Художник сложный и многогранный, он видит мир особым зрением, и воплощенные им образы заставляют зрителя сострадать и восхищаться. Острота формы и глубина постижения силы, выразительности языка и самой природы живописи — две стихии творчества художника.
Природную основу творчества Мишина составляет представление о картине как об ограниченном пространстве, населенном живыми предметами и одухотворенными персонажами. Он — исследователь предметного мира, который становится для него объектом поэтизации, философского осмысления или иронического разглядывания, поводом для игры творческого воображения и живописно-графического экспериментирования.
Мишин — последовательный приверженец классического профессионального подхода, который опирается на совершенное владение техникой, глубокое понимание особенностей художественного материала и максимальное использование скрытых в нем возможностей.
«Героями» сюжетных картин и натюрмортов Мишина нередко становятся марионеточные клоуны и «обнаженные» тряпичные куклы, карикатурные рыбы, чайники, кофейники и, конечно, игральные карты, в том числе полюбившиеся ему карточные домики. Помещенные в условное «игрушечное» пространство, все они написаны в забавной плоскостной манере и яркой красочной гамме, которые роднят их с образцами детского творчества и наивного искусства.
Искусство Валерия Мишина принадлежит современной петербургской культуре, оно глубоко пропитано ее атмосферой, мифологией и эстетикой, строится на привычных образах, созвучиях и ритмах.
Валерий Мишин известен как блестящий
станковист, иллюстратор и создатель уникальных авторских книг, несколько из которых представлены в экспозиции.
Мишин Валерий Андреевич — живописец, график, почетный член Российской академии художеств (2014), член Союза художников России, член Международной федерации художников ЮНЕСКО, член Международной федерации русских писателей. Окончил Свердловское художественное училище (1962), Художественное училище им. В.И. Мухиной, отделение монументально-декоративной живописи (1968). В 1960-1970 гг. посещал литературное объединение при газете «Смена» в Ленинграде, литературное объединение Татьяны Гнедич в г. Пушкине.
Участник более 300 выставок в России и за рубежом, в том числе более 30 персональных (с 1966). Занимается живописью, объектом, инсталляцией, станковой и книжной графикой и скульптурой, пишет стихи и прозу.
Работы представлены в собраниях: ГМИИ им. А.С. Пушкина, Московского Музея современного искусства, Государственного Эрмитажа, Государственного Русского музея, Всероссийского музея А.С. Пушкина, Музея истории Санкт-Петербурга, Музея городской скульптуры Санкт-Петербурга, Калининградской государственной художественной галереи, Бристольского городского музея и Художественной галереи (Museum and Art Gallery, Bristol), художественного музея Циммерли (Zimmerly Art Museum, New Brunswick, New Jersy), Музея Гутенберга (Gutenberg-Museum, Mainz), Дома юмора и сатиры (Museum of the House of Humor and Satire, Gabrovo), Городского музея Кремоны (Cremona Civic Museum) и др., а также в частных коллекциях.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«ближний круг» выставка произведений
дмитрия иконникова в мвк рах
Российская академия художеств 9 июня — 11 июля 2021 года представила выставку произведений члена-корреспондента РАХ Дмитрия Иконникова (1952-2019) «Ближний круг». В масштабную экспозицию вошло более 50 графических произведений и несколько живописных холстов из коллекции Московского музея современного искусства, собраний семьи автора и частных коллекционеров. Выставка была организована в преддверии 70-летия со дня рождения художника.
Дмитрий Иконников давно заявил о себе как сильный и самостоятельный мастер, чей авторский почерк и собственный взгляд на мир не спутаешь ни с каким другим. Тему, объединяющую работы Иконникова, представленные на выставке в МВК РАХ, можно определить как «ближний круг». Мастер пишет в основном собственную «окружающую среду», свой мир: дом и членов своей семьи, включая любимого кота. И пространство в его вещах — чаще только «ближнее»: интерьеры квартиры и домика на черноморском побережье, где художник отдыхает с семьей. Есть среди работ Иконникова несколько пейзажей, но и они —
из ближайшего окружения: вид на внешний мир с собственного балкона и вполне обыкновенный, но, что важно, опять-таки свой «ближний» двор. Особняком стоят пейзажи, воплощения своего рода «воображаемых путешествий» художника — виды неких городов, отдаленно напоминающих то Венецию с ее каналами и горбатыми мостами, то Францию с ее готическими соборами, возвышающимися над городскими крышами, то Испанию с громадами замков и храмов, нависающими над мостами и водными потоками. Словом, речь идет о произведениях, на первый взгляд камерных и по теме, и по жанрам — натюрморты, интерьеры, интимные пейзажи и «ландшафты воображений». Да и по технике — художник, верный своему образованию графика, работает исключительно на бумаге. Однако назвать его композиции камерной графикой язык как-то не поворачивается. Во-первых, Иконников пишет на бумажных листах большого формата, натянутых на планшеты. Во-вторых, любимая им гуашь на больших цветовых плоскостях, которым отдает он предпочтение, как будто теряет свою специфичность:
вместо кроющих слоев — просвечивающие, почти лессировочные поверхности, да еще и с разнообразной «дышащей» фактурой, напоминающей естественные неровности оштукатуренной стены. В результате перед нами — как будто бы фрагменты росписей. Здесь мы подошли к важнейшему качеству работ Иконникова, которое и не позволяет подходить к его последним работам как произведениям камерного искусства, а именно — к его умению подчинить решение единой композиционной задаче, что гарантирует целостность, а значит — монументальность композиции. Весьма вероятно, что это свойство возникло в результате того, что художник начинал профессионально работать в монументальном цехе художественного комбината. Очень существенным для Иконникова был и опыт печатной графики, в частности работа в плакате и в книжной иллюстрации. Почти все произведения художника, самодостаточно монументальные с точки зрения композиции, чрезвычайно выверены в деталях. Можно даже сказать, что он мастер детали — благодаря обостренному вниманию и особому «вкусному» отношению к каждой из них. Эта сторона таланта сближает Дмитрия со старыми мастерами, которым было свойственно придавать любому, самому обыденному и прозаическому предмету функцию знака, превращать его в скрытый символ, и при этом не разрушать его особую ауру — так, как это умели в своих полных поэзии натюрмортах и интерьерах «малые голландцы» или Шарден. Автор наделяет простые предметы глубоко личностной символикой. Круг посвященных сжимается опять-таки до «ближнего» — своего — круга. Перед нами — не стилизация, а работы художника, впитавшего поиски и интересы сегодняшнего дня, в искусстве которого соединились разновременные творческие традиции, как и подобает в кризисные творческие эпохи, чреватые новыми открытиями. Как раз таковым и является рубеж ХХ и ХХ1 веков.
Дмитрий Евгеньевич Иконников-Ципулин родился 31 января 1952 года в Мурманске. В своем стремлении посвятить себя художественному творчеству Иконников определился достаточно рано. Уже с 1969 года, после окончания средней школы, работал мастером-исполнителем в монументальном цехе Московского областного комбината художественных работ. Одновременно посещал вечерние рисовальные классы при МГХИ им. В.И. Сурикова. Затем последовали годы учебы — в Московском государственном педагогическом институте им. В.И. Ленина на художественно-графическом факультете, затем — в МГХИ им. В.И. Сурикова, куда был принят сразу на II курс графического факультета при поддержке известного советского художника Е.А. Кибрика. В 1981 г. окончил МГХАИ им. В.И. Сурикова.
В 1980-х художник работал в области уникального и печатного плаката. Им были созданы произведения, получившие признание публики и коллег. После чего он занимался книжной графикой, проиллюстрировал ряд книг.
Член Союза художников России (1998), Творческого союза художников России (1995), Московского союза художников (2003), член-корреспондент Международной академии культуры и искусств (2008), член-корреспондент Российской академии художеств (2011).
Персональные выставки мастера проходили в России, Швеции, Норвегии, Южной Корее. Работы мастера находятся в российских музеях и частных собраниях в США, Германии, Норвегии, Японии, Швеции, Южной Корее.
Материал подготовлен на основе статьи доктора искусствоведения, академика РАХ Андрея Толстого.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
«гравюра на камне». выставка к 85-летию со дня рождения в.н. петрова-камчатского (1936-1993)
в красноярске
В Красноярске 30 апреля — 27 мая 2021 года состоялась выставка «Гравюра на камне». Проект приурочен к 85-летию со дня рождения выдающегося графика, основателя кафедры «Графика» в Красноярском художественном институте, члена-корреспондента Академии художеств СССР Виталия Натановича Петрова-Камчатского (1936-1993). Интересный, насыщенный творческий путь привел Петрова-Камчатского в Сибирь, на родину В.И. Сурикова — в город Красноярск, где художник возглавил государственный художественный институт, став его первым ректором. Одновременно Виталий Натанович был приглашен руководителем Творческой мастерской графики РАХ в Красноярске. К большому сожалению, он прожил в Красноярске
совсем мало и ушел из жизни в возрасте 57 лет. Несмотря на это, он оставил четкий и прекрасный «оттиск» в сердцах современников, всегда отмечающих его талант как художника и особенно как педагога. Его вклад в развитие школы красноярской графики уникален, особенно в становление печатной графики.
На выставке «Гравюра на камне», помимо работ самого Петрова-Камчатского, были представлены произведения нескольких поколений современных красноярских литографов, учеников Виталия Натановича, среди них: Герман Паштов, академик Российской академии художеств, руководитель Творческой мастерской графики РАХ в Красноярске, народный художник России, профессор; Валентин Теплов, академик Российской
академии художеств, заслуженный художник России, заведующий кафедрой графики СГИИ, профессор; Алим Пашт-Хан, народный художник КБР, обладатель золотой и серебряной медалей РАХ; а также работы стажеров и выпускников Творческой мастерской графики РАХ в Красноярске, профессоров, преподавателей и студентов СГИИ им. Д. Хворостовского.
10 мая 2021 года в рамках работы выставки «Гравюра на камне» прошел круглый стол, посвященный 85-летию со дня рождения Виталия Натановича Петрова-Камчатского. В нем приняли участие ученики, преемники художника, стажеры и выпускники творческих мастерских РАХ. Круглый стол провел академик РАХ Герман Суфадинович Паштов. Он поделился своими воспоминаниями о встречах с мастером, совместной работе, рассказал о творчестве художника. Воспоминания ГС. Паштова опубликованы в альбоме, посвященном творчеству В.Н. Петрова-Камчатского.
«Огромную любовь к окружающим, любовь к детям, семье и Родине Виталий Натанович проявил в своих произведениях, наполненных искренностью и открытостью души. У нас много талантливых художников, воспевающих Север и Дальний Восток, но нет никого, кто бы воспел в своих литографиях и рисунках Камчатку так, как это делал Виталий Натанович. Его любовь к Камчатке со студенческой скамьи (во время учебы в институте имени В.И. Сурикова он с группой студентов поехал на практику на Камчатку) заложила в нем основу будущего графического языка, сделала его выдающимся певцом, воспевающим красоту и загадочность Камчатки, художника, не похожего ни на кого. Он мастер высочайшего уровня, создавший неповторимый образ Камчатки и Севера.
С огромным чувством и пониманием Виталий Натанович относился к литографскому камню. В его ректорском кабинете лежали камни для студентов, на которых они работали и выполняли курсовые и дипломные работы. Засучив рукава, он показывал им, как надо готовить камень, как на нем рисовать или гравировать. Сам печатал студентам и проводил открытые уроки, мастер-классы. Будучи первым ректором единственного художественного института за Уралом (КГХИ), он открыл кафедру графики, и мы до сих пор пользуемся литографским и офортным станками и прессами для ксилографии, приобретенными им в то время. Там всегда царила атмосфера творчества. Доброта и отзывчивость Виталия Натановича была без границ, он одинаково с любовью и щедростью относился и к коллегам, и к студентам.
Виталий Натанович был и замечательным чутким руководителем Творческой мастерской графики Академии художеств в Красноярске, и общественным деятелем. Как член Российской академии художеств он был направлен первым руководителем Творческой мастерской графики Российской академии художеств в Красноярск. Виталий Натанович талантливый мастер не только литографии, но и большой мастер рисун-
ка, акварели и замечательный книжный иллюстратор литературных произведений народов Севера. Продолжая руководить творческой мастерской графики Академии художеств в Красноярске, сохраняю и продолжаю традиции, заложенные им.
С Виталием Натановичем я познакомился еще в 70-е годы прошлого столетия в Доме творчества «Челюскинская», помню, как он работал над сериями литографских листов по Камчатке. А когда он пригласил меня в Красноярский государственный художественный институт на кафедру графики для создания мастерской ксилографии, мы с сыном Алимом жили в его семье. Были как братья, делились всем. Знаю его замечательных детей, сына Константина и дочек Веру и Полину, до сих пор храню их детские рисунки, которые они щедро нам дарили с любовью. Мы каждый вечер проводили в беседах об искусстве, Виталий Натанович показывал свои рисунки, акварели по Испании, из творческой командировки по которой он недавно вернулся. Это были творческие встречи, куда с большим интересом и желанием приходили художники и преподаватели института.
Помню тот день, когда его не стало с нами. Все произошло мгновенно. Секретарь института позвонил мне и сообщил: «Звонил Виталий Натанович из Москвы и связь неожиданно прервалась». На следующий день мы открывали групповую выставку «В.Н. Петров-Камчатский. Н.Л. Воронков, М.А. Рахлеева, К.Г Губайдулин, ГС. Паштов» в городе Пальчике, куда он собирался приехать на открытие...
Это был очень печальный для нашего искусства день! Добрая, светлая память о нем всегда в наших сердцах! Созданная им атмосфера доброжелательности и творчества и сегодня царит в институте и на кафедре.
Творчество Виталия Натановича остается и сейчас актуальным.
Сложно говорить о Виталии Натановиче вкратце. Высокое искусство художника Петрова-Камчатского восхищает своей реальностью и в то же время уникальным языком графики. Это настоящее явление личности в искусстве. В его графическом языке сразу узнаешь Камчатку. И недаром он добавил к своей фамилию слово «Камчатский»: Петровых много, а Петров-Камчатский один!
В искусстве нашей страны созданный им образ Камчатки — явление уникальное, неповторимое и самобытное.
P.S. Портрет Полины — последняя работа Виталия Натановича на камне. Он уехал в Москву, не успев ее напечатать, камень с рисунком мы сохранили».
Герман Паштов
По материалам пресс-релиза.
Управление информации (пресс-служба) Российской академии художеств
