CC BY
38
Социокультурные предпосылки возникновения современного искусства Social-cultural prerequisites for the emergence of modern art
Корбанова Анна Михайловна
студентка 4-го курса направления «Социология»
Владимирский Государственный Университет имени Александра Григорьевичи и Николая Григорьевича
Столетовых, РФ, г. Владимир E-mail: korbanovaa@icloud.com
Korbanova Anna Mikhailovna
4th year student of the direction "Sociology" Vladimir State University named after Alexander Grigorievich and Nikolai Grigorievich Stoletovs,
RF, Vladimir E-mail: korbanovaa@icloud.com
Аннотация.
Искусство современности противоречиво и неоднозначно. Модернизм и постмодернизм как два сменяющих друг друга направления в искусстве были предопределены конкретными социокультурными изменениями. Сдвиги в устоявшейся системе ценностей, в мировоззрении, образе и стиле жизни - это последствия исторических событий, повлиявших на состояние культуры, и искусства. Кризисные процессы, с которыми столкнулись художники, отразились в их творчестве. Возникновение таких стилей и форм, как импрессионизм, экспрессионизм, кубизм, боди-арт, перфоманс, концептуальное искусство, является выражением чувств и настроений художников, переживающих любые социальные перемены, запечатлевая их в красках.
Annotation.
The art of modernity is contradictory and ambiguous. Modernism and postmodernism as two successive trends in art were predetermined by specific socio-cultural changes. Shifts in the established system of values, in the worldview, lifestyle and lifestyle are the consequences of historical events that have affected the state of culture and art. The crisis processes faced by the artists were reflected in their work. The emergence of such styles and forms as Impressionism, Expressionism, Cubism, body art, performance, conceptual art, is an expression of the feelings and moods of artists experiencing any social changes, capturing them in colors.
Ключевые слова: современное искусство; модернизм; постмодернизм; кризис; традиция; новаторство.
Key words: contemporary art; modernism; postmodernism; crisis; tradition; innovation.
Период современного искусства, по мнению специалистов, начинается в конце XIX в. и связан с импрессионизмом. С этого момента новые стили и течения часто подвергаются критике из-за форм, сюжетов и идей, которые авторы воплощают в своих работах.
Общество - сложный и очень динамичный организм, его трансформации детерминированы различными социальными потрясениями, а следом изменения наступают в культуре. Время от времени происходит столкновение старого и нового, традиций и новаций, что непременно приводит к кризису, а затем к переходу на новый уровень. Подобные периоды присущи и искусству, которое, как и остальные сферы человеческой деятельности, не обходится без перемен. Особый интерес представляет современное искусство, разделившее привычное всем классическое искусство на «до» и «после».
Термины «модерн» и «модернизм» часто отождествляют, но они не идентичны. Модерн (с франц. «конец века») - устремление к чему-то новому, отказ от устаревших форм, противостояние консерватизму. Этот этап в культуре предопределил возникновение художественного модернизма, являющегося отражением кризиса, с которым искусство столкнулось в 70-х годах XIX века [5, с. 38]. Модернизм - направление в искусстве; с ним связаны все «измы»: конструктивизм, экспрессионизм, импрессионизм, кубизм, фовизм и т.д. Модернистская история насчитывает около ста лет - с 70-х годов XIX века до 60-70-х годов XX века.
Модернизм возник во Франции в конце XIX века. [1, с.475-476], но разрыв с традицией остро начал ощущаться уже после Французской буржуазной революции (1789), которая является одним из самых ярких событий не только для Франции, но и для всей Европы, а ее итоги сильно изменили социальную жизнь не только Франции, но и всей Европы. Истоки современного искусства находятся в том революционном периоде рубежа ХУШ-Х1Х веков. [1, с.479]. 1789 год стал для Франции кульминационным моментом, так как обострившиеся противоречия между сословиями достигли своего пика. Двигателем революционных настроений выступило третье сословие, стремившееся к разрушению сословных перегородок и установлению политического равноправия. В работах художников этого времени ярко прослеживалось стремление к «свободе, равенству, братству!», охватившее всех. Они желали показать народу несовершенства старого порядка, деспотизм монарха, отсутствие четкого законодательства; мастера делали попытку провозгласить новые идеи устройства общества [4, с. 116]. Наиболее ярко события великих перемен отразились в картинах художников Ж. Л. Давида, П. Прюдона, Ш. Тевенена, Л. Буальи [8, с.114].
Стремление к свободе отчасти реализовалось в «Декларации прав человека и гражданина» (1789). Этот документ провозглашал отмену старого режима, сословных привилегий, неотчуждаемость «естественных» прав человека, свободу взглядов и убеждений, свободу на все, что не запрещено законом. Перемены в политической и социальной сферах общества открыли для Франции возможности нового развития, в том числе - и для культуры страны и для искусства будущего.
Э. Г. Гомбрих, известный историк и теоретик искусства XX века, в своей книге «История искусства» (1950) отмечает, что столкновение традиции и новаторства было обусловлено стремлением художников перевести изобразительное искусство из статуса обычного ремесла в дисциплину. Искусство начали преподавать подобно философии. Первые неофициальные собрания художников стали появляться еще в XVI веке в Италии, но только через десятилетия начался процесс обучения студентов искусству и, соответственно, - процесс институционализации искусства. Хотя и до этого технические приемы, знания о цвете и форме существовали и передавались из поколения в поколение, но этот процесс не имел официальной фиксации. Во Франции в 1648 году была учреждена Королевская академия живописи и скульптуры, позже, в XIX веке она объединилась с академией музыки и архитектуры. Она и подобные ей академии, рассредоточенные по всему миру (Италия, Россия и др.), должны были закреплять, сохранять и транслировать знания и опыт. Преподаватели старались «внушить студентам необходимость внимательного изучения шедевров прошлого и заключенных в них секретов технического мастерства» [1, с.480]. Для привлечения большего внимания к картинам живущих и работающих художников, руководство академии приняло решение об организации художественных выставок. Это означало освобождение академий от королевского патроната в XVIII веке, а значит и большую свободу в выборе сюжетов [1, с.479-481].
Художественные академии выполняли такую важную функцию, как преемственность поколений, связывая опыт великих художников прошлого и современности; так обеспечивались стабильность и порядок, спасающие изобразительное искусство от хаоса. Традициям, за которые боролись академии, противостояли новаторы, желающие изменений, индивидуализации искусства. В этом русле возникла проблема столкновения старого и нового, вследствие чего возникли новые течения в искусстве. Консерватизм академии негативно сказывался на творчестве молодых художников, желавших выражать свою индивидуальность, а не следовать четким правилам. В России в 1863 году произошло событие, которое вошло в историю как «бунт четырнадцати», инициатором которого выступил И.Н. Крамской и событие стало примером, отражающим противоречие взглядов академии и своих студентов [1, с.499-510].
Весь XX век художники привносили что-то новое в изобразительное искусство, но кульминационным моментом стало появление работ К. Моне. Он стремился уловить момент, закрывая глаза на небрежность и легкую неаккуратность мазков. Не получив разрешения участвовать в академических выставках, художник в 1874 году организовал свою выставку, где публика увидела картину «Впечатление. Восход солнца». Один из критиков назвал художников «импрессионистами», что дословно с французского означает «впечатление». Творчество импрессионистов положило начало периоду, который позже был назван модернизмом. Импрессионисты, в отличие от выпускников академий, стремились к изображению мира, пропуская его через призму своих чувств. Для них было важно передавать общее впечатление, без прорисовывания всех деталей. Это был прорыв, который дал художникам больше свободы [1, с.520-532].
История фотоаппарата началась в 1604 году, а его последующее усовершенствование позволило в конце XIX века сделать камеру переносной за счет облегченной конструкции. Сначала фотокамеры были громоздкие, неудобные, а съемка дорогостоящей. Первый зеркальный фотоаппарат был создан в 1862 году в Англии. От художника больше не требовали достижения реалистичности, так как любой момент теперь мог быть запечатлен на фотокамеру [2, с.85]. Вот как об этом писал Э. Г. Гомбрих: «Камера помогала открывать прелесть случайной позы и неожиданного угла зрения, развитие фотографии должно было обязательно подтолкнуть художников двигаться дальше по пути исследования и экспериментов» [1, с.525].
Традиционная живопись показывала, как действительно выглядели люди, повседневные вещи, архитектура и пр. Только благодаря академиям, поддерживающим классическое мастерство, удалось сохранить историческую память о важных событиях и людях. Импрессионисты не преследовали утилитарную функцию, ее выполняли художники-«классики» и фотографы. От художников более не требовалось изображения действительности такой, какая она есть; они могли передавать окружающее через призму своей субъективности [1, с.520-532]. На этой волне стали возникать новые течения в изобразительном искусстве: примитивизм, кубизм, пуантилизм и другие.
В начале XX века возник авангард - крайнее проявление модернизма, характеризующееся активным художественным антиповедением, скандалом и эпатажем. В этот период оформился экспрессионизм (от франц. «выдавливание», «выразительность») течение, которое проявилось в разных сферах культуры, в частности в живописи. Экспрессионисты выступали и против академического рисунка, и против импрессионистского взгляда на мир; они хотели писать картины, передающие эмоции. Огрубевшая внешняя реальность, предчувствие возможной войны, активная урбанизация, индустриализация и массовизация общества сказались на художниках и на их мировоззренческом самочувствии. Картина - это всегда отражение реальности, даже если сам художник не ставит цель показать свои переживания и страхи. Духовность, которая наполняла искусство, начала исчезать, и это нашло отражение в картинах художников-экспрессионистов. Для сюжетов их картин характерны аморальность, меланхоличность, мрачность; использование темы смерти, войны, намеренное искажение архитектуры.
Экспрессионистское направление отражало кризисные процессы, протекающие в мире в преддверии Первой мировой войны, в частности в Германии, признанной родине экспрессионизма. Направление стало некой творческой реакцией, вызванной крушением старого мира и рождением нового. Художники поднимали тему войны, показывали ее последствия, приводящие к материальным разрушениям, к людским потерям, к социальным и психологическим травмам, переоценке ценностей. Мир разделился на «до» и «после». Экспрессионисты изображали деструктивные последствия активной урбанизации. Участники группы «Мост» во главе с Э. Л. Кирхнером показывали, насколько усилилась проблема самоощущения человеком себя в большом городе. Отчужденность, психологическое напряжение, ценность личности, апатия - на все это обращали
внимание художники. Как до войны, так и после, город экспрессионистами виделся достаточно негативно, но в послевоенное время ощущение катастрофы, социального расслоения, роста криминала и отчужденности усилились. Одним из ключевых произведений послевоенного периода является триптих О. Дикса «Большой город» 1928 года. Тема катастрофы для искусства XX века стала обычным делом, так как усложнение общественного устройства, социальные потрясения, антагонизмы (социальные, политические, этнические), кризисные явления во всех сферах не могли не затрагивать творчество художников [10, с.177-182].
Мнения экспертов и деятелей искусства на проблему кризиса искусства модернизма в XX веке разделились на два лагеря: одни считают, что кризис преодолен, другие, - что кризис до сих пор продолжается. Если искусство модернизма действительно совершило удачную попытку выхода из кризисного положения в 20-е годы XX века, то утрачивает смысл термин «постмодернизм», которым обозначают искусство второй половины XX века. Поэтому утверждение о полном преодолении кризиса противоречиво. Скорее, преодолев один кризис, искусство столкнулось с новыми потрясениями, что и привело к возникновению художественного постмодернизма.
Постмодернизм в искусстве (с франц. «после модернизма») оформился в 60-70-х годах XX века. Он неразрывно связан с постмодерном; это определенный тип мировоззрения, менталитет, стиль жизни, характерный для общества XX столетия. Также постмодерн учеными рассматривается как переход человечества в иное состояние, связанное с кризисом ценностей и мироощущения. Это своеобразная смена историко-культурных эпох. Постмодернизм - направление в искусстве, заключающее в себе различные стили, которые связаны стремлением к бесконечной свободе самовыражения. Модернизм и постмодернизм объединяет попытка отказаться от прошлых форм, при этом прослеживается единая логика: модернизм основывался на классическом искусстве, а постмодернизм на искусстве периода модернизма. Искусство переосмысливается, приобретая новые формы; с треском ломаются системы ценностей, на смену которым приходят совершенно иные, часто противоположные. Описать логику постмодернизма можно через такие термины, как цитатность, интерсексуальность, ироничность, смешение, хаотичность и другие. Являясь неким взрывом, постмодерн в культуре и постмодернизм в искусстве, знаменуют собой конец старого и переход к новому [3, с.208-210].
Актуален ответ на вопрос, что способствовало возникновению данного направления в искусстве в XX веке. Отталкиваясь от рассуждений А. Тойнби и его концепции «вызов-ответ», можно предположить, что и постмодернистское искусство выступило неким ответом на вызовы. Этими вызовами в XX веке были две мировые войны, быстрая урбанизация, появление и укоренение массовой культуры, новые технологии. Ж. Бодрийяр, которого причисляют к представителям постмодернизма, критиковал современное общество и новое состояние культуры в своей работе «Общество потребления» (1970). «Симулякр» - термин, введенный автором, подходит для описания содержания культуры послевоенных десятилетий. Симулякрами он назвал псевдовещь, псевдообраз, то есть копию, изображение того, чего в реальном мире нет.
Если обратиться к современным формам искусства, то можно заметить, как с появлением постмодерна и постмодернизма количество симулякров возросло. Современное искусство является отражением утраты человеком своей духовности, культурной идентичности. Это проявляется в том, каким видят мир художники настоящего; они стремятся уйти от реальности, создавая свою собственную картину мира - виртуальную. Игровое начало культуры постмодерна, отсутствие единой системы ценностей свойственны художественному постмодернизму; стирается грань между высоким искусством и китчем, профессионализм исчезает, он уже не требуется. Преобладают коллажи, перфомансы, боди-арт, концептуальное искусство, поп-арт, являющиеся проявлением игрового отношения художников к искусству. Высокие ценности сменяются пошлостью, вульгарностью, при этом вызывая у публики интерес, а не отвращение. Произведения современного искусства
нацелены не на восхищение, а на расшифровывание того, что в них содержится [7, с.62-65]. Со временем искусство становится сложнее для понимания; зрителю приходится тратить много времени, чтобы понять смысл той или иной картины, а его может и не быть.
Таким образом, можно сделать следующие выводы. Искусство, начиная с XVIII века, претерпело серьезные изменения, оно сделало попытку переосмысления всего накопленного опыта. Кроме техники, современными художниками были открыты разнообразные стили, созданы направления и течения, появилось больше свобода в выборе сюжетов, что дало мастерам возможность акцентировать внимание публики на острых социальных темах Трагичность современного искусства в том, что оно подходит к своему логическому завершению, готовя почву для чего-то нового. Ожидаемые нововведения неразрывно будут связаны с социокультурными событиями, которые оформят новое искусство и предопределят его последующее развитие.
Список используемой литературы
1. Гомбрих, Э. История искусства / Э. Гомбрих - М.: Искусство - XXI век, 2021. - 688 с. - ISBN 978-598051-216-3.
2. Карчага, Е.С. Обзор истории создания и развития фотоиндустрии / Е.С. Карчага // Молодой исследователь Дона, 2020. - № 5 (26). - С. 85-89.
3. Меньшиков, Л.А. Постмодерн в искусстве: исторический и семиотический аспекты / Л.А. Меньшиков // Вестник академии Русского балета имени А.Я. Вагановой, 2021. - № 6 (77). - С. 200-212.
4. Осенчук А.С., Донец Е.Ю., Тимошенко Е.Д. Отражение общественных настроений в произведениях французских художников в годы Великой французской революции / А.С. Осенчук, Е.Ю. Донец, Е.Д. Тимошенко // Наука, техника и образование, 2016. - № 11 (29). - С. 114-116.
5. Подвойский Д.Г., Жураковская П.Б. (Свое) временность искусства: эстетические практики эпохи модерна и их теоретические описания / Д.Г. Подвойский, П.Б. Жураковская // Вестник РУДН, 2008. - №3. - С. 38-52.
6. Подобуева Е.В. Кризис искусства: Малевич, Бердяев, Гершензон / Е.В. Подобуева // Артикульт, 2020. - № 1 (37). - С. 115-124.
7. Рукавишникова, И.С. Симулятивность культуры постмодерна / И.С. Рукавишникова // Научно-педагогический журнал Восточной Сибири Magister dixit, 2011. - № 3. - С. 61-66.
8. Сергеева, А.А. Искусство как зеркало Великой французской революции / А.А. Сергеева // European research, 2017. - № 1 (24). - С. 112-114.
9. Фостер, Х. Искусство с 1900 года / Х. Фостер - М.: Ад Маргинем Пресс, Музей современного искусства «Гараж», 2019. - 896 с. - ISBN 978-5-91103-471-9.
10. Швец Т.П. Образы и мотивы катастрофы в изобразительном искусстве немецкого экспрессионизма / Т.П. Швец // Общество. Среда. Развитие, 2001. - № 3 (20). - С. 177-182.
