CC BY
100
УДК 008.001.75.01 АБДУЛЛИН А.Р.
СОВРЕМЕННАЯ БАШКИРСКАЯ ЖИВОПИСЬ КАК КЭШ СВОЕЙ КУЛЬТУРЫ (ВПЕЧАТЛЕНИЯ И РАЗМЫШЛЕНИЯ О ВЫСТАВКЕ ART-UFA
2015) Часть I.
Абдуллин Айдар Риватович, доктор философских наук, профессор;
ООО «Аррион-бизнес групп» (ООО «ABG»),
Аннотация. В первой части рассмотрены картины 10 художников из числа представленных на выставке ART-UFA 2015. Выделено творчество А. Заярнюка и работа «Летняя кухня» Д. Ишемгулова. По аналогии с цветовой моделью RGB, предложена модель интерпретации стиля и структуры художественного произведения. Модель состоит из трех компонентов: 1) выраженность; 2) реалистичность; 3) впечатлительность. Каждый из компонентов оценивается по шкале от 0 до 100 %. За уровень отсчета предложено взять произведения Ван Гога, в частности его картину «Жатва» (1888).
Ключевые слова: изобразительное искусство, живопись, интерпретация картин художников, модель анализа художественного произведения.
12 июня в выставочном павильоне ВДНХ-ЭКСПО открылась республиканская выставка изобразительного искусства Арт-Уфа 2015. Ее посещение произвело сильнейшее впечатление на пишущего эти строки. Ошеломленный, непроизвольно он оказался вынужденным взять в руки блокнот и карандаш и на следующий день посетить ее еще раз.
Автор этой статьи не искусствовед, а профессиональный философ и возможно этот факт отражен в названии статьи, представляющей собой точную формулировку основной мысли этой работы, выходящей за рамки искусствоведения. Но что значит «профессиональный»? Писатели и художники тоже по своему, как они иногда говорят «философы». Среди студентов-музыкантов бытует мнение что у них в отличии от других гуманитариев, благодаря занятиям музыкой, формируется математический склад ума... Слушая музыку Бетховена они наверно считают что тем самым становятся «мудрее» философов, ибо как сказал он сам: в музыке больше мудрости чем в любой философии.
Школьник 8-миклассник, занял 11-е место на городской олимпиаде по физике. Вручая диплом, председатель комиссии отметил, что его решение было скорее математическим, нежели физическим. Поэтому, наверное, можно полагать, что в результате специализированных и целенаправленных, ежедневных и упорных многочасовых занятий у него сформировался математический склад ума. А вот относительно музыкантов есть все же
168
сильные сомнения. Современный профессиональный философ как минимум (!) должен основательно знать главные произведения И. Канта и М. Хайдеггера. Без них невозможно понять фундаментальные проблемы онтологии и теории познания, о которых спорят сегодня философы. Вершиной же философского познания и ее пределом являются чудом сохранившиеся в тибетском переводе тексты Нагарджуны - XIV патриарха (в традиции дзэн) и великого буддийского философа, достигшего высшей ступени Просветления [2]. В принципе любой образованный человек сможет понять то, о чем он пишет. Но это понимание составит лишь вершину айсберга, 90 % которого останется под водой. Чтобы только соприкоснутся с сокрытым, человеку, получившему образование в соответствии с западной традицией, к которой относимся и мы, как раз и надо освоить труды Канта и Хайдеггера. Способны ли на это доморощенные «философы»? Способны ли они понять тщетность и бессилие всей интеллектуальной мощи этих двух поистине гениальных мыслителей - достигших лишь уровня стоп сидящего в лотосе индийского мудреца и погруженного в медитативную улыбку? (первые древнеиндийские философские тексты называются «упанишадами», что в переводе с санскрита означает «сидящий у ног (учителя)»; у сидящего в позе лотоса ступни расположены над землей, в результате чего у него возникает ощущение парения, левитации).
Подозревая, что слово «кэш» может вызвать определенное недоразумение, поясним в каком смысле оно употреблено. Исходно КЭШ (англ. cache, от фр. cacher- «прятать») означает «тайный запас» или что-то «припрятанное»; на языке финансов «выйти в кэш» означает «вывести, обналичить деньги», а в вычислительной технике - сверхоперативную память; это память, предназначенная для ускорения обращения к данным. Например, если вы посетили какой-либо сайт, то на жёстком диске вашего ПК уже будут храниться его фрагменты. Таким образом, кэш это что -то очень важное, хранящееся в защищенном, но быстро доступном месте. У этого есть как плюсы, так и минусы. Так, если дизайн WEB-страницы только что изменился, то ваш ПК будет очень быстро извлекать его из кэша, но только при этом не обновленную, а прежнюю версию. Однако всегда ли новое лучше старого?
Также как следует из названия, статья содержит две части: впечатления и размышления. Какая из них важнее сказать трудно. Несомненно, название отражает вторую часть. Но она является всего лишь отражением или как говорят философы рефлексией над первой; отражение же может быть и кривым, а впечатление ... ложным. Чтобы этого не произошло впечатления как раз и должны сопровождаться философской рефлексией, но чтобы оно само по себе не исказило сути, размышление должно основываться на факте, т.е. почерпнутым из реально пережитого (впечатления).
I. Впечатления
Войдя в здание павильона и растерявшись, я решил первым делом созвониться с Дамиром Ишемгуловым (1943 г.р.), художником, пригласившим меня на эту выставку. Дело в том, что и без того большая площадь предоставленная для выставки оказалась переполненной возбужденными людьми пришедшими в этот выходной день (был День России) на открытие. Встретившись, мы сразу же перешли к секции, где расположилась его картины. Она оказались в правой части павильона, вблизи сцены, и потоки живой красивой музыки (в сопровождении ансамбля играл саксофон) сразу перекрыли суматошный шум исходящий от толпы. Передо мной висела ставшая наверно уже знаменитой его «Летняя кухня» (2015); холст, масло.
Ишемгулов Д.Н. Летняя кухня. (2015); холст, масло.
Это уже далеко не первое его авторское воспроизведение, главное из которых экспонируется в художественном музее им. М.В. Нестерова. Когда-то я опубликовал статью «Свет в обезбоженном мире (эстетическая концепция творчества Дамира Ишемгулова)» [1], построенную вокруг указанной картины. Эта удивительная работа, несмотря на то, что она выполнена в экспрессионистском стиле, вносит умиротворение и тихую радость. Летная кухня - это самая что ни есть обыкновенная, белая деревенская печь, стоящая под навесом во дворе дома. Художник сделал, казалось бы, невозможное - экспрессию белого цвета и это цвет стал ярким, красочным Светом для сложного мира в котором мы все живем. Здесь я ограничусь сказанным, ибо ранее оно уже было мною изложено.
Затем мой взгляд привлек белый парусник, шхуна плывущая на фоне ... небоскребов. Это оказалась «Бегущая по волнам» Яна Крыжеского (1948 г.р.). Познакомившись с ее автором, я поинтересовался: то, что
изображено реально? до сих пор еще можно такое встретить? Ответ был положительным - это китайская шхуна в нью-йоркских водах. Рядом, справа расположился грандиозный «Мост Рузвельта. Ночной Нью-Йорк». На переднем плане, по черной поверхности воды отражающей свет огней моста скользит какое-то судно. В центре расположен мост. Окруженный со всех сторон красочной иллюминацией, с расположенными позади небоскрёбами Манхеттена (об этом сказал художник), он своим статусом стал чем-то напоминать Эйфелеву башню. Можно довольно часто встретить такого рода фотографии и фотообои; у одних моих знакомых целая стена квартиры превращена в интригующее панно с видом такого ночного города. Картину же с видом ночного Нью-Йорка, выполненную живописцем, я видел впервые. Как выяснилось, ее автор прожил в этом городе с 1991 по 2014 гг. А рядом, справа от американского пейзажа, среди частных, заснеженных домов, изображена по-сельски извилистая, зимняя колея, указывающая, что под ее снегом находится дорога, уходящая куда-то вверх; это «Старая Уфа»; совсем небольшая картина, написанная уже после пребывания в «молодом» Нью-Йорке. Нахлынувшие на меня ассоциации с фотографиями вида ночного Нью-Йорка столкнулись с ... живописным снегом. Я не выдержал и подозвав художника к его работе воскликнул: никогда, слышите, никогда фотография не сможет превзойти живопись!
Умение написать снег, как мне кажется, это одно из высших проявлений мастерства художника. Разве может холодный белый снег быть живописным, оставаясь при этом все тем же белым снегом? Да! ! - ответит нам живопись, и только она одна может позволить себе это.
Практически прямо по центру (в левой части) пройдя до самого конца зала, я встретился с тем, о чем может быть мечтал (в тайне души) долгие годы. Эта мечта четко оформилась во время знакомства, а в какой-то степени может даже и изучения истории живописи. Приведу цитату из книги, написанной эстонским искусствоведом Тийу Вийранд, важную как в историческом, так и теоретическом отношении: «В 1901 г. в Париже состоялась первая посмертная выставка Ван Гога. Неукротимо яркие краски Ван Гога дали решающий толчок образованию нового течения во французском искусстве. Группа молодых живописцев во главе с Анри Матиссом стала употреблять чистые, звучные цвета, сильные и размашистые мазки, порывисто брошенные на холст пятна краски, смелые для своего времени искажения форм. Такой способ письма и трактовка цвета были для публики столь чужды и непривычны, что художников этой группировки стали называть "фовистами" (от французского слова "fauve", что значит "хищник"). Отсюда и название течения "фовизм". Однако фовисты вовсе не ставили перед собой цель точно изображать природу. Они хотели сделать видимым для глаза и такие вещи, которых не самом деле увидеть нельзя, например, те чувства и настроения, которые возникают у художника при созерцании природы. Главным средством выражения они избрали цвет» [3, с.158].
Приведенный текст можно интерпретировать так. Предтечей всего современного изобразительного искусства был до безумия страстно влюбленный в красоту жизни Ван Гог (которого лично я почитаю как одного из самых великих художников и просто боготворю). Квинтэссенцию его творчества - солнечность и жизнерадостность, первыми как раз и выразили французские фовисты, немецкие же экспрессионисты были после, сохранив и усилив вангоговскую экспрессивность, тем не менее, в отличие от фовистов, они совершенно утратили его суть - то, что хотел и смог выразить гениальный «fou roux» (фр. - рыжеволосый сумасшедший дурак; так называли его некоторые современники).
Таким образом, живопись - это в первую очередь цвет, чистый, звучный, реализованный в виде сильных и размашистых мазков, порывисто брошенных на холст. И хотя это далеко не одно и то же, но все же, по своей глубинной сути это и та живопись, которая была создана великими . китайскими и японскими мастерами Дзэн (обратите внимание, здесь не употреблено слово «художники»), по меньшей мере, за тысячу лет до французских художников.
Александр Заярнюк (1978 г.р.), г. Бирск. Это имя мне ничего не говорило. В его секции представлено семь работ; живописные пейзажи старинных городков и причалов Италии, Сицилии, Боснии и Герцеговины. Все семь картин как на подбор. Искусствоведу, отбиравшему эти работы на выставку, что, как известно, является очень большой проблемой для каждого художника, можно смело поставить пять с плюсом.
Заярнюк А.Н. Старый Пераст. (2012); холст, масло.
Заярнюк А.Н. Древний город Мостар. Босния и Герцеговина. (2013); холст, масло
Как следует из резюме художника, девизом его творчества является именно та Радость, о которой писал в свое время великий А. Матисс. Надо отдать должное, с этой задачей он справился великолепно. Восторг, который испытываешь от его картин, производит ошеломляющий эффект. Конечно, такого рода картины, которые излучат чистую радость, встречаются и у других художников. Но то единичные, разовые случаи. Здесь же, этим качеством обладали все! Что особенного в таких работах, за счет чего достигается такой потрясающий эффект?
На память приходят слова, высказанные в однажды, кажется Джалилем Сулеймановым(1968 г.р.) о том, что для восточных народов характерна колоритная цветовая гамма, сочетание ярких красок. Примером может служить традиционная расцветка тканей женских платьев народов средней Азии. Но может даже не столько для восточных, сколько для южных? Однако в этих рассуждениях важно не то, в каком регионе это бывает, а то, что это присуще простому народу в целом, а не только отдельным представителям -экспрессионистам. Поэтому в экспрессивной живописи для нас не должно быть чего-то неожиданного, сверхординарного. Сам Д. Сулейманов представил на эту выставку великолепную работу «Осень на Уфимке» (2009); холст, масло.
Сулейманов Д.А. Осень на Уфимке. (2009); холст, масло.
Два ряда осенних деревьев образовали своего рода арку, туннель, ведущий к расположенным на заднем плане реке и небу. «Осенние» означает ярко красно-желто-оранжевые. «Арка» выполнена в виде дроби крупных мазков краски, передающих осеннюю палитру. Вершины деревьев как бы склонились и создается впечатление, что они приглашают зрителя войти под их свод. Секции, представленные для каждого художника, имеют П-образную форму, т.е. две боковинки и главную центральную часть. «Осень на Уфимке» расположена с левого бока и, тем не менее, она не дает разглядеть центральную часть секции. Как не пытаешься, но взгляд постоянно тянет «на лево», в арку. Мощь и напор цветовой гаммы этой картины перетягивают; ее игра красок на порядок превышает эту же характеристику у скромных соседей, оставляя их в тени свода цветущих осенним цветом деревьев.
У А. Заярнюка эффект совершенно другой. У него нет такого обилия дробного мазка.
Заярнюк А.Н. Южная Балаклава. (2009); холст, масло.
В этом плане он ближе прикладному декоративному искусству, которое также хорошо представлено на этой выставке. В этом отношении хочется отметить работы Жанны Грибовой, художника прикладника, работающей в ряде текстильных техник. Например такие работы, с явно условным названием как «Утренний завтрак» (2010); квилт (стеганное полотно) выполненная на белом фоне или «Деним» (2008); лоскутная пластика, аппликация, коллаж (слово «деним» означает грубая, жесткая, плотная ткань, из которой впервые были сшиты джинсы) выполненная на серо-голубом фоне создают радостною атмосферу веселых и озорных детей в кругу дружной семьи.
Грибова Ж.Ф. Утренний завтрак. (2010); квилт.
Грибова Ж.Ф. Деним. (2008); лоскутная пластика, аппликация, коллаж.
И хотя Ж. Грибова использует в основном лоскутки небольшого размера, глядя на такие работы, невольно вспоминаешь истоки декоративного творчества, уходящего своими корнями к наши деревенским коврикам, которым украшали стены или застилали нары (сэке). Например, только три цвета - красный, черный и синий могли составить основу нехитрой, но строго геометрической композиции. Простота композиции была уравновешена небольшим количеством массивных, чистых и ярких цветов; иногда бывает даже очень сложно воспринимать их, ибо они кажутся чересчур «дикими». Но настоящие экспрессионисты наверно только радуются, видя в них своих единомышленников и являются частыми и желанными гостями у Жанны.
Но творчество А. Заярнюка, как уже не трудно догадаться, да и об этом было сказано, нельзя отнести к чистому экспрессионизму. Глядя на любую картину можно выделить три компонента, которые представлены самостоятельными течениями живописи: 1) выраженность (экспрессионизм); 2) реалистичность (реализм); 3) впечатлительность (импрессионизм). Такое
их разграничение конечно искусственно, но этого требует научный подход, иначе объяснение будет невозможным. Рассмотрим, какой смысл заключен в перечисленных компонентах.
Итак, «выраженность» конечно означает, что произведение что-то выражает; так обычно пишут в учебниках; но такое пояснение банально; выраженность в живописи это всегда Крик. Дело в том, что в отличие от других видов искусства, например поэзии, музыки, театра, живопись не длится во времени. И поэтому в условиях полного его отсутствия, единственное, что может сделать художник, если ему есть что сказать и он хочет быть услышан - это совершить «крик». «Реалистичность» указывает на то, что любое творение должно иметь свой предмет, что-то изображать. «Впечатлительность» означает, что после встречи с ним должно что-то остаться (!), т.е. определенное впечатление, настроение. В любом произведении обязательно, всегда одновременно присутствуют все три компонента; в познавательном же аспекте, это тот фундамент, без которого невозможно уловить и передать специфику и нюансы произведения искусства.
Приведу аналогию. Как программисты задают цвет? Для этого они используют цветовую модель RGB (аббревиатура английских слов Red, Green, Blue - красный, зелёный, синий). Указывается количество каждого цвета (от 0 до 255) и их различным сочетанием компьютером воспроизводится любой цвет. Так, например, чисто красный цвет имеет значение (255, 0, 0), абсолютно черный (0, 0, 0), и белый соответственно (255, 255, 255).
Примерно такая же модель предлагается и здесь, со шкалой от 0 до 100 %. Например, (100, 0, 0) означает: выраженность - 100%; реалистичность -0%; впечатлительность - 0%. Что это за произведение «искусства»? Это абсолютно «Черный квадрат» и он не может быть произведением искусства; «Черный супрематический квадрат» К. Малевича до такого квадрата немного не «дотягивает», т.к. не является, строго говоря, абсолютным, ибо содержит красно-сине-желтые волокнообразные лини. В произведении искусства ни один компонент не может быть нулевым. Сочетание (0, 100, 0) означает, что перед нами опять таки не произведение искусства, а ... фотография. В фотографии выраженность и впечатлительность создаются не фотографом, а самим предметом или фотоаппаратом. Однако этот второй компонент -реалистичность нельзя трактовать узко «материалистически». Художник имеет полное право полностью трансформировать реальность, и тогда мы уже будем иметь дело с сюрреализмом; также он может сконструировать не существующий предмет, и тогда возникнут абстракционизм или конструктивизм. Чистое впечатление (0, 0, 100) может остаться, например, после увиденного во сне образа.
По всей видимости, каждый художник, где-то и на подсознательном уровне, определяет для себя значимость каждого из этих трех компонентов и
затем, если он неуклонно следует этому решению, то возникает его индивидуальный стиль. Поясню свою мысль более подробно и наглядно.
Чтобы достичь поставленной цели, нам нужен некий эталон. Для этого предлагается принять в качестве такой отправной, базовой точки творчество Ван Гога, например его работу «Жатва» (1888); холст, масло (которую он считал одной из самых удачных) [4, с. 69] и оценить ее как (80, 80, 100).
Винсент Ван Гог. Жатва. Июнь 1888. Холст, масло
Тогда работы А. Заярнюка будут иметь (85, 70, 90). Говоря об эталоне и сравнивая с ним картины А. Заярнюка, в мое сознание постоянно вторгается отмеченная ранее работа Д. Ишемгулова «Летняя кухня» (80,75, 95). По стилю, это совершенно разные художники. Но Д. Ишемгулов как кажется, совершил настоящее чудо. Известно что белый цвет не может быть экспрессивным; поэтому вы не найдете этого цвета на полотнах экспрессионистов. А что видим мы? - порядка 50% этой картины занимает именно этот цвет! Но за счет чего тогда достигнут такой потрясающий эффект - динамизм цвета? Обычно, в реалистичных работах игра красок как бы переливается, здесь же веерообразное расположение ярких цветовых полос создает своего рода ощущение их вращения на подобии карусели. Искусствоведам наверно еще долго придется ломать голову над этим. Либо художник сделал революцию в экспрессионизме, либо что-то совершенно новое. Нам же остается только радоваться глядя на разгул и вакханалию, в которую в каком-то безудержном, неистовом танце пустились желтые, красные, синие краски.
Глядя на дощатую крышу навеса над печью «Летней кухни», почему-то невольно всплывает старый штакетник из только что упомянутой картины
Ван Гога «Жатва». Выполненный в серых тонах, он (штакетник) очаровывает игрой перламутровых красок, покрывших каждую штакетину этого «безобразного» забора.
Ван Гог не экспрессионист, хотя экспрессия его работ тоже колоссальна. Да, у него есть тяжелые и мрачные работы, но таковы были некоторые эпизоды его жизни и мы все знаем об этой трагедии. Гнетущий же настрой работ является характерной чертой именно экспрессионизма, что, как известно из истории искусства, оправдывается объективными обстоятельствами (первая мировая война). Поэтому трудно согласится с тем, что в этих «черных» работах творчество Ван Гог достигло пика (у меня была острая дискуссия на эту тему с преподавателем истории искусств ДХШ). Его искусство - это яркое солнце, золотистые стога сена и подсолнухи. И даже если сам предмет требовал черных тонов, Ван Гог сохранял верность себе.
«Просто стоят крестьянские башмаки, и, кроме них, нет ничего. И все же. Из темного истоптанного нутра этих башмаков неподвижно глядит на нас упорный труд тяжело ступающих во время работы в поле ног. Тяжелая и грубая прочность башмаков собрала в себе...» [5, с. 66]. Этими словами начинается знаменитая интерпретация работы Ван Гога «Башмаки» предложенная крупнейшим философом ХХ века Мартином Хайдеггером, в его изумительном сочинении ставшем классикой «Исток художественного творения» (1936). (Я до сих пор не могу выбросить свою тетрадку, с когда-то, давным-давно аккуратно выписанными незнакомыми немецкими словами вместе с их переводом, потому что на ее обложке написано «Der Ursprung des Kunstwerkes»).
А теперь обратимся к другому, но тоже прекрасному живописцу Ралифу Ахметшину (1963 г.р.), в частности к его работам «Дорога к храму» (2013); холст, масло и «Последний снег» (2012); холст, масло.
' f~ . ' 1
Ш ' ТГ^Ж .г *» <
Ахметшин Р.Ф. Дорога к храму. (2013); холст, масло.
На первой из них изображена заснеженная проселочная дорога, по краям которой вереницей растянулись неприметные домики и где-то вдали виднеются синие купола церкви. Детально прописаны голые березы, а чуть вдали стоят еще не успевшие сбросить до конца осеннюю листву деревья. Основную часть картины занимает снежный покров. Хотя конечно его нельзя назвать ковром, но все же любоваться им можно бесконечно.
Ахметшин Р.Ф. Последний снег. (2012); холст, масло.
Вторая работа более экспрессивна. Посреди сельского двора от растаявшего снега появилась огромная лужа, по краям которой видны остатки снега. В конце двора стоит лошадь, запряженная в телегу, а за ней в огороде два стога сена, один из которых отражается в бездонной синеве лужи. Как и первая, эта картина привлекает к себе своей реалистичностью и цветом красок - ярким, чистым, звучным. Мастерское использование цвета практически ничем не отличается от работ А. Заярнюка. Разница в степени реалистичности изображаемого, она гораздо выше. Условно можно это передать как (70, 85, 85). Чтобы повысить экспрессивность надо уменьшить реалистичность, как это делает А. Заярнюк. Наш же художник не хочет ею жертвовать, ему нравиться именно таким образом передавать свои ощущения. Однако стоя возле такой живописной «лужи» реалиста Р. Ахметшина, мало кто наверно задумается - насколько все же она далека от реальности! Вспомните деревню в весеннюю распутицу, эту непролазную грязь, когда вдруг во время быстрой ходьбы одна из галоша увязает и остается в этой жиже и следующим шагом разутая нога опускается в грязь... А мы стоим возле полотна и наслаждаемся этой самой «лужей» - чудом подаренном Р. Ахметшиным всем нам.
Чтобы увеличить экспрессивность до максимума нужно, как уже говорилось, очень сильно снизить реалистичность. Примером такой живописи является творчество Михаила Назарова (1927 г.р.) корифея башкирской живописи; его произведения, как исключение, занимают две секции на выставке (вторая с обратной стороны). Своим большим размером сразу же привлекает работа «Деревня. Огороды» (2008); холст, акрил.
Назаров М.А. Деревня. Огороды. (2008); холст, акрил.
На переднем и заднем плане изображены домики, а между ними огороды. Однако их изображение очень далеко от реалистичности. На переднем плане мы видим не столько дома, сколько их геометрические конструкции, а на заднем плане какие-то перекошенные плоскости. Если эту работу оценить как (95, 40, 40), то реалистичность следующей картины «Чепенков переулок» (2015); холст, акрил - мы должны будем оценить еще ниже (95, 20, 40).
Назаров М.А. Чепенков переулок. (2015); холст, акрил.
Мы видим пересечение двух линий и условно обозначенные дома. Это уже почти абстрактная работа. Восприятие таких тяжелых работ очень специфично и далеко не каждый задержится возле них. Однако поделюсь опытом «далеко не каждого» т.е. своим.
Года три назад, на персональной выставке Д. Ишемгулова (убежденного последователя М. Назарова) я обратил внимание на работу под названием «Взаимодействие» (1991), холст, масло.
Ишемгулов Д.Н. Взаимодействие. (1993); холст, масло.
182
На картине изображено что-то напоминающее сложный излом плоскостей; совершенно абстрактная работа. Через полчаса я подошел к ней еще раз, но теперь задержался возле нее подольше. Отойдя ненадолго, я в третий раз вернулся к ней. И теперь я задался вопросом: что меня к ней так влечет? Что?? Ответа не последовало. Профессиональный философ не может понять, не в состоянии отрефлексировать, что творится у него в голове -абсурд какой-то. Я отыскал автора, мы вместе подошли к этой работе, но какого-либо содержательного разговора не последовало. По всей видимости, где-то глубоко, в структурах бессознательного есть участки, которые реагируют на такие работы. Произвела она тогда впечатление или это был только «крик»? ...?? Но сегодня, вспоминая ту выставку, столкновение с этой работой можно оценить как (90, 5, 50).
Интересно то, что абстрактные произведения искусства имеют все же и утилитарное значение. Если, скажем вы хотите что-то поместить на обложку книги, например по философии или квантовой физике, то что вы выберите? Что-то абстрактное. В свое время для своей монографии («Онтологическое мышление») я выбрал работу Д. Ишемгулова «Ваза Вазарели» (Виктор Вазарели, фр. художник, венгерского происхождения), выполненную в экспрессионистском духе, но в тоже время и очень абстрактную (90, 15, 60).
Ишемгулов Д.Н. Ваза Вазарели. (2001); холст, масло.
На картине изображена фигура, сильно напоминающая вазу, на поверхности которой отражается еще одна такая же ваза. Рядом расположены
новые плоскости, на которых представлены более крупным планом расчлененные фрагменты вазы. Вся работа, ярко раскрашена вертикально идущими полосами, преимущественно ярко желтого цвета.
К сожалению, довести до конца задуманное не получилось, слишком высокими оказались типографские расходы. В этом плане наши издательства ничего не предлагают авторам. А вот когда издавалась монография в Германии (изд-во Palmariun Academic Publishing), редактор предложил выбрать для обложки рисунок из их базы данных, где было более сотни изображений сделанных дизайнерами. Но на фоне работ башкирских экспрессионистов, предлагаемые изображения немецких дизайнеров выглядели, мягко говоря, инфантильно. Дизайнеры играют важную роль в современном обществе, и не случайно на выставке были представлены и их работы, а с председателем правления регионального отделения Союза Дизайнеров России, кандидатом искусствоведения Марсом Ахмадуллиным мы столкнулись у «Сицилии» (2014); холст, масло А. Заярнюка.
Заярнюк А.Н. Сицилия. (2014); холст, масло.
Яркий солнечный день, темно-синие небо и море, причал, возле него спокойно покачиваются красные и белые лодки, но на самом переднем плане вода от упавшей тени совершенно черная, на ее поверхности отражены блики красного от возвышающей над ней красной лодки, нижняя белая часть которой соприкасается с темной гладью воды. По ту сторону причала над темно-зелеными деревьями возвышаются золотистые дома. Яркие, крупные, построенные на контрасте цвета - создают мощнейшую экспрессию радости! Черный цвет может произвести сильный эффект, о чем мы уже говорили глядя на «Ночной Нью-Йорк» Я. Крыжевсого. Но то была ночь, а это солнечный день.
Представьте себе, что вы идете по длинному коридору в надежде разглядеть пейзаж по ту сторону окон, чему, однако сильно препятствуют
184
мутные стекла. И вдруг, о чудо, вы оказываетесь перед распахнутым окном. Именно такого эффекта добился Рафаэль Кадыров (1957 г.р.) картиной «Параллельные миры» (2014); дерево (!), масло.
Кадыров Р.Р. Параллельные миры. (2014); дерево, масло.
Это произошло благодаря необычному и темному обрамлению. Работа как бы выкрикивает «я здесь», а те, что оказалось на свою беду расположенным рядом сразу превратились в свои безмолвные блеклые тени. Картина написана на дереве, и обрамлена со всех четырех сторон широкими досками, потемневшими от времени. Одно уже это придало ей сильную выразительность. Причем эта рама выполнена настолько искусно что, кажется, она является внутренней частью интерьера, продолжением картины. Сама работа довольно таки реалистична, хотя выполнена чистыми, выразительными цветами - (70, 80, 85). Картина имеет форму сильно вытянутого прямоугольника. Спереди, справа на нарах (сэке), сидит на коленях благообразный старик и читает книгу. Чуть позади в хиджабе, прикрывая нижнюю часть лица, сидит жена, занятая пряжей. Открытое пространство, четкий ритм чередования всевозможных оттенков синих и жёлтых цветов домотканого ковра придают картине чистоту и выразительную ясность. Это сильно приковывает взгляд. Но проникнувшись внутренним состоянием картины, начинаешь чувствовать, что что-то здесь не так - изображенная пара не гармонирует; чуть позже замечаешь, что и само название указывает на это. Исходя из природы мужчины и женщины, априорно мы знаем, что мужчину больше интересуют вопросы духовности, а женщину - более практичные, земные. Так и показано: он читает - она прядет. Но об этом ли говорит картина? В каких мирах пребывает каждый из них? Женщина глубоко сосредоточена и возможно именно она пребывает в медитативном состоянии умственного безмолвия. Он же возможно, занят всего лишь времяпровождением за чтением, разговором с книгой. Если
185
внимательно приглядеться - он ведь даже и не смотрит в свою книгу, а прикрыв глаза над чем-то задумался. А может быть именно это и хотел передать автор? Непонятно. Единственное, что я вдруг действительно понял, так это то, почему не могу воспринять эту работу полностью. Этот феномен, для определенности обозначим термином «интерференция» (помеха, вмешательство, наложение), которое насколько известно, в искусствоведении не рассматривается, хотя философы, (правда в ином контексте) придают ему первостепенное значение: как предрассудок влияет на понимание.
Ранее, в диаметрально противоположном конце выставочного зала, я был поражен картиной Айдара Гареева (1978 г.р.) «Вечерний намаз» (2014); холст, масло. Именно так воспринимается религиозная духовность. Эти четыре, показанные со спины мужские фигуры, склонившиеся в молитве, их образ вошли в противоречие с образом старика Р. Кадырова. Произошла интерференция двух созвучных картин: впечатление от первой картины накладывается и влияет на восприятие второй. На переднем плане, изображена фигура в красной тюбетейке, сидящая на круглом молитвенном коврике с ярким орнаментом в виде концентрических кругов. Тем не менее, все внимание захватывает не эта фигура, а сидящая чуть далее, с головы до пят вся в черном. Но выделяется она не столько цветом, сколько величественной осанкой. Из всех фигур, только одна эта сидит с вертикально прямым позвоночником. Обычно так сидят не мусульмане, а медитирующие буддийские монахи. К сожалению, работу нельзя назвать законченной картиной. Это всего лишь набросок с оригинальной композицией. Бледный, желто-зеленый фон, какая-то непонятная дымка обволакивающая происходящее указывают не на вечернее время, а на ее незавершенность и недоделанность. Странно, что она вообще попала на выставку. Наверно искусствовед сделал скидку автору как представителю г. Стерлитамак. Как бы там ни было, она оставляет хорошее впечатление; несомненно - в ней заложен огромный потенциал.
Выставка большая, работ хороших очень много и представить обзор даже основных из них, физически невозможно. Поэтому тезисом о «бледном, желто-зеленом фоне» хотелось бы завершить эту первую часть. Но все же есть опасность остаться неверно понятым, утверждением о том, что главным критерием живописи является ее выразительность, и, следовательно, бледные тона, плавно перетекающие цвета - это все признаки «низкого» уровня. А что если художник поставил своей целью передать некое возвышенное, утонченное настроение? Как, например мы видим это в работе Зуфара Гаянова (1941 - 2015) из цикла «Вдохновение. Тукай». Правая часть триптиха (2006-2007); живопись на шелке (!). Оценим ее доминирующие светлые, бледно-розовые, пастельные тона, как (40, 70, 85). Это вовсе не означает, что она оценена низко. Указанные цифры это не баллы, определяющие уровень произведения, а просто соотношение указанных компонентов относительно работ Ван Гога. Эталонные 80 % экспрессивности можно рассматривать как пороговое значение, предельно допустимую
186
величину; ее превышение уже может восприниматься зрителем болезненно. Таково восприятие большинства. Но Д. Ишемгулов и тем более М. Назаров не согласятся с этим, и будут искать всевозможные средства, чтобы увеличить ее. Но что они могут сделать? Если это делать только при помощи цвета, то они придут к «черному квадрату», поэтому они будут вынуждены уменьшать реалистичность картины (второй компонент) и за счет этого повышать экспрессию. З. Гаянов, наоборот, может посчитать, что и 80 % - это очень много, т.к. приводит к снижению впечатлительности (третьего компонента); грубо говоря, для него суть экспрессионизма - ошпарили кипятком и все. Разве это искусство? По-своему он был бы тоже прав. Работа же З. Гаянова просто завораживает своей лирикой. Видя это цветущее дерево, уступчиво и нежно склонившие свои ветви, хочется точно также как изображенный на ней задумчивый юноша с одухотворенно-выразительным (!) лицом (Г. Тукай), сесть и сидеть, обняв свои колени, тихо созерцая водную гладь. Разве можно найти какой-нибудь другой способ, чтобы передать это удивительное состояние растворенности и гармонии?
Список литературы
1. Абдуллин А. Р. Свет в обезбоженном мире. Эстетическая концепция творчества Дамира Ишемгулова // Вестник БГУ, 2000, № 2-3. С. 45-50.
2. Андросов В. П. Буддизм Нагарджуны. - М.: Восточная литература, 2000. 799 с.
3. Вийранд Т. Молодежи об искусстве. - Таллинн: Кунст, 1990. 208 с.
4. Грутрой Г. Ван Гог. Творческий путь художника. - Минск: Белфакс. 1996. 144 с. (142 ил.)
5. Хайдеггер М. Исток художественного творения // Работы и размышления разных лет. - М.: Гнозис, 1993. С. 47- 120.
