CC BY
79
ВЛИЯНИЕ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА НА ГРАФИЧЕСКИЙ ДИЗАЙН К.А. Мелешко, студент
Крымский инженерно-педагогический университет имени Февзи Якубова (Россия, г. Симферополь)
DOI:10.24412/2500-1000-2021-5-3-158-161
Аннотация. В данной стать поднимается тема сравнения двух течений, которое актуально в XXI веке. Более раннее искусство изобразительное и искусство графического дизайна неотъемлемо связано между собой. Изобразительное искусство послужило толчком развития для более современного нового течения, начиная с XIX века, которое было заложено художником Пито Мондриано. Графическое искусство служит для коммерческой задачи и передачи информации, в отличии от изобразительного искусства, которое существует как искусство ради искусства.
Ключевые слова: изобразительное искусство, графический дизайн, цифровое искусство, коммерческое искусство, символизм.
Историки искусства исследуют и анализируют влияние времени и культуры на художников, скульпторов и архитекторов. Такие влияния отдельных художников или художественных "школ", "течений" или "стилей" на своих современников и на тех, кто придет после них, имеют большое значение на этой арене.
Графический дизайн, будучи визуальным искусством, также имеет богатую историю влияний. Эти влияния исходят не только от предыдущих дизайнеров и культурной среды в общем, но и от изящных искусств. Стандартное различие, которое проводится между графическим искусством и изобразительным искусством, сводится к намерению. Для графического искусства (или "коммерческого искусства", как его раньше называли) это намерение в основном служит коммерции, то есть для передачи информации о предприятиях или организациях с рекламной или денежной выгодой в качестве своей цели. В отличие от этого, изобразительное искусство в глубине души является индивидуальным, личным выражением художника, которое не предназначено для продажи или продвижения какого-либо продукта или услуги третьей стороны. И поэтому изобразительное искусство рассматривается скорее как ремесло, служанка коммерции, в то время как изобразительное искусство рассматривается как возвышенное, совершенно уникальное и чистое выраже-
ние творчества, независимо от того, предлагаются ли продукты этого творчества на продажу или нет.
Вы можете быть удивлены, узнав, что идея художника, работающего как самостоятельная творческая сущность, делающая искусство исключительно и исключительно как личное выражение (по существу, "искусство ради искусства" - сама фраза, возникшая в начале 19-го века), является относительно недавним развитием в общей истории западного искусства. Концепция художника, создающего лично экспрессивные произведения с целью их экспонирования и/или продажи - это, безусловно, пост-ренессансный феномен.
Возможно, только в конце 17-го века художников начали искать в первую очередь за их индивидуальными работами, их стилем или их славой. Художники начали предлагать пейзажные, натюрмортные и жанровые картины растущему торговому классу, и такие работы стали источником доходов художников. До этого художники нанимались или заказывались своими покровителями, гильдиями или муниципалитетами для очень специфических целей, таких как украшение домов аристократии или пожертвования на церкви, знамёна или портреты, которые могли бы повысить репутацию и служить потребностям покровителя, а не художника. К художникам относились как к ремесленникам или ремесленникам с особым мастерством.
Крупные заказные работы эпохи Возрождения служили целям мецената, а не художника, скульптора или архитектора. Такие люди, как Леонардо Да Винчи (14521519) и Микеланджело Буонарроти (14751564), жаловались на причуды своих покровителей, касающиеся как комиссионных, которые они получали (или нет), так и оплаты, которую они получали (или нет!)
Художники, работавшие до 17-го века, были востребованы и имели большую известность в свое время, но ни у них не было "рынка", ни от них не требовали создания произведения искусства как чисто личного выражения их собственного индивидуального творчества. И все же - что интересно - сегодня никто не станет оспаривать классификацию произведений, созданных до этого времени, как "изобразительное искусство".
Примером произведения искусства 16-го века, которое мы сегодня рассматривали бы как бесспорное произведение искусства, является Testa di Medusa, датированная 1597 годом. Это парадный щит, заказанный Микеланджело Меризи ди Караваджо (1571-1610) покровителем кардиналом Франческо Марией Бурбон дель Монте в качестве подарка для Фердинандо I де'Медичи, великого герцога Тосканы. Эта работа представляет собой картину маслом на холсте, покрывающую круглую деревянную панель, и существует в двух вариантах: один в Уффици и один в частной коллекции. Это классический пример художника как ремесленника, работающего не для личного художественного выражения, а для практического (хотя и церемониального) использования и как экспоната, символизирующего власть семьи Великого князя. Произведения искусства, подобные этому, были заказаны для ношения и демонстрации на параде или гражданском мероприятии, а не как произведение искусства, чтобы повесить на стену. Караваджо был в высшей степени индивидуальным и своенравным персонажем, но его покровитель, очевидно, по-прежнему считал его в основном торговцем.
Сегодня мало кто станет отрицать, что креативность является ключевым компо-
нентом практики графического дизайна. Дизайнеры на самом высоком уровне были разысканы и заказаны клиентами в силу их индивидуальных стилей, клиенты, стремящиеся не к анонимному продукту процесса проектирования, а к приобретению или участию в известности конкретного дизайнера и личного стиля ради продвижения своего бизнеса. Одним из примеров является более чем 40 - летний дизайн логотипа IBM, который был специально заказан бесспорным светилом и мастером графического дизайна 20-го века Полом Рэндом (1914-1996).
Многие художники преодолели пропасть между изобразительным и изобразительным искусством. Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901) был художником, но он также выпускал плакаты, Энди Уорхол (1928-1987) был художником, который взял много мотивов из "обыденного" мира дизайна продуктов, отличительные работы художника/активиста Кита Харинга (19581990) также служили продвижению причин и считались бы как изобразительным, так и "графическим" искусством, хотя сам он говорил, что не хочет быть ни иллюстратором, ни графическим дизайнером.
Одним (и только одним из многих) из наиболее важных прямых влияний изобразительного искусства на графический дизайн является влияние голландского художника и теоретика Пита Мондриана (1872-1944), который был одновременно автором и участником многих основополагающих художественных течений первой половины 20-го века, особенно Де Стиля и его собственного подхода, который он назвал неопластицизмом. Он также связан с живописью цветового поля, абстрактным экспрессионизмом и минимализмом. В своих картинах Мондриан тщательно исследовал чистейшее выражение абстрактного (нерепрезентативного) композиционного равновесия, которое должно было быть достигнуто в двух измерениях. Мало найдется художников, чей стиль был бы более "кооптирован" массовой культурой до такой степени, что оказал бы влияние на продукт, дизайн одежды и даже архитектуру. Его эхо слышно повсюду.
Поскольку большинство графического дизайна происходит в двух измерениях, будь то тактильное или цифровое, композиционный баланс является фундаментальным элементом всего графического дизайна. Ограничивая огромный вклад Мондриана в область графического дизайна, сегодня он признан оригинальным вдохновителем того, что стало известно среди дизайнеров как "Сеточная система". Основополагающее, хотя теперь и превзойденное понятие в мире дизайна предлагало невидимую сетку, которая будет лежать в основе структуры и основы макета страницы. Это понятие продолжает оказывать большое влияние не только на печать, но и на веб-дизайн. Сетка образует каркас из столбцов и строк, но они могут быть далеко не симметричными или ограничительными. Цитируя Йозефа Мюллера-Брокмана (1914-1996), швейцарского графического дизайнера и автора Грид - систем в графическом дизайне. "Грид-система - это помощь, а не гарантия. Он допускает множество возможных применений, и каждый дизайнер может найти решение, соответствующее его личному стилю. Но нужно научиться пользоваться сеткой; это искусство требует практики". Дизайнеры, знакомые с этой концепцией, стремятся достичь в своей работе мондри-ановского баланса. Когда дизайн хорошо
ным качеством, которое воспринимается зрителем, даже если он не осознает этого.
Мастерство в сбалансированной композиции - это искусство само по себе, и под "сбалансированным" мы часто подразумеваем не просто симметричное. Творческое и мощное использование асимметрии, а также "отрицательного" или "пробела" или сбалансированного взаимодействия элементов в макете может "сделать или сломать" дизайн. Способность сочинять на этом уровне отделяет чисто информационное от убедительного. Асимметрия-это композиционное уравновешивание, создающее напряжение, энергию и динамизм. Он может направлять взгляд зрителя новыми и неожиданными способами. Элементы всех макетов (симметричные или асимметричные) формируют отношения в силу их размера, положения, пропорций, цветов и визуального "веса". Некоторые элементы могут притягиваться или цепляться друг за друга, в то время как другие, кажется, отступают или создают визуальное "напряжение" или контрапункт на странице. Композиция-это один из аспектов дизайна, который имеет большое очарование как для дизайнеров, так и для зрителей и конечных пользователей дизайна. Это ключ к удержанию и направлению внимания зрителя, и может быть мощным инструментом в правильных руках.
сбалансирован, он обладает дополнитель-
Библиографический список
1. Воронов Н.В. Суть дизайна. - М., 2002. - С. 16.
2. Воронов Н.В. Суть дизайна. - М., 2002. - С. 25.
3. Лаврентьев А.Н. История дизайна. - М.: Гардарики, 2006. - С. 7.
4. Рунге В.Ф. История дизайна, науки и техники. В 2-х кн. Кн. 1. - М.: Архитектура-С, 2006. - С. 7-15.
5. Серов С И. Стиль в графическом дизайне. 1960-1980-е гг. - М.: ВНИИТЭ, 1991.
THE INFLUENCE OF VISUAL ART ON GRAPHIC DESIGN K.A. Meleshko, Student
Crimean Engineering and Pedagogical University named after Fevzi Yakubov (Russia, Simferopol)
Abstract. This article raises the topic of comparing the two trends, which is relevant in the XXI century. The earlier art offine art and the art of graphic design are inextricably linked. Fine art served as the impetus for the development of a more modern new trend, starting in the XIX century, which was laid by the artist Pito Mondriano. Graphic art serves for a commercial purpose and the transmission of information, in contrast to visual art, which exists as art for the sake of art.
Keywords: visual arts, graphic design, digital art, commercial art, symbolism.
