CC BY
570
Г. М. Денисова
ОСНОВНЫЕ ПОСТУЛАТЫ РОССИЙСКОЙ ВОКАЛЬНОЙ ШКОЛЫ НА СОВРЕМЕННОМ ЭТАПЕ РАЗВИТИЯ МУЗЫКАЛЬНОГО ИСКУССТВА (Певческий голос и методика его постановки)
Национальная школа пения формируется как из вокальнотехнологических принципов, так и особенностей психологического склада нации, истоков ее музыкальной культуры, а также своеобразия исторического развития. Проще говоря, все хорошо поющие певцы пользуются схожими вокальными приемами.
Исторически русская вокальная школа ведет свои истоки от творчества М. И. Г линки - первого русского композитора классика и вокального педагога. Однако нужно отметить, что попытки организации музыкального театра в России предпринимались еще в середине XVII в., а в 1735 г. сюда была приглашена на постоянную работу итальянская оперная труппа во главе с Ф. Арайя -композитором и дирижером. К моменту проникновения итальянской оперной музыки в Россию Италия уже переживала так называемый второй период эпохи бельканто - время виртуозной оперной техники.
Поднимая эту тему, резонно ожи-вы легко сможете отличить по голосу. Одна из проблем современного классического вокала - это потеря индивидуальности голоса, его естественного тембра. Слышу возражения: но ведь школа классического вокала - особая школа, которая требует достаточно сильного звучания голоса (без подзвучки) в условиях больших концертных и оперных залов. И особые приемы для усиления звучности голоса, естественно, придают ему характерное звучание, но это как бы
Все голоса от природы несовершенны и требуют учения, цель которого исправить недостатки и усовершенствовать голос
М. И. Глинка
дать ответное возмущение классических певцов и педагогов по вокалу. Но тем не менее проблема остается открытой.
Итак, в чем суть? Попробуем взглянуть на современный классический вокал глазами стороннего непрофессионального слушателя. Каким будет его первое впечатление? Я не хочу предстать необъективной, но мой личный опрос людей (не профессионалов) показал, что мало у кого из них классический вокал вызывает положительную оценку. Не спешите утверждать, что классика это элитное искусство. Если так, то не грозит ли ему стать искусством только для самих исполнителей? Причин тому достаточно много, и в основном они объективны, не зависят от исполнителя, но выяснилось, что наибольшее отторжение в классическом пении у тех же непрофессионалов вызывает неестественный, «неживой» тембр голоса исполнителей. И этого нельзя не учитывать.
Попробуем провести небольшой эксперимент. Многих из классических певцов среднего класса (даже знакомых) плата за полетность и громкость звука. Вот тут-то и кроется глубочайшее заблуждение. Послушайте старых русских певцов Л. Собинова, Д. Смирнова, Ф. Шаляпина и др., и вы услышите совершенно иное звучание. Мало того, что каждый из них имеет свой характерный и узнаваемый «живой» тембр голоса, но более всего поражает та легкость звучания, с которой эти певцы исполняют произведения. Иногда даже создается впечатление, что они просто напевают.
Но это «напевание» прекрасно озвучивало такие громадные оперные залы, как Мариинский в Санкт-Петербурге и Большой в Москве.
В чем секрет? Может быть, это были какие-то супергении с уникальными голосами? Конечно, они были гениальны, но дело не только в этом, а в той особой вокальной технике, которой те пользовались. Многие современные певцы обладают ничеть не худшими природными голосами, однако неправильная техника не позволяет открыть все их достоинства.
Постановка голоса - это выработка правильных певческих навыков, т. е. развитие и тренинг голоса для профессиональной работы.
Поставленный голос отличается звучностью, красотой, богатством тем-бральной окраски, широтой диапазона; четкостью произношения слов, чистотой интонации, малой утомляемостью. Что говорят физиологи о постановке голоса? В процессе ее работа мышц становится тонко дифференцированной. Образуются, вырабатываются нужные связи, рефлексы; а ненужные - тормозятся, лишние движения и напряжение исчезают; формируются стойкие вокальные навыки, в результате которых голос начинает звучать энергично, чисто, свободно. Певец, занимающийся постановкой голоса, должен стремиться выработать острое внимание к своим мышечным ощущениям и знать, к какой группе мышц это внимание должно быть в первую очередь направлено.
Методы постановки голоса (вокальные школы) могут быть разные, но все они опираются на общие принципы и этапы в работе: развитие и совершенствование дыхания; приобретение понятий и навыков в использовании резонаторов, позиции (зевка), атаки звука; овладение техническими вокальными приемами; упражнения с артикуляционным аппаратом.
Замечательный педагог начала XX века М. Гарсиа, высказывая свое мнение о постановке голоса, говорил, что когда певец умеет заставить рабо-
тать каждый орган в свойственной ему области, не мешая работе других, то голос как бы питает все части исполнения и соединяет различные детали мелодии в один полный и непрерывный ансамбль, который и составляет широту пения. Если же наоборот, один из механизмов выполняет свои функции плохо: грудь
«толкает» или «бросает» дыхание, голосовая щель «работает» недостаточно твердо и точно, то голос прерывается и слабеет после каждого слога. Контроль координации всех сложных процессов при постановке голоса осуществляется с помощью мышечных, резонаторных ощущений и слуха. Поэтому так важно научиться быть внимательным во время занятий. Надо «слушать» себя и ухом, и всем телом (мышцами).
К. С. Станиславский на занятиях со студентами, и в частности с В. Барсовой, учил развивать внутренние ощущения, контролировать свое поведение на сцене... и развивать слуховой контроль звука. Вопросу дикции он уделял исключительное внимание.
Начальный этап обучения не терпит суеты и спешки. Воспринять, понять требования, координацию всех процессов должен весь организм, а не только сознание (интеллект), воля, хотя от этих качеств певца зависит очень многое.
В. Морозов пишет в своей работе «Вокальный слух и голос»: «Человеческий голос - “живой музыкальный инструмент” во много раз сложнее, чем скрипка или фортепиано, хрупок и капризен и подчиняется не только музыкальным, но еще и физиологическим законам. Для того чтобы “играть” на нем, нужно знать хотя бы основные его “технические свойства”.
Французский ученый Р. Юссон экспериментально доказал, что физиологической основой так называемого вокального слуха является взаимодействие самых различных систем организма (слуха, мышечного чувства, вибрационной чувствительности, зрения и др.). Вывод звучит несколько парадоксально: вокальный слух - это не только слух.
Певец сам себя не слышит, вер-
нее, слышит не так, как окружающие. Звук собственного голоса достигает наших ушей не только извне, но действует на слуховой орган и изнутри. И поэтому человек воспринимает тембр своего голоса иначе, чем окружающие. Именно этим певец отличается от других исполнителей (скрипачей, пианистов, виолончелистов), которые оценивают звучание своего инструмента с позиций постороннего слушателя. Необходимо учитывать, что одновременно со звуком своего собственного голоса нервная система певца воспринимает огромное количество сигналов (или раздражителей) от самых различных органов чувств.
Роль вокального педагога - это роль контролирующего «внешнего уха».
Можно сказать, что вокальный слух - способность интерпретировать работу органов голосообразования певца на основе слухового восприятия. Свидетельством тому являются термины, которыми мы характеризуем недостатки певческого звука или же его достоинства: тяжелый - легкий, горловой - грудной, головной - утробный, глубокий -близкий, темный - светлый, яркий, полетный - надсадный и т. п. Еще в 1905 г. биофизик П. П. Лазарев сделал открытие: на свету звуки кажутся человеку более сильными, чем в темноте. Таким образом была доказана взаимосвязь слуха и зрения. Поэтому филармонические залы во время выступлений должны быть хорошо освещены. Известно также «цветовое» восприятие музыки у Н. А. Римского-Корсакова, А. Н. Скрябина, когда зрительные впечатления придают слуховым ярко выраженный эмоциональный характер.
Вокальный слух - это способность не только слушать, но и «видеть», зрительно представлять себе работу органов голосообразования. В этой работе, конечно, помогает внимание, способность «слушать» свои ощущения и «представлять» эти процессы, т е видеть «внутренним взором». Большую помощь оказывает контроль собственного тела с помощью зеркала.
Обучение вокальному искусству -
это длительный, кропотливый процесс, в котором очень важна систематичность. Построение занятий может быть разным.
Итальянский маэстро Манчини (XVIII в.) занимался со своими учениками ежедневно утром и вечером, он учил их в течение трех лет петь упражнения и вокализы, и только на этом материале, постепенно усложняя его, достигал технического совершенства и виртуозности голосов своих учеников. Сам маэстро ежедневно знакомил подопечных с богатством музыкальной культуры, а по истечении трех лет занятий говорил: «Теперь вы можете петь все!»
В наших вокальных школах обучение проходит одновременно в двух направлениях.
Первое направление - это освоение навыков певческого голосообразо-вания и голосоведения с помощью упражнений и вокализов.
Второе направление - изучение ряда произведений с той или иной степенью раскрытия их художественного замысла (в зависимости от «продвинуто-сти» и одаренности обучающегося), а также ознакомление студента с богатством музыкальной литературы (изучение музыкальной литературы, посещение концертов, слушание записей). Первое направление - это фундамент, на котором зиждется второй этап работы.
Как без прочного фундамента не бывает добротного здания, так без хорошей вокальной школы не может быть настоящего певца, как бы ни был он одарен от природы музыкальностью и эмоциональностью.
Однако совмещение этих двух направлений в одном потоке занятий таит в себе угрозу того, что начинающий не успевает освоить вокальные навыки и представления на упражнениях, как начинается более сложная работа над произведениями, и в результате ученик теряет все приобретенное. Иногда следует задержаться только на упражнениях и вокализах, дать возможность студенту закрепить полученные навыки и только после этого переходить к очень простым
произведениям.
Бывает довольно трудно психологически работать с начинающими только над упражнениями и вокализами, так как у тех еще нет достаточного понимания, глубинного осознания необходимости и ценности этого этапа работы, они начинают скучать на упражнениях, стремясь петь сразу целые произведения. Задача педагога - заинтересовать ученика, довести до его сознания цель такой работы, ее важность и необходимость, понимание постепенного «строительства» нашего музыкального инструмента - голосового аппарата. Большое внимание должно уделяться подбору репертуара для начинающих с учетом их индивидуальных возможностей и потребностей.
В работе над голосом важна регулярность занятий и физическое состояние голосового аппарата поющего, да и всего организма в целом.
Проблема технологии постановки голоса на современном этапе развития вокальной педагогики остается актуальной. В различных аудиториях, на открытых уроках мы сталкиваемся с определенным кругом вопросов по проблемам классического вокала, которые задают не только студенты, но и молодые коллеги преподаватели. Вопросы эти касаются методики звукообразования и проблем художественной интерпретации произведений, сведений о голосовом аппарате, об опоре звука и дыхании и мн. др. Мною собран ряд наиболее интересных и значимых, на мой взгляд, вопросов, на которые далее я постаралась ответить.
Почему пению учат долго?
Не всегда долго, хотя - в большинстве случаев. На достижение и закрепление культуры вокального звучания обычно уходит много времени. Вокалист не видит «собственных клавиш» и в поисках технического развития нередко ошибается, долго вслепую исправляет ошибки. Капризна вокальная техника, но она - лишь средство. Певец должен быть грамотным музыкантом, выразительным артистом. Этому тоже долго учатся.
Легко ли овладеть основами вокальной техники?
Если голос «поставлен» от природы, то легко. Но это большая редкость. Попадаются счастливцы, у которых гортань анатомически удачно построена и организована для пения. Им не требуется особых приспособлений для перехода от речи к пению. Для большинства же такой переход сопряжен с поисками приспособлений гортани.
С какого возраста можно учить пению?
Приобщаться к пению можно в любом возрасте, желательно - в юном. Пусть ребенок «спит у рояля», когда родители музицируют. Будущему певцу еще до взрослых занятий желательно формироваться музыкально. Это ускорит будущее вокально-техническое развитие. Детские впечатления прочны и создают фундамент для предстоящей профессии. Многие выдающиеся певцы начинали петь в детском хоре, соблюдая умеренную голосовую нагрузку. Если после мутации сформируется профессиональный голос, то пение в детстве существенно скажется на становлении вокалиста.
Какой жанр удобен для начального этапа обучения вокалу?
Наиболее вокальна народная песня. Рожденная голосом, она прошла через естественный отбор голосами многих поколений. К тому же народная песня может звучать в сопровождении различных инструментов (баян, гитара, бубен, балалайка, аккордеон и др.) и без них, что удобно при самостоятельных занятиях.
Что главное в обучении пению?
Каждый педагог ответит по-своему, исходя из личного опыта. На мой взгляд, главное - это осознание собственных голосовых приспособлений и исполнительских возможностей. В техническом отношении главное для «академиста» - преодоление регистровой разрозненности путем смешения звучания. То есть выработка сплава грудного и головного звучаний, баланс которых индивидуален и изменчив тесситурно: звук выше - тембр «головней», звук ни-
же - тембр «грудней». Звучание есть взаимодействие дыхания и гортанию. Дефекты взаимодействия состоят в слишком плотном смыкании голосовых складок, их регистровом, не смешанном способе работы, вялости или напористости дыхания.
Какие вокальные устои типичны для академистов?
Несмотря на пестроту методических позиций, в литературе и в практике прослеживаются общие установки: петь «на опоре», «округло», с высокой позицией, смешанным звуком. Расшифруем эти понятия. Оперно-концертное звучание (не микрофонное) - опёртое, энергичное, упругое. Это относится и к звуку, и к дыханию, так как звук - колебание воздуха, вызываемое дыханием, пульсообразно проходящим через голосовую щель. Петь «округло» - значит петь объемно, с расширенной глоткой (на зевке), благородным звуком. Петь с высокой позицией - значит насыщать голос звонкостью, серебристостью, полетностью. Соединение головной и грудной функций устраняет разнотем-бровость регистров и расширяет диапазон академических певцов. При этом переходные звуки становятся беспроблемными.
Какими данными должен обладать певец стиля bel canto?
Он должен иметь красивый тембр, выразительный, звучный голос, музыкальный слух и музыкальную память, сценическую внешность и хорошую дикцию, быть эмоционально отзывчивым на музыку, трудолюбивым. Все качества в совершенном виде редко соединяются в одном лице.
Какой этап развития голоса основополагающий ?
Конечно, начальный! Не заложив фундамента, не жди успехов. Выражаясь афористично, учение в молодости -резьба по камню, в старости - черчение на песке. Первые вокальные шаги намечают и закрепляют нейромышечные координации: если начальные координации прочны, то при дальнейшем направлении эти связи не исчезают, а лишь до-
полняются новыми навыками. Начальные впечатления зачастую создают шоковые ассоциации, вырабатывают на уровне подсознания стойкие, условные рефлексы. Хаотичные же рефлексы вызовут голосовые неполадки даже в отдаленном будущем.
Каковы основные качества голосов?
Это тембр, диапазон и громкость. Важнейшим качеством является тембр, это существенное выразительное средство исполнителя, обеспечивающее неповторимость голоса. Тембр зависит от совокупности и соотношения обертонов в голосе и умения использовать разные резонаторы. Неповторимый тембр голоса формируется группой усиленных обертонов - формантой. Она зависит от размеров, формы, величины и расположения резонаторов (трахеи, голосовых складок, гортани и т. д.). Даже при умеренном диапазоне и малой силе голос может представлять интерес, если красив тембр. Но при плохом тембре пусть с широким диапазоном и большой громкостью) классическое пение лишено привлекательности. Высота звука зависит от частоты колебаний голосовых складок, сила - от интенсивности выдыхания и амплитуды колебаний складок, а тембр - от состава обертонов.
По каким свойствам классифицируют певческие голоса?
Тип певческого голоса определяется по тембру, диапазону, переходным звукам, способности комфортно выдерживать определенную тесситуру. Имеет значение характер голосовых складок. Тип голоса определяется и по качеству звучания регистров. У сопрано зачастую более свободно звучат высокие звуки. У басов - центр и низы, а у меццо-сопрано
- средний регистр.
Почему тип голоса иногда определяют ошибочно?
Ошибки в определении типа голоса случаются нередко, а последствия этого весьма негативны. Голос новичка не развит и не может выразиться полноценно. Русские педагоги, в частности М. И. Глинка, советовали больше времени
на занятиях уделять середине диапазона, чтобы голос вначале почувствовал опору, а затем сам устремился вверх или вниз. Кроме того, подражая кому-либо, начинающий певец «подгоняет» голос под определенный стандарт. Оценка типа голоса должна уточняться в процессе развития певца, немало встречается и «промежуточных» голосов. Например, ни бас, ни баритон, а бас-баритон. Иногда такого певца стремятся «вести» в качестве баса либо баритона, частично искажая его природу. Утрировка одного из регистров помогает имитировать более низкий или высокий тип голоса. Однако «сгущение», например, грудного тембра ведет к «затрудненности» верхов. Во всем индивидуальном своеобразии определить тип голоса очень важно, так как пение «не своим» голосом в течение многих лет разрушает его. Ведь голосовой аппарат во вред себе может приспосабливаться и имитировать звучание, которому певец хочет соответствовать.
Существуют ли секреты обучения пению?
Пой согласно природе голоса! В обучении вокалу очень много непознанного, хотя к проблемам вокальной педагогики обращались ученые еще в древние времена. В трудах древнегреческого врача и основоположника античной медицины Гиппократа (!У-У вв. до н. э.) и греческого философа Платона (IV в. до н. э.) затрагиваются вопросы вокальной техники. Гиппократ 2500 лет назад писал, что «голос рождается в голове», чем подчеркивал значение резонанса и резонаторов. Глотка - один из важнейших резонаторов, так как ее объем за счет ее перемещений языка и опусканий гортани значительно увеличивается и дает возможность звуку быть «прикрытым».
Что называют вокальным слухом?
Вокальный слух - это способность определять качество певческого звука, умение распознавать недостатки голосов. Вокалисты воспринимают певческое звучание не только слухом, но и мышцами голосового аппарата, вибрационными ощущениями, зрением, т. е. в
результате взаимодействия различных органов чувств, опыта, интеллекта слушающего. Главный инструмент вокальной педагогики - слух, связанный с субъективными певческими ощущениями, тоже отчасти субъективен, особенно у неопытных исполнителей. Он нуждается в подстраховке. Певец слышит в преломлении ощущений своего голоса. Слуховая информация перерабатывается сознанием, связана с аналитическими способностями, нуждающимися в развитии и опыте.
Какой диапазон голоса требуется от певцов?
Диапазон - это звуковой объем голоса от самого нижнего до самого верхнего звука. От исполнителей оперных партий требуется диапазон в две с половиной октавы. От камерных певцов
- в две октавы. Необученные певцы чаще используют объем септимы (типичный средний диапазон народных песен). Рамки эти, конечно, условны.
Каково ваше определение стиля бельканто?
Есть две области, в которых можно использовать этот термин. Исторически, как мы знаем, это относится к работам Россини, Доницетти, Беллини и других композиторов того времени. Кроме того, бельканто - это еще и определенная вокальная техника, фиоритуры, и т. д. Более фундаментально - стиль, особый подход к вокальной музыке в целом. Я слышала великолепные голоса, и мне приходилось работать с прекрасными певцами: например, сопрано с восхитительным, красивым голосом - не итальянка, но звучащая очень «по-итальянски». Однако эта певица совершенно не имела понятия о стиле бельканто - даже если пела «белькантовую» оперу. Только отчасти это вопрос языка, но вокальная школа также имеет огромное значение. Кроме того, певец должен иметь своеобразную, «открытую» вокализацию, которая, фактически, абсолютно типична для «средиземноморских» голосов - итальянских, испанских, и т. п.
Многие сетуют, что во время исполнения оперы не понимают слов. Од-
нако бельканто и не предназначено для усвоения текста - оно существует для прекрасного пения, когда вокальная строчка становится инструментом - как скрипка или виолончель. Что касается текста, то для бельканто идеальным был бы вариант, если все слова состояли бы исключительно из гласных звуков. Да, это абсурдно, но вам нет нужды «понимать каждое слово», поскольку для этого нужно ясно слышать согласные, а последнее зачастую разрушает мелодическую линию. Другой принципиально важный момент в пении бельканто -знать, когда дышать. Фразу «рубить» нельзя.
Бельканто - это прежде всего выразительность. Одного красивого звука недостаточно. К примеру, в любом пирожном основой является мука. Но для получения результата, помимо других ингредиентов, нужно еще много искусства. Певцы в консерватории обучаются основам. То, что они получают там, решает все. Если начало успешное, то певец «в порядке» на всю жизнь. Но если начало было неудачным, то со временем будет все труднее исправить плохие привычки.
Влияет ли масса тела на параметры звука?
Дело не в весе. У певца должна быть от природы очень правильно сформированная, широкая грудная клетка с большим объемом ребер - подобие органа. Если этого нет, то легким негде размещаться, и голос получается тонкий.
Можно ли обходиться без вокальных упражнений ?
В бытовом пении упражнениями вообще никогда не занимались, однако профессиональная подготовка в целом не обходится без вокальных упражнений. Они не только приводят голос в наилучшее рабочее состояние, но тренируют его целенаправленно, с учетом индивидуальных и ситуативных задач. Э. Карузо всю свою певческую жизнь занимался упражнениями.
Работать ли над дыханием вне пения?
Можно тренировать певческое
дыхание и не занимаясь пением. Существует ряд таких упражнений. Например, когда берете дыхание, то выдыхать следует на букву с-с-с отрывисто или протяжно. В этот момент все части голосообразующей системы тесно взаимодействуют. Изолированно же работают над дыханием по решению педагога.
Что называют атакой звука?
Под атакой звука понимают его начало, зарождение. Воинственный смысл термина не относится к пению. Условно различают три типа атаки: твердую (сначала смыкаются голосовые складки, затем давление воздуха размыкает их); мягкую (подача дыхания и смыкание складок происходят одновременно); придыхательную (сначала обильно подается через голосую щель дыхание, затем включаются в работу складки). От того, как голосовые складки начали работать, зависит дальнейшее звучание голоса. За основу в пении обычно берется мягкая атака звука; другими пользуются, когда этого требуют технические и художественные задачи. При напряженном звучании голоса наиболее полезна придыхательная атака.
Какое дыхание целесообразно в пении?
Дыхание - это один из основных факторов голосообразования, энергетический источник звука. Наиболее приемлемо смешанное дыхание, или, что одно и то же, грудобрюшное, реберно-диафрагматическое, коснто-
абдоминальное. Оно сопровождается движением диафрагмы, нижних и средних ребер, брюшной стенки. Менее применим грудной тип дыхания. Всеми отрицается дыхание ключичное. Гигиенично дышать через нос: наружный воздух очищается от пыли, увлажняется, согревается. Этим дыхательные пути предохраняются от раздражения.
Каковы основные дефекты звука у певцов?
Типичными недостатками являются форсирование, «гортанность» голоса, открытый или перекрытый звук. Пестрое звучание гласных, зауженные И, Е, безопорность звучания. Сиплый или же-
сткий тремор. Неточны попадания на звук («подъезды»). Зажатое или открытое звучание «верхов», нарушение вибрато. У певцов хора существует тенденция к обезличиванию тембра.
Каковы способы исправления вокальных дефектов?
Таких способов много: верное определение типа и характера голоса; удобный для пения репертуар; снятие лишнего мышечного напряжения; применение придыхательной атаки для смягчения тембра; использование подвижных упражнений для облегчения звука; требование опоры, зевка, высокой позиции. Поэтому лучший «способ» - не допускать дефекты. Для исправления одних и тех же дефектов могут применяться разные вокальные приемы. Одним певцам лучше помогают мышечные ощущения, другим - вибрационные.
Уместны ли выступления новичков?
Очень многие педагоги считают нецелесообразным выступления учеников на начальном этапе обучения. Однако это тонизирует певцов, активизирует самостоятельную работу, выявляет недостатки занятий и учит исполнителей реализовываться художественно, преодолевая «эстрадный стресс».
Что называют камерным пением?
Камерное пение (от латинского «комната») подразумевает исполнение вокальной музыки в жанрах романса или песни, ансамбля. Камерное пение требует от исполнителя богатой и тонкой нюансировки, при этом мощь голоса не обязательна.
Как работать с детскими голосами?
Необходимо строго отбирать посильный репертуар, ограничиваться естественным для данного возраста диапазоном и умеренной силой звучания. Петь следует без зажимов и форсирования. Можно петь систематически, но непродолжительно. Необходимо избегать бытового крика, типичного для детей.
Что делать если голос «садится»?
Нельзя допускать дефектного и слишком длительного пения, после которого голос «садится», т. е. устает, тускнеет, теряет звонкость, хрипнет. Это происходит в результате его форсирования, перенапряжения гортани, утрировки грудного тембра на высоких звуках, пения в неудобной тесситуре.
Какой дефект звучания наиболее распространен?
Это напряжение голосового аппарата, форсировка звучания. От скованности гортани ухудшается тембр и вибрато, страдают все технические показатели. Зачастую причиной напряженного пения является стремление к громкости. Звучность зависит не столько от физических усилий, сколько от рациональной работы голосового органа.
Почему форсируют голос?
Форсировка голоса - дефект, приводящий к жесткости звучания, к затрудненности верхнего регистра, к «заостренности» тембра и тремоляции голоса. Форсировка происходит из-за эмоционального «перехлеста», из-за использования трудного репертуара, из-за неумения формировать переходные звуки и тоны верхнего регистра, из-за пения «не своим голосом». Разрушителен режим даже малейшего, но продолжительного форсирования звука. Следует соразмерять силу дыхания с возможностями гортани. Напор дыхания на голосовые складки перенапрягает гортань, ухудшает звучание, делает голос жестким, не льющимся, «выжимающимся». С годами это «раскачивает» его. Парадоксально то, что чаще форсируют обладатели крупных голосов. Первоначально удивив слушателей силой звучания, они в дальнейшем стремятся подтверждать «голосистость». Это входит в привычку и уже не замечается исполнителями.
По какой причине чаще всего теряется вокальная форма?
Обычно вокальная форма теряется вследствие нерациональной работы гортани, хотя это редко осознается. Гортань невидима. Как правило, она функционирует разнорегистрово, напрягается, замыкая голосовую щель. При этом
нарушается и координация с помощью дыхания, резонаторами. Зачастую требуется усовершенствовать смешение регистров или разомкнуть голосовую щель, создав импеданс на надгортанном уровне. Понимание этого способствует восстановлению вокальной формы.
Подводя итог всему сказанному, следует отметить, что в вокальной педагогике необходимо пересмотреть ошибочные старые взгляды, дополнив тем положительным, что мы имеем сегодня, а главное - проложить новые пути. Излагая лишь ряд отдельных соображений, автор отнюдь не претендует на всестороннее освещение этих сложных вопросов. Наша задача, задача вокальных педагогов - добиваться того, чтобы было больше прекрасных певцов, достойных продолжателей великой русской национальной певческой школы.
