CC BY
16
Г. В. Цветков
Московский филиал Высшей школы народных искусств (институт)
Методика восприятия и отображения натурных постановок в специализированных высших учебных заведениях по профилю
«Декоративное искусство»
«Высокое, серьезное искусство живописи без науки не может существовать Наука в высшем проявлении ее переходит в искусство».
П. П. Чистяков
В данной статье мы хотели бы поделиться теми наработками по предмету «Академическая живопись», которые так или иначе появились у нас в длительном процессе преподавания этого интереснейшего предмета, начиная с Московской Школы Художественных Ремесел, а затем и в Московском филиале Высшей школы Народных Искусств.
Трудно не согласиться с тем, что обучая студентов сложному, красивому, увлекательному процессу овладения живописи, педагог обучается и сам. Очень важно на пути передачи знаний о своем предмете и самому совершенствоваться, набирая как можно больше знаний и умений в своей области.
На наш взгляд, тому педагогу, который серьезно не занимается своим
предметом (в нашем случае - живописью) в жизни (написание картин, этюдов и т.
д.), очень трудно разобраться во всех сложностях и перипетиях этого процесса,
ведь чтобы «докопаться» до истинно причинных связей цвето-тонового
изображения на плоскости, очень много нужно «перелопатить» материала не
только кисточкой в руке, но и теоретически. Педагогу необходимо все время
обновлять свои знания, приобретать новые. К этому относятся посещение
библиотек, всевозможных художественных выставок, просмотр тематических
фильмов, развитие представления о том, как и в каком направлении ведется
55
преподавание академической живописи в других высших учебных заведениях, необходимость интересоваться искусством «всех времен и народов» - в общем, быть широко осведомленным в своем деле. Ибо преподаватель должен вести своих учеников по тем путям познания живописи, по которым прошел, в первую очередь, сам.
В современной педагогической системе работа мастера-учителя-воспитателя со студентами порой сводилась к следующему. Не раз доводилось видеть и слышать, как проходит процесс овладения методами живописного мышления. В целом, обучение студента в мастерской сводилось к примитивному подсказыванию педагогом, как и где в картинной плоскости «взять» посочнее, потемнее, или вовсе все стереть и начать заново. А порою видя неумение, непонимание студентом сути дела, педагог сам садился на его место и быстро, даже сказать, «лихо», с его-то опытом, отмахивал кистью, и писал половину работы, а то и более со словами -«ну, теперь понял, как надо...». Причем, сам педагог во время такого «сеанса» так увлекался процессом делания за студента, что то цветовое изображение, которое он создавал, проявлялось на плоскости без всяких комментариев со стороны педагога! «Вот это учеба!». Неужели нет другого способа передачи знаний от педагога студенту?
Неоднократно приходилось слышать от педагогов, в их среде, о том, что живописи вообще невозможно научить, что студенту нужно иметь изначально особый дар. Если нет дара - ничему такого студента не научить. В такие моменты я думается о даре не студента, а педагога. Учить передаче цвета можно и нужно. Главное, самому педагогу разобраться и понять, как это делать. А то получается, что на итоговом экзамене по живописи за якобы работу студента преподаватель фактически ставит положительную оценку самому себе (он же и написал эту работу в «процессе объяснения»!).
Когда студент приходит на занятия в мастерскую и начинает работать над
поставленной задачей по теме, педагог должен постараться на первых порах не
сильно влиять на него своими знаниями, присматриваться к нему - что он умеет,
дать возможность самостоятельно вести свою работу, лишь давая некоторые
56
комментарии-объяснения.
Конечно, необходимо, во-первых, наладить положительный контакт с учеником, предварительно узнав, где он учился живописному делу. Во-вторых, важно создать на уроке серьезную интересную и в то же время раскрепощенную обстановку.
Так, на старших курсах, по нашему мнению, педагогу необходимо включать соответствующую музыку, преимущественно классическую, которая способствует более вдохновенному восприятию натуры. Очень важно творческое состояние души студента. Для этого необходимо, перед тем, как он начнет работать, объяснить ему задание, воодушевить его, ведь, в какой-то мере, как будет рассказано (объяснено) педагогом, так и будет увидено и воспринято студентом в постановке. Когда мы создаем постановку для студентов, мы делаем их несколько, чтобы у них был выбор. Очень важно, когда ученику по душе красивый объект восприятия. Необходимо создавать (ставить) постановки (натюрморты) в аудитории не при учениках, не на скорую руку. Ведь живопись уже начинается здесь и сейчас - в постановке.
От того, насколько умело, талантливо, составлены предметы в пространстве по теме урока, настолько и будет «живописный отклик» у студента во время встречи двух прекрасных начал - человека и предлагаемого эстетического явления в классе, т. е. натуры. Постановка - это задача педагога, и пути ее разрешения на каждом курсе зависят от уровня подготовки, возраста и характера каждого студента. На уроке педагог должен быть артистом - ярким, интересным, нестандартным, внимательным, тонко улавливающим атмосферу урока, создающим благоприятную ауру.
Следует особо отметить, что искусство всякого обучения есть «слово»,
которое есть и зрительный образ, и поэтому при запоминании студентом на уроке
тех или иных словоопределений - знаний по теме, память - внимательная,
сосредоточенная - играет едва ли не самую главную роль в обучении. Поэтому
задав определенную атмосферу обучения, творчества, состоящего из знаний,
приобретаемых умений, необходимо продолжать «разговор» с каждым из своих
57
студентов, проверяя усвоенный и применяемый ими в работе материал по теме. Очень важен здесь индивидуальный подход к каждому студенту - творческой личности.
Важно понимать и то, что в начале пути овладения формой и пространством красками начинающим первокурсникам необходимо писать постановки при дневном свете. Только тогда, со временем, глаз и мозг изображающего с натуры ученика будут развиваться в правильном направлении. Ведь поиски взаимовлияющих тоновых и цветовых явлений в постановке более богато раскрываются в условиях дневного, натурального, сложного, исходящего из окна, света. Постановки необходимо ставить из расчета поставленной задачи на уроке.
Порой, и это естественно, на первых уроках живописи студент смотрит на постановку и «не видит» ее правильно-профессионально. Да, иногда легче и проще педагогу сравнить работу студента с постановкой и сделать соответствующие замечания - что потемнее, а что посветлее, где нужно поярче, и т. д. А вот вопрос, почему студент не видит правильно натуру при ее изображении - отображении на плоскости листа (картона или холста), остается невыясненным педагогом, да и самим обучающимся.
Часто педагог, делающий замечания студенту, сравнивает в натуре-постановке одни пятна форм предметов с другими, находит в них тонально -цветовую разницу и «докладывает» это студенту, преподнося на ложечке готовый рецепт написания, не говоря ничего о том, каким образом сам педагог добыл эти знания-видения. Учить надо сути - правильному видению натуры. Смотреть еще не значит видеть, также как слушать - и слышать, рисовать - и срисовывать. Поэтому, перед тем, как садиться студенту за выполнение той или иной поставленной задачи по живописи, ему нужно не только объяснить цель урока, но и, сообразно тематике, донести методы видения натуры, способы ее изучения и изображения с использованием тех или иных методик-приемов.
Способов видения натуры очень много, только их нужно давать студентам с расчетом их «зрелости» в деле освоения живописи.
В начальных классах следует познакомить студентов с пониманием тоновой
58
шкалы (от черного тона - через многообразие серого - к самому светлому - белому тону); определить вместе с ними, в какой тональной шкале находится постановка, т. е. в каких тонах (темных или светлых) она выполнена. Шкалу тональностей можно выполнить предварительно на одном из уроков перед самой живописью, на отдельном плотном ватмане. И только путем быстрого сравнения натуры (и отдельных ее частей) со шкалой можно прийти к определенному выводу.
Далее может пойти речь о насыщенности - яркости - цветности предметов в залегающей цвето-тоновой среде. Нужно дать студенту увидеть и почувствовать напряжение цветового строя в постановке (чтобы в дальнейшем уберечь их от разбеленности в живописи). Педагог предлагает аудитории следующий метод сравнения. Перед постановкой размещается небольшой листок белой бумаги так, чтобы его плоскость отражала как можно светлее падающие на нее лучи дневного света. Некоторые преподаватели, правда, говорят, что можно соотнести с бликом (вместо белой бумаги) на одном из предметов и исходя от него (блика) «выстраивать» верную тоновую живопись. Но, во-первых, блика (или бликов) на предметах в постановке может и не быть, во-вторых, блик2 блику - рознь. И в-третьих, блик «залегающий» в выбранной нами системе тоновой шкалы всей постановки подчиняется ей и порой является не таким уж светлым (белым) пятном, как белоснежная бумага на первом плане постановки, т. е. расположенная значительно ближе к студенту, чем предметы, «живущие» в глубине пространства с бликами (если они есть на предметах). Можно сравнить белый лист ватмана с чем-либо, например, можно взять уже выполненную правильно работу (натюрморт) в цвете, с написанными предметами и бликами, поднести к бликам белую бумагу - и сразу станет ясно, что блик в работе - вовсе не белое пятно (так как в сравнении он темнее белой бумаги), а цветовой оттенок, «прилипший» к выпуклой форме предмета, залегающего в глубине изображенного пространства. Становится ясно, что способ сравнения-видения натуры на протяжении многих лет обучения у студентов должен постоянно развиваться и совершенствоваться. Об
Блик - степень силы отраженного света на выпуклой форме предмета в зависимости от его материальности (стекло, металл, керамика, блестящая драпировка и т. д.)
этой пойдет речь далее.
На более старших курсах можно говорить о способе «широкого» видения натуры. Дать понимание того, что в живописи видения всю постановку нужно видеть в едином цвето-тональном строе при разнообразии входящих в нее предметов; что светосила всего произведения, изображенного на плоскости студентом - результат силы освещенности, исходящей от источника света и цвето-тонового свойства (возможностей) красок, в умении работать отношениями.
Со временем стало отчетливо ясно, что и видение натуры зависит от «сигнала»-мысли-знания, посылаемых мозгом глазу, будь то мысли от педагога, посылаемые студенту, или мысли самого студента о видении постановки и разумение ее.
Есть методика видения «скользящего» взгляда на натуру, применяемого для улавливания тончайших оттенков цвета в натурной постановке. В данном случае в упор на предмет смотреть нельзя.
Есть методика видения «расширенного зрения» - художники называют такой метод - «смотреть на натуру коровьими глазами».
Есть взгляд - видение - понимание предметов через среду пространства цвета и тона в постановке.
Есть взгляд - видение через понимание цвета (тепло - холодно), как воздуха в изображаемом пространстве у студента.
Есть взгляд - видение как взаимопроникающая целостная система цветовых отношений в той или иной колористической гамме.
Есть взгляд - видение как выявление взаимовлияющих оттенков в предметах и их «поднятие» в цветовой насыщенности.
Есть понятие (и соответственно, как мы говорили выше) - видение в постановке противоположных цветовых систем (предмет «цветоведение», по цветному кругу).
Есть видение как способ смотрения на постановку «прищуренным взглядом» для понимания «цельности» в изображении.
По нашему мнению, чтобы научить студента так видеть, нужно рассказать
60
ему, какими методами-приемами это достигается. Одним словом, живопись и ее освоение - это довольно сложный методически построенный процесс, а не использование таланта, которому учить не надо.
В нашей преподавательской практике мне приходилось обучать студентов почти с нуля, то есть таких, кто очень слабо умел, а порой и вовсе не знал, как выполнить ту или иную поставленную перед ним задачу по живописи. Хотя есть студенты, прошедшие обучение и в художественной школе, но глубоких знаний по предмету почти не имеющие. Работают такие студенты как-то интуитивно: вышла живопись - хорошо. - «Это был мой день», - говорит студент. Не вышло - «что-то настроение у меня было неважное, поэтому и такой результат», - думает он. Мы же говорим студентам: «Зная предмет, вы должны задание выполнять минимум на «хорошо», опираясь на те знания и умения, которые вы получили на предыдущих занятиях, а если к тому же у вас настроение хорошее, и с багажом усвоенного все в порядке, и материалы (кисти, краски и т. д.) приличные, то желательно работу выполнить на «отлично». Настраиваем студентов на то, чтобы после завершения работы с натуры им хотелось бы «одеть» ими изображенное в раму и подарить кому-нибудь из близких знакомых, маме или папе. Другими словами, студент должен думать, что его работа должна быть не проходным заданием, а законченным художественным произведением, и настраивать себя на такое понимание своей задачи. Очень приятно слышать, когда наши воспитанники говорят: «Григорий Викторович, я оформил свою работу, повесил ее на даче. Она так здорово там смотрится!», или «Я свою работу в «кофейной гамме» дома на кухне разместил, так даже положительное настроение появилось!» Некоторые лучшие работы студентов (начиная с 1-го курса и далее) у нас в Московском Филиале участвуют как образцы на выставках, хранятся в методическом фонде как пособия, используются в педагогической деятельности в области академической живописи.
Немалую часть нашей статьи хотелось бы посвятить проблеме понимания-видения декоративности в написании цветом предлагаемых постановок.
«Декор» как украшательство, внесение в цвето-тоновую среду работы
61
студентом этого явления занимает не последнее место в обучении предмету живописи в нашем специализированном высшем учебном заведении по профилю «декоративное искусство».
Как говорил в свое время известный русский художник М. Врубель, «то, что вижу, все декоративно».
В начале первого курса и на втором курсе мы делаем главную ставку при обучении студента на тоновое решение живописи, которое в своей сложности воспитывает у него целостное видение натуры, общетоновое решение, взаимодействие и различение тональностей в предметной среде, пространстве.
Этот основополагающий фундамент должен стать крепким основанием, на котором в дальнейшем и будет вырастать здание живописи с декоративным уклоном. В деле воспитания такого художника, еще раз это подчеркиваю, нужно не просто вырастить человека с определенным набором знаний по предмету «живопись», но Художника, способного эти знания подключать при выполнении своих высокохудожественных декоративных произведений (дипломных работ) на кафедрах «Ювелирное искусство», «Художественная вышивка», «Художественная роспись тканей», «Художественная роспись по металлу и папье-маше», «Художественное кружевоплетение», «Косторезное искусство» и т. д.
В понятие «декоративности» включаются такие компоненты как линия, точка, пятно, повышенная графичность - определенная сегментарность в живописи, понятие повышенного общего цветового строя на полотне, бумаге или картоне, «перекличка» цветовых акцентов в живописи, элемента фантазии, базирующегося, произрастающего из восприятия натуры, собственного опыта, а также из опыта художников с декоративным видением - К. Коровина, А. Головина, В. Сурикова, П. Кончаловского, М. Врубеля, А. Васнецова, В, Поленова, М. Нестерова, Е. Поленовой, И. Грабаря, С. Малютина, И. Билибина и многих других. В понятие «декоративности» можно внести и своеобразную технику, используемую для изображения того или иного пространства, предметов и т. д. Ведь пространство можно выстроить путем цвето-тоновых пятен и конструкций с
применением (обогащением) метода декоративности.
62
Также хочется сказать о декоративном подходе создания колорита в изобразительной плоскости у студентов. Иногда ученик в живописи «приближается» цветом к тому, что видит и отображает, но этого мало. Нужно организовывать колористическую декоративную систему в живописном произведении. Для этого понимания в нашем вузе разработаны задания для студентов - написание перед основной живописной работой малых этюдов с натуры в соответствующем направлении.
На уроках-занятиях необходимо прививать студентам любовь к своему делу, писать красками с душой, а то порой замечаем, что студент чему-то научился, набрался знаний, и на старших курсах почти автоматически бездушно отображает увиденное. Так поступать нельзя, нужна «теплота» в живописи, нужно полюбить то, что изображаешь.
Приведем пример из истории преподавания живописи в Санкт-Петербургской Академии Художеств. Случилось это еще до 1917 года. Преподавателем был П. П. Чистяков. Однажды, подойдя к одному студенту, который писал что-то с живой натуры, Чистяков заметил по поводу работы: «холодно». Студент всполошился - в чем дело? «Наверное, нужно срочно добавить охры», - думает. Добавил. П. П. Чистяков подходит к нему с той же фразой («холодно») и удаляется. Студент думает: «Маловато, видимо, охры для «теплой живописи», добавлю я кадмиев - оранжевого, красного». Прошло какое-то время, подходит Чистяков и опять, к ужасу студента, говорит «холодно». Видя на лице студента явное непонимание, П. П. Чистяков подводит студента к печи, облицованной белым кафелем, на тот момент хорошо протопленной, и приложив руку к кафелю, говорит: «Вот, белый, а греет...»
Очень важно студентам на уроках живописи периодически рассказывать о
целостности художественного направления и специфике нашего института
декоративно-прикладного искусства, и чтобы в контексте этого понимания шло
обучение студентов и создание педагогами авторских программ в этом ракурсе.
Поэтому все обучение, в том числе и постановки, созданные преподавателями на
уроке живописи должны некоторым образом отличаться от постановок в других
63
специализированных художественных вузах нашей страны. Ведь каждое высшее художественное учебное заведение в своих программах закладывает ту основу и направление заданий, которые в дальнейшем должны привести студента к выполнению высокохудожественного произведения.
В понятие предмета «Академическая живопись» различные художественные вузы вкладывают свои представления и наработки предшествующих поколений и систем, с учетом своей специфики. Выполнение итоговой дипломной работы на станковом отделении художественного вуза - это одно, в вузе декоративного направления - другое, в архитектурном институте - третье, при подготовке художника-иллюстратора - четвертое и т. д.
Постановки в классе, призывающие раскрыть декоративное мышление и восприятие у студентов на уроке, ставятся из тех предметов, которые хорошо рефлексируют между собой - керамика, металл, стекло, шелк и т.п. , с учетом курса обучающихся. В натюрмортные постановки могут входить как предметы с нанесенными на них орнаментами, так и пятновая графичность в расцветке драпировок - узорчатость тканей. Некоторая повышенная цветовая активность (раскраска) предметов также учитывается в учебных постановках. В фонах более сложных постановок могут участвовать декоративные расписные ткани, панно, взятые с кафедры «Специальных дисциплин» (художественная роспись тканей) (при этом учитываются межкафедральные связи). Позирующие модели необходимо ставить для изображения студентами в декоративных одеяниях - в старинных нарядах различных национальностей и современных костюмах, выполненных на кафедре «Художественная вышивка». В постановку могут входить такие предметы народного декоративного творчества, как квасники, туеса, расписные подносы, прялки, ларцы, сундуки, братины, ковши, самовары, ухваты, утюги, резные наличники. Таким образом, возможно составление тематических натюрмортов, где во всей красе прозвучит декоративность через вещи, выполненные самими студентами разных факультетов сегодня и народными мастерами прошлого.
Пример - постановка «Чаепитие», где участвуют вышитые полотенца,
64
самовар, расписная посуда, различные хлеба - выпечка, баранки, пряники; расписные платки, яркие, с цветочными росписями и орнаментами подносы.
Еще одна интересная тема для выполнения студентами на уроке (на старших курсах) - «Пасха». Здесь возможно применение следующего предметного набора -свечи (возможно, зажженные), кулич пасхальный, салфетки с вышивкой, также кружевоплетенная скатерть, расписные блюда, пасхальные расписные яйца, икона по теме. Перед началом работы студентам необходимо рассказать о праздновании Пасхи и значении этого праздника.
Педагоги должны вводить студентов в восприятие декоративности на примере флоры: «Посмотрите на листья, ветки, цветы осенью или весной. Какими нарядными узорами природа наделила их без нашей помощи! Вы, студенты, должны только внимательно приглядеться, понять и с теплотой передать на плоскости эти красивые, объемные, графические декоративные и живые «существа»!»
Также хотелось бы, чтобы педагоги вводили своих студентов в мир постижения сложного предмета живописи как художники, которые знакомят обучающихся с произведениями ведущих русских и зарубежных художников разных эпох, обращали их внимание на такие богатейшие источники искусства как на «дворянские гнезда», расположенные в Москве, Подмосковье и в других городах России, на усадьбы русского многопланового художественного быта. Здесь могут быть уместны поездки с учениками в такие жемчужины народного декоративного и прикладного искусства, как музеи «Абрамцево», «Коломенское», усадьбы, монастыри и в другие места, связанные с искусством Руси. «Насыщение» красотою, развитие высоко эстетического вкуса и духа предков у студентов должно происходить не только на уроках живописи. Также еще очень много у нас в стране мест, где и сегодня педагоги ведут обучение искусству-ремеслу - это народные промыслы. Поездки в такие места во время обучения в нашем вузе необходимы студентам как глоток живой воды творчества.
Нашу статью мы хотели бы закончить словами русского писателя и русского
художника об искусстве: «Основоположниками искусства были гончары, кузнецы,
65
златокузнецы, ткачихи и ткачи, каменщики, плотники, резчики по дереву и кости, оружейники, маляры, портные и портнихи, вообще - ремесленники, люди, чьи артистически сделанные вещи, радуя наши глаза, наполняют музеи» (М. Горький).
«Мы только тогда внесем свою лепту в сокровищницу всемирного искусства, когда все силы свои устремим к развитию своего родного русского искусства, то есть, когда с возможным для нас совершенством и полнотой изобразим и выразим красоту, мощь и смысл наших родных образов - нашей русской природы и человека, нашей настоящей жизни, нашего прошлого, наши грезы, мечты, нашу веру и сумеем в своем истинно национальном отразить вечное, непреходящее» (В. М. Васнецов).
В завершение хочется пожелать как студентам, вступившим на этот путь красоты, так и педагогам, взаимного интересного общения, глубокого изучения предмета, при постижении которого получали бы удовольствие и те, и другие, яркого, нового видения окружающего мира, в дальнейшем - преобразования своего окружения в эстетически насыщенную художественную среду. Вспомните о весенней луже, которую видит обычный человек, не причастный к искусству, к красоте, к другому восприятию, - в ней он находит только грязь и сырость, а художник, напротив, - видит в ней отраженное небо!
