CC BY
127
Петровская Н.И.
Кандидат филологических наук, доцент, Российский Новый Университет (таганрогский
филиал)
ОБРАЗ ЮДИФИ: ДВА ВОСПРИЯТИЯ
Аннотация
В данной статье будет рассмотрен образ героини библейского мифа Юдифи в интерпретации двух художников - Сандро Боттичелли (конец XV - начало XVI вв.) и Микеланджело Меризи да Караваджо (конец XVI - начало XVII вв.) - с целью выявления специфических особенностей создания произведения, обусловленных характером эпохи. Материал работы может быть использован при изучении курса «Мировая художественная культура» в качестве примера сравнительного анализа эстетических концепций Ренессанса и Барокко.
Ключевые слова: Ренессанс, гармония, Барокко, экспрессия, эстетика Keyword: Renaissance, harmony, Baroque, expression, aesthetics
Моя сандалия ему прельстила око — И выю вражию прошел мой меч глубоко.
ЛМей. Юдифь
З.Фрейд предложил рассматривать генезис культуры как неизменное, извечное противоборство «инстинкта жизни» (Эроса) и «инстинкта смерти» (Танатоса) [1]. Смерть как категория запретная, табуированная в культуре многих народов, являясь неотъемлемыми частью человеческого бытия, всегда волновала умы творцов.
С мотивом смерти в искусстве тесно связан мотив убийства. Он появляется уже в античном героическом эпосе («Илиада», «Одиссея» Гомера) и получает широкое развитие в художественных произведениях последующих эпох. Популярность этого мотива можно объяснить интересом мастеров к «темной», диониссийской стороне человеческой сущности, подвигающей к разрушению, уничтожению.
Искусство представляет галерею самых разнообразных типов убийц. Это смелые воины, вонзающие клинки в своих врагов (Гектор), коварные злодеи (Хаген, Клавдий), ревнивцы (Отелло, Фердинанд фон Вальтер, Хосе), персонажи, подверженные маниакальным страстям (Жак Лантье, Жан Батист Гренуй), дуэлянты (Ромео, Онегин), герои, мстящие за близких (Ахиллес, Гамлет) и другие.
Подобный контекст позволяет выявить следующую закономерность: каким бы ни было убийство - справедливым или низменным, случайным или длительно планированным - вершителями этого акта, как правило, выступают герои-мужчины.
Это кажется естественным, так как в культурной традиции еще с древних времен именно мужчина ассоциировался с воином, завоевателем, разрушителем. Не случайно общепринятым символом, обозначающим мужское начало, является копье Марса, агрессивного и кровавого римского бога войны.
Женщина, напротив, всегда воспринималась как гармоничное, созидающее начало, дающее жизнь. Потому в искусстве сюжетов, изображающих женщин-убийц, мало. Как правило, это жертвы несчастной любви, заговоров, социальных предрассудков, несущие смерть без злости и коварства, а, скорее, находясь в состоянии аффекта. Здесь можно вспомнить Медею, погубившую из-за страсти к Ясону родного брата, царевну и своих детей, гетевскую Маргариту, лишившую жизни свою мать и ребенка, Флорию Тоску,
вонзившую кинжал в коварного Скарпиа, Лючию ди Ламмермур, в исступлении заколовшую нелюбимого супруга, Катерину Измайлову, утопившую соперницу.
В искусстве популярен сюжет о Юдифи, изложенный во второканоническом тексте Ветхого Завета. Согласно содержанию мифа, молодая вдова Юдифь спасла родной город Ветилую от осаждающих его войск Олоферна. Очарованный красотой женщины, грозный воин пригласил ее в свой шатер. Опьяненный вином и страстью, он погрузился в глубокий сон, и тогда Юдифь отрубила ему голову. Узнав о смерти предводителя, солдаты бежали, и Ветилуя была спасена.
Этот миф получил широкое распространение в эпоху Ренессанса в живописи и скульптуре. К нему обращались Андреа Мантенья, Донателло, Микеланджело, Джорджо Вазари, Лукас Кранах Старший и многие другие творцы Возрождения.
В данной статье будет рассмотрен образ Юдифи в интерпретации двух художников - Сандро Боттичелли (конец XV - начало XVI вв.) и Микеланджело Меризи да Караваджо (конец XVI - начало XVII вв.) - с целью выявления специфических особенностей создания произведения, обусловленных характером эпохи.
Картина Боттичелли «Возвращение Юдифи в Ветилую» (1472 - 1473) относится ко времени позднего кватроченто. Как отмечает Л.Любимов, именно в этот период «Итальянские гуманисты открывали мир классической древности.... <.. .> античный идеал <...> земной, глубоко человечный и осязаемый, рождал в людях великую любовь к красоте мира» [2,115].
Концепция красоты становится доминантой раннего Возрождения. Так, флорентийский философ Марсилио Фичино пишет: «Чистые цвета, свет, голоса, блеск золота, белизну серебра, науку, душу - все это мы называем прекрасным» [2, 116].
Идея прекрасного определяет эстетическую глубину творения Боттичелли. А.Махов отмечает: «Как никому другому, Боттичелли удалось возвыситься до идеала гармонической красоты» [3]. Однако следует отметить, что представление об этой категории у флорентийского мастера довольно специфично. Это не воспевание ее всеобъемлющей силы, колоссальной мощи, характерное для зрелого Возрождения. Художник чувствует быстротечность, хрупкость красоты. Отсюда - изящные и чуть грустные образы полотен Сандро. По мнению Л.Любимова, «это предчувствие - мысль о неизбежности увядания - неотвратимо вплетается в живопись Боттичелли. Так что вся поэзия его картин овеяна печалью, одновременно щемящей и сладостной» [2, 166].
«Юдифь» итальянского творца наполнена символами дуальности мира, соположения жизни и смерти, что позволяет увидеть глубокие смысловые пласты в данном живописном тексте.
На полотне Боттичелли запечатлен момент ухода Юдифи и ее служанки из вражеского лагеря после свершения убийства Олоферна. Семантика образа убийцы создается художником предельно тонко и деликатно. Следует отметить, что автор изображает женщину не в момент убийства, как это делают многие живописцы, а возвращающейся в родной город. Такое решение позволяет мастеру избежать экспрессии, напряженности, формирующих мифологический сюжет, и снижают представление нежного образа израильтянки как убийцы. Развитию этой мысли способствует следующий смысловой акцент - Юдифь не касается своей жертвы (трофей находится в чаше, несомой служанкой). Такая деталь словно отчуждает молодую вдову от происходящего, возвышает ее, делает «чистой».
Идея вселенской гармонии, рождающейся из двойственности бытия, столь важная в эпоху Ренессанса, находит отражение в картине флорентийца через многие символы. Среди них особо обращают на себя внимание меч в правой руке героини и ветвь оливы в левой. Меч напоминает о свершенном женщиной деянии. Культурная традиция определяет его как сложный, амбивалентный знак рубежа, разделения, жизнь и смерть
находятся в его власти. Согласно христианским представлениям «с помощью меча отсекается все недостойное и бесплодное, «всякое дерево, не приносящее доброго плода» [4]. Ветвь оливы «является эмблемой мира и обновления». Таким образом, эти символы организуют сложное смысловое единство, представляющее убийство, совершенное Юдифью, как гармоничную часть бытия. Женщина привносит смерть в пространство вселенной, но именно эта смерть является началом новой, спокойной жизни для Ветилуи.
Развивают идею порядка мироздания, рожденную в сопоставлении мотивов жизни и смерти, параллельно расположенные на полотне фигура служанки, несущей чашу с головой Олоферна (в левой части картины) и дерево (в правой). Образы сложны, их смысловые ипостаси двойственны, дуальны. Спутница Юдифи держит над головой темную голову мертвого воина, что позволяет интерпретировать изображенное как символ угасания, погружения в небытие. Однако следует обратить внимание на то, что трофей израильтянок покоится на чаше. В мифологии широко распространено значение чаши как символа женского начала, дающего жизнь. Следовательно, образ, созданный Боттичелли усложняется, принимает черты амбивалентного. То же можно сказать и о дереве. «Каждый год оно являет собой в миниатюре цикл чередования жизни и смерти: оно умирает-засыпает каждую осень и воскресает каждую весну» [5, 146].
Образы служанки и дерева словно обрамляют фигуру Юдифь, визуально напоминая эллипс, что усиливает впечатление гармонии бытия, созданной из плавного перетекания жизни в смерть и смерти в жизнь.
Немаловажную роль в картине играет особая цветовая палитра. На полотне доминирует голубая и зеленая гамма (небо и листва). Оба эти цвета в культурной традиции имеют положительную коннотацию. Голубой обычно воспринимается как «природный символ лучезарного неба, синоним всего божественного, чистого и возвышенного» [6], зеленый ассоциируется с цветом весны и растительности, считается «символом победы жизни над смертью <...> являясь смесью желтого и синего он становится символом щедрости и возрождения души через благие деяния» [7]. Таким образом, колористическое решение полотна дополняет его идейно-эстетическое содержание, подчеркивается мысль мировой гармонии, равновесия.
Чуть больше столетия отделяет от творения Боттичелли полотно другого итальянского живописца Микеланджело Меризи да Караваджо, написанное на тот же сюжет. Картина «Юдифь и Олоферн», созданная около 1598 г., относится многими исследователями к направлению барокко, которое в своей эстетике отразило кризис идей культуры Ренессанса. Это было «время перелома в общественном развитии и в идеологии гуманизма. Исчезает уверенность в близком и неизбежном торжестве положительных начал жизни. Обостряется ощущение ее трагических противоречий. Прежняя вера уступает место скепсису, и сами гуманисты уже не доверяют разуму как благой силе, способной обновить жизнь. У них возникает и сомнение относительно природы человека — действительно ли добрые начала главенствуют в ней» [8, 2].
Настроения, мироощущения данного времени определяют специфику искусства. Появляются новые темы, мотивы - мучения и страдания, смерти, мистики, ненависти, зла, столь несвойственные светлым, жизнерадостным идеалам Возрождения. «Для произведений барокко характерны эмоциональный накал страстей, динамизм и «тревожность силуэтов», картинная зрелищность, преувеличенная пышность форм, изобилие и нагромождение причудливых деталей, использование неожиданных метафор» [8, 11].
Большинству картин Караваджо свойственен глубокий внутренний драматизм. Выбранные мастером сюжеты экспрессивны, полны жестокости и насилия. Неслучайно он обращается к библейскому мифу о Юдифи, смысловой центр которого - убийство воина -
позволяет художнику раскрыть в картине дух времени, трагического, полного противоречий.
Для своего полотна Караваджо выбирает самый напряженный момент истории - акт возмездия, совершаемый молодой вдовой. Если эстетика Возрождения требует от художника воплощения идеи вселенской гармонии (на полотне Боттичелли тема убийства лишь намечена образами меча и головы воина, лежащей в чаше), то традиция барокко находит отражение в «Юдифи и Олоферне» в прямой, предельно реалистично переданной сцене убийства, поражающей своей безжалостностью.
Мысль о дисгармоничности мира воплощается в картине через пластику, движения героев. Ярко выражена напряженная поза героини. С одной стороны художник подчеркивает неприятие ею свершаемого действа - она, резко изгибаясь, словно отстраняется от объекта наказания. С другой Караваджо подчеркивает ее мужество и решимость, акцентируя внимание на руках Юдифи - одной она вонзает меч в горло воина, другой же с силой держит его волосы, лишая возможности сопротивляться.
Страшен в предсмертных муках Олоферн. А.Миллер так передает восприятие увиденного: «те же чувства я испытала бы, глядя на настоящую казнь. Отрезанная голова, перерезанное горло и хлещущая из артерий кровь <...> на все это не следует смотреть тому, кто обладает хоть малейшей чувствительностью.» [9, 15]. Художник усиливает впечатление ужаса происходящего тем, что изображает воина еще живым: лицо искажено выражением нестерпимой боли, пальцы конвульсивно сжимают ткань постели, словно пытаясь уменьшить физическое страдание.
Дополняет фигурную композицию образ старой служанки. Ее тело практически скрыто от глаз зрителя, однако сильное эмоциональное напряжение передается через крепко сжимающие материю, подготовленную для трофея, пальцы, а также взгляд на умирающего врага, полный ненависти и злобы и сцепленные, поджатые губы.
Значительную роль в поэтике картины, ее эстетической направленности играет цвет. Караваджо выбирает яркие, контрастные цвета - глубокий красный, черный, белый и золотистый - которые формируют экспрессию его полотна. Следует обратить внимание, что колористическое решение живописного произведения имеет символическую направленность. Так, над ассирийцем нависает красное полотнище, знаменуя кровавую расплату. Задний фон темен, что позволяет итальянскому мастеру, подобно театральному осветителю, выделить перед зрителем главные фигуры страшного действа. Одновременно черный цвет здесь ассоциируется со смертью, небытием. Колористический ансамбль живописной работы усиливает тяжелое впечатление, придает ей острую драматичность, что отражает особое, мрачное мироощущение эпохи, чувство безысходности.
Важное место при создании картины расправы играет тщательно выписанная художником кровь, хлынувшая из горла воина. В культурной традиции принято рассматривать кровь как символ жизненной силы, «часть божественной энергии, или, в более общем смысле, дух личности» [10]. В контексте эстетики барокко кровь, пролитая Олоферном, может восприниматься как кризис идейных исканий человека, его трагическое осознание своего места в мире, утрата духовной основы.
Каждая культурная эпоха имеет свои специфические особенности, эстетику, которые находят отражение в произведениях искусства. Картина Сандро Боттичелли, отвечая веяниям ренессансного гуманизма, наполнена деталями, передающими идею вселенской гармонии. Образ молодой иудейки интерпретируется автором как наделенный божественным светом, несущий мир и спокойствие. Полотно Микеланджело Меризи да Караваджо отражает трагическое мировосприятие барокко, что проявляется в экспрессии движений героев и специфической цветовой палитре картины. Различные культурные
ситуации позволяют творцам предлагать иное видение одних и тех же сюжетов, отражая при этом духовное содержание эпохи.
Литература
1. Фрейд З. По ту сторону принципа удовольствия // Фрейд З. «Я» и «Оно». Тбилиси, 1991. - Т. 1.
2. Любимов Л.Д. Искусство Западной Европы: Сред. века. Возрождение в Италии. - М., Просвещение, 1996.
3. Зарницкий С.В. Боттичелли. Жизнь замечательных людей [Интернет ресурс]. -Режим доступа: www.lib.rus.ec/b/1200522.
4. Мифы народов мира. Онлайн энциклопедия [Интернет ресурс]. - Режим доступа: www.mifinarodov.com.
5. Энциклопедия символов, знаков, эмблем. - М., Астрель, 2002.
6. Энциклопедия знаков и символов [Интернет ресурс]. - Режим доступа: www.znaki. chebnet.
7. Символы и талисманы [Интернет ресурс]. - Режим доступа: www. symbol .grimuar.into.
8. Данилова Г.И. Мировая художественная культура: от XVII века до современности. -М., Дрофа, 2007.
9. Кононенко Р. Микеланджело Меризи да Караваджо. - М., ООО «Издательский дом «Комсомольская правда», 2009.
10. Энциклопедия символов [Интернет ресурс]. - Режим доступа: www.lib.rus.ec/b/1668347/
