CC BY
4
ОСОБЕННОСТИ ФОРТЕПИАННОЙ МУЗЫКИ ЭПОХИ КЛАССИЦИЗМА Чан Жунжун, аспирант
Московский педагогический государственный университет (Россия, г. Москва)
DOI:10.24412/2500-1000-2024-2-1-52-55
Аннотация. В статье рассматриваются характерные черты фортепианной музыки эпохи классицизма и история ее развития. Выявлены основные характеристики музыкального языка, фактуры и формы произведений, даны определения основных музыкальных жанров. Рассмотрены основные принципы и отличительные черты фортепианного исполнительства лондонской и венской фортепианных школ. Выявлено, что лондонская школа была ориентирована на развитие полного концертного звука и феноменальной техники игры, в то время как венская школа особое внимание уделяла выразительности музыки.
Ключевые слова: классицизм, фортепианная педагогика, фортепианная музыка.
Классицизм (от латинского classicus, что означает "образцовый") - это выдающееся явление в истории искусства и литературы XVIII - начала XIX века, которое оказало значительное влияние на художественную жизнь Европы и распространилось по всему миру.
Классицизм обладает своими отличительными чертами. Прежде всего, это высокий гражданский пафос и строгое соблюдение устоявшихся правил и норм. Важными принципами классицизма являются единство места, времени и действия, что было заимствовано у античных драматургов.
Классицизм возник как протест против барокко, его излишней пышности, иллюзионистического отношения к миру и перегруженной символики. Он выдвигает вперед долг личности перед государством, высокие нравственные нормы и принципы. Важными аспектами классицизма являются долг, разум и нормы. Классицизм считает человека своей эпохи «человеком долга и абсолютизма».
Особенности классицизма включают культ разума, логику и стройность. В этом художественном течении снова обращаются к античности, так как ее эстетика представляет гармонию и логику.
Музыкальная культура классицизма активно развивалась, возникли новые жанры и великие композиторы. Вена стала музыкальной столицей Европы, породив трех
великанов музыки - Гайдна, Моцарта и Бетховена. Венские композиторы отличались высоким профессионализмом и умением сочетать простоту и совершенство формы.
В эпоху классицизма возникло множество новых музыкальных жанров. Особое место среди инструментальных жанров занимают соната, концерт и симфония, которые в свою очередь способствовали формированию новой музыкальной формы - сонатно-симфонической. Эта форма характеризуется многочастностью и циклич-ностью.Подробнее рассмотрим каждый из этих жанров.
Соната - это музыкальный жанр, включающий как сольные, так и ансамблевые произведения. Она состоит из нескольких частей, обычно трех (или четырех, если добавлены менуэт или скерцо). Первая и последняя части сонаты обычно быстрые, а средняя - медленная. В классицизме сонаты исполняются не более чем двумя музыкантами, и это правило действует и по сей день.
Концерт - это жанр инструментальной или вокально-инструментальной музыки, в котором участвуют несколько исполнителей. Особенностью этого жанра является взаимодействие солиста или небольшой группы исполнителей с остальным ансамблем через яркую музыкальную тему, разнообразие звуков и другие выразительные средства.
Симфония - это жанр инструментальной музыки, исполняемой оркестром. Симфония представляет собой многочастное произведение, отражающее глубинные принципы и мировоззрение автора. Классическая симфония состоит из четырех частей, отличающихся по характеру и образующих сонатно-симфонический цикл. Этот вариант симфонии был утвержден благодаря творчеству И. Гайдна и В.А. Моцарта.
В этот период также сформировались камерные ансамбли, такие как трио и струнный квартет. Все эти достижения венской школы и по сей день остаются актуальными.
Музыкальный язык. Язык музыки композиторов эпохи классицизма отличается своей простотой, понятностью и выразительностью. Ритм музыкальных произведений характеризуется свободой, естественностью, разнообразием и характером. Одним из ключевых новшеств в музыке стало использование восьмитактного периода, состоящего из двух четырех тактовых предложений, каждое из которых далее делится на двутакты (квадраты).
Важным новаторским шагом стало разбиение музыкального выражения на относительно короткие построения, представленные в виде «экспрессивных ячеек» или «зерен» с ясным и выразительным образным смыслом. В одной музыкальной теме часто встречаются ячейки с контрастным образным смыслом, вступая в диалог и становясь персонажами музыкального действия.
Музыкальная тема стала носителем художественного образа, обладая богатыми возможностями для образного развития. Это особенно ярко проявилось в творчестве венских классиков. Стремясь к становлению венской классической школы, характерность, индивидуальность и выразительность исходного мелодического построения, и темы приобрели огромное значение. Её «образ» с первых тактов определял «лицо» произведения. Тема в сочинениях композиторов венской классической школы чаще всего представлена в форме закругленного периода. Несмотря на лаконичность такой структуры, тема часто ока-
зывалась внутренне сложной, состоящей из ряда индивидуальных, контрастных ячеек с образным смыслом. Именно поэтому классическая музыкальная тема могла активно развиваться, претерпевая различные преобразования, не теряя при этом ключевых черт, которые позволяли слушателю «узнать» ее даже в измененной форме. Композиторы венской классической школы достигли мастерства в развитии тематического материала, используя различные приемы, такие как изменение тональности, гармонические, ритмические и фактурные преобразования элементов мелодии и другие. Особенно характерно было разделение темы на отдельные мотивы, которые также подвергались различным преобразованиям и комбинированию друг с другом. Таким образом, «зерно» развития иногда оказывалось не всей темой, а только одним мотивом. Благодаря логическому и целенаправленному развитию (особенно в сочинениях Бетховена), у слушателя часто возникало ощущение, что все «заложенное» в данной тематической основе развивается «само» как живой организм. У Гайдна и Бетховена часто целые части сочинений строились на базе нескольких мотивов, что обеспечивало единство и цельность произведений. Моцарт, благодаря своей изобретательной мелодике, обычно был более «расточителен». Однако и он признавал метод «мотивного» развития, осваивая его из произведений Гайдна, пионера в этой области.
Представители классической школы пришли к новому пониманию мелодии, ее функций и возможностей. Они стремились сочинять ясные, выразительные мелодии с четким и лаконичным рисунком. Их образцом служили интонации человеческой речи, которые считались самым точным и непосредственным выражением чувств.
Фактура. В фактурных средствах также преобладала выразительность образного значения тематического материала и его развития. В эпизодах, где одолевала мелодия, доминировала гомофонно-гармоническая фактура. Музыкальные построения, состоящие из контрастных образных ячеек, отличались огромным разнообразием музыкальной текстуры.
Форма. Основой ритмической структуры была квадратная форма (или подобная ей).
Фортепиано приобрело первостепенное значение среди сольных инструментов, постепенно вытесняя клавикорд и клавесин (чембало). Вместе с этим изменялась и интерпретация фортепиано: прозрачное и камерное звучание, характерные для сочинений Моцарта и Гайдна, уступило место «оркестральности» звучания произведений Бетховена.
Особенности фортепианной педагогики. Благодаря огромному разнообразию возможностей фортепиано, этот инструмент стал очень популярным и модным на протяжении всего столетия. Исполнение на фортепиано требовало особых навыков и техник, таких как точный и сильный удар пальцами-молоточками, владение высокими скоростями игры, смелость и безупречную чистоту игры в самых сложных местах. Пианисты, чтобы достичь такого уровня игры, должны были обладать почти спортивными качествами, такими как сильные и эластичные мышцы, скорость, ловкость, выносливость и абсолютную уверенность в своих силах. Чтобы развить эти навыки, много времени уделялось работе с этюдами и упражнениями.
Один из вариантов подхода к обучению был механистический, который был характеризован игрой изолированными пальцами, акцентом на силу, точность, скорость и ловкость за счет красоты и выразительности игры. Основной прием игры в этом стиле - удар молоточком с закругленными пальцами. Также важными аспектами этого подхода являлись многочасовые тренировки без внимания и чувствительности. Однако, в рамках механистического подхода постепенно возникали и прогрессивные идеи в педагогике, которые способствовали развитию фортепианного искусства.
В Европе появились много школ фортепиано, но две ведущие школы - лондонская и венская - определили пути развития педагогики и исполнительства.
Лондонская школа была ориентирована на развитие полного концертного звука и феноменальной техники игры, и ее методы
преподавания были связаны с механикой английского фортепиано. В основе обучения лежали упражнения и этюды, с акцентом на мелкую технику игры и развитие независимости и четкости пальцев. Также использование запястья, веса и давления руки было исключено, а тренировки проводились длительные время, порой до 6-8 часов в день. Хотя лондонская школа принесла важные вклады в мировое фортепианное искусство, она также способствовала распространению негативных явлений в преподавании, где игра превратилась в механический процесс.
Венская школа, хотя и подвергалась влиянию механистической педагогики, была более прогрессивной благодаря особенностям механики фортепиано в Вене. Это был инструмент с мягкой клавиатурой, который не требовал сильного удара. Венские пианисты могли добиться нежного «флейтового» звука только через напряжение пальцев, а не через силу.
Великий композитор Л. Бетховен показал переход от механического подхода, требовав использования всего корпуса при игре «крупной» техники, включая вес и цельные движения рук, и стремясь к художественному и содержательному исполнению, избегая бессмысленных пассажей.
Педагог венской школы И. Гуммель противопоставлял духовность игры механической безупречности и подчеркивал значимость тонких ощущений в кончиках пальцев и умения осуществлять различные виды нажимов.
К. Черни, ученик Л. Бетховена, считал гаммы, арпеджио и этюды на варианты позиций основой развития техники, но также предлагал разнообразные художественные задачи. Черни требовал от пианистов использования всего спектра выразительных возможностей инструмента и разработал систематический подход к выразительности в классической музыке, включая использование изменений динамики, акцентов и контрастов. Он поддерживал использование веса руки, но только в кантилене. Однако его подход также не вышел за рамки механистической педагогики, и он не одобрял педализацию, что ограничивало прогресс в исполнении.
Заключение.
Эпоха классицизма оказала глубокое влияние на музыку, вызвав настоящую революцию в ее развитии. Начавшись с реформирования музыкального театра благодаря таланту Жана-Батиста Люлли и Кристофа Виллибальда Глюка, классицизм развивался в соответствии с такими принципами, как естественность, разумность, истина, логика, сбалансированность и рационализм.
Наивысшего расцвета музыка этой эпохи достигла во второй половине XVIII века с появлением венского классицизма в творчестве Иозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена. Именно в их произведениях полностью и впечатляюще проявились основные принципы классицизма.
Кроме того, эпоха классицизма способствовала появлению новых музыкальных жанров. Это было время триумфа концертов, сонат и, конечно же, симфоний. Стандартная сонатно-симфоническая форма стала неотъемлемой частью всего мирового музыкального искусства.
Фортепианная педагогика эпохи классицизма, из которой вышел блестящий стиль исполнительства, сфокусировала внимание педагогов-пианистов на развитии виртуоза, вместо воспитания музыканта-интерпретатора. Уклон в сторону технических аспектов привел к потере гармонии в развитии музыкантов. В то же время, искались способы преодоления узости одностороннего виртуозного обучения пианиста. Значительный вклад в развитие фортепианной педагогики внесли
С. Тальберг и И. Мошелес. Библиографический список
1. Друскин М.С. История зарубежной музыки. - М.: Музыка, 1976. - 520 с.
2. Исакофф С. Громкая история пианино. От Моцарта до современного джаза со всеми остановками. - М.: АСТ: COPRUS, 2014. - 480 с.
3. Кирнарская Д.К. Классицизм. - М.: РОСМЭН-ПРЕСС, 2004. - 110 с.
4. Назайкинский Е.В. Стиль и жанр в музыке. - М.: ВЛАДОС, 2002. - 248 с.
5. Одер А. Музыкальные формы. - М.: Астрель: АСТ, 2004. - 192 с.
PECULIARITIES OF PIANO MUSIC OF THE CLASSICIST ERA
Chang Rongrong, Postgraduate Student Moscow Pedagogical State University (Russia, Moscow)
Abstract. The article deals with the characteristic features of piano music of the classicism era and the history of its development. The main characteristics of musical language, texture and form of works are revealed, the main musical genres are defined. The basic principles and distinctive features of piano performance of the London and Viennese piano schools are considered. It is revealed that the London school was focused on the development of full concert sound and phenomenal playing technique, while the Viennese school paid special attention to the expressiveness of music.
Keywords: classicism, piano pedagogy, piano music.
