Методы работы известных балетмейстеров над раскрытием темы хореографического произведения Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

УДК: 373.31

Карпенко В. Н.

к.п.н., профессор

кафедра теории и методики хореографического искусства Белгородский государственный институт искусств и культуры, г. Белгород

Скоморохова А. В.

магистрант

кафедра теории и методики хореографического искусства Белгородский государственный институт искусств и культуры, г. Белгород

Карпенко И. А.

доцент

кафедра хореографического творчества, Белгородский государственный институт искусств и культуры, г. Белгород

МЕТОДЫ РАБОТЫ ИЗВЕСТНЫХ БАЛЕТМЕЙСТЕРОВ НАД РАСКРЫТИЕМ ТЕМЫ

ХОРЕОГРАФИЧЕСКОГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ

В статье авторы рассматривают раскрытие современных тем хореографического произведения, влияние народных игрищ и забав на балетмейстерское видение хореографического произведения.

Ключевые слова: хореографическое искусство, балетмейстер, хореографическое произведение, сценическая хореография.

Karpenko V. N.

k.p.n., professor

department of the theory and technique choreographic art Belgorod state institute of arts and culture, Belgorod

Skomorokhova A. V.

undergraduate

department of the theory and technique of choreographic art Belgorod state institute of arts and culture, Belgorod

Karpenko I. A.

associate professor choreographic creativity Belgorod state institute of arts and culture, Belgorod

METHODS OF WORK OF THE FAMOUS BALLET MASTERS ON DISCLOSURE OF THE SUBJECT OF THE CHOREOGRAPHIC WORK

In the article the authors consider the disclosure of the contemporary choreographic works, the influence of folk games and amusements at the choreographers vision of choreographic works. Keywords: choreography, choreographer, choreographic work, scenic choreography.

Советский балетный театр с первых дней своего существования ставил перед собой задачу не только сохранить, но и развить лучшие традиции русского балетного театра: реалистическую направленность. Стремление раскрыть образ и характер героя, поэтичность («душой исполненный полет»), одухотворенность, органичное слияние классического танца

с элементами народной хореографии, раскрытие в танце национальных черт, обращение к прогрессивным темам сделать балет активным проводником передовых идей и мыслей, поставить его в один ряд с другими видами и жанрами искусства [2].

Нельзя не привести, в качестве примера, работы над разработкой и реализацией современной темы произведения И. А. Моисеева. Игорь Александрович Моисеев свою деятельность как балетмейстер начал на сцене Большого театра в Москве. В его первых, ранних постановках, таких как: «Футболист» В. Оранского, «Саламбо» А. Арендса, «Три толстяка» В. Оранского проявились основные его качества как постановщика. Интерес к национальному колориту, народному танцу, стремление с его помощью создавать на сцене человеческие характеры, умение находить в повседневной действительности нужные ему движения и сценически их интерпретировать.

Эти качества хореографа-драматурга наиболее полно и ярко раскрылись в деятельности И. А. Моисеева как художественного руководителя Государственного академического ансамбля народного танца СССР. Осуществленные им здесь постановки — драматургически цельные, действующие лица в которых имеют разные человеческие характеры, воплощенные средствами народного танца, — позволили говорить о создании им нового сценического жанра — театра народного танца. Его великие произведения: «Партизаны», «Колхозная улица», «День на корабле», «Картинки прошлого», «Два Первомая», «Веснянка», «Молдавская сюита», «Половецкие пляски», «Ночь на лысой горе», концертная программа «По странам мира» имеют все основания называться хореографическими спектаклями, хореографическими художественными полотнами.

В 1958 году И. А. Моисеев впервые поставил на сцене Большого театра балет А. Хачатуряна «Спартак». Постановке предшествовала большая исследовательская работа. Спектакль отличался цельностью драматургического решения, единством музыкального и хореографического прочтения образов, в нем были раскрыты стиль и характер эпохи. Моисеев показал себя здесь балетмейстером, хорошо знающим специфику и возможности классического танца. Отдельные фрагменты балета «Спартак» живут на концертной эстраде и поныне.

Павел Павлович Вирский поставил много балетных спектаклей: среди них, такие как: «Черное золото» В. Гомоляки, «Красный мак» Р. Глиэра (совместно с Н. Болотовым), «Мещанин из Тосканы» В. Нахабина, «Раймонда» А. Глазунова.

Но особая заслуга П. П. Вирского в развитии жанра народного танца, создании образа советского воина в хореографическом искусстве. С 1943 по 1955 год П. П. Вирский был главным балетмейстером Ансамбля песни и пляски Советской Армии имени А. В. Александрова. Всемирную известность завоевал и Ансамбль народного танца Украины, организованный П. П. Вирским.

Большую роль в формировании его творческих взглядов как балетмейстера сыграла его совместная работа с Касьяном Голейзовским. Хореографические миниатюры, поставленные П. П. Вирским в ансамбле, отличаются развернутой драматургией и детальной разработкой образов. Почти все его танцевальные номера имеют сюжетную основу, причем сценаристом, драматургом их является сам балетмейстер. Он вел большую исследовательскую работу по сбору и сценической обработке танцевального фольклора различных областей Украины. В его балетмейстерской палитре находят место все жанры, виды и формы национального танцевального фольклора.

В репертуаре Ансамбля народного танца Украины номера на современную тему, хореографические композиции, созданные на основе фольклора различных областей Украины и России, жанровые танцевальные картинки. Широко известны его номера: «Запорожцы», «Гопак», «Ползунец», «Подоляночка», «О чем верба плачет?», «Ой, под вишнею», «Хмель», «Березнянка», «Коломийка», одноактный балет «Октябрьская легенда», «Плескач», «Русский танец», «Моряки китобойной флотилии», «Советская Украина»,

«Сестры», «Мы помним», «Комсомольская свадьба», «Куклы», «Колхозная свадьба» и многие, многие другие.

В творчестве П. П. Вирского органично сплетаются знание богатств украинской народной хореографии с глубокими знаниями законов драматургии — развития сценической хореографии [2, с. 104-106].

И сегодня танцевальные коллективы, и балетмейстеры решают проблему создания сценических вариантов народного танца с сохранением его национального колорита, выразительных средств и, самое главное, с современной трактовкой содержания, чтобы он являлся образным отражением жизни, способствовал эстетическому и нравственному воспитанию личности. Опираясь на богатое народное наследие, сохраняя и любовно развивая танцевальные традиции русского народа, хореографы имеют все возможности для того, чтобы создавать новые интересные танцы и композиции.

Во всех регионах России существуют программы сохранения и развития национальной культуры, что вполне обоснованно и закономерно. Однако сегодня, как никогда, следует поставить вопрос о необходимости серьезного обучения хореографов народным традициям, организации творческих мастерских, научно-практических конференций и семинаров, созданию национальных архивов народных традиций, песен и танцев.

Конечно, работа в этом направлении ведется, но она в основном сконцентрирована в больших центрах и результаты ее не доходят до широких масс, до периферийных территорий. В связи с этим, мы еще раз обращаем свое внимание на потребность, более глубокого изучения народных традиций: праздников, обрядов, игр, забав, что является ценнейшим национальным достоянием, фундаментальным пластом русской культуры. Особенно актуально стоит проблема популяризации народных игр и забав, которые «изживают» себя, уходят в небытие.

В культуру каждого народа входят созданные им игры. На протяжении веков эти игры сопутствуют повседневной жизни детей и взрослых. Помимо сохранения народных традиций игры вырабатывают жизненно важные качества: выносливость, силу, ловкость, быстроту, прививают честность, справедливость и достоинство, оказывают большое влияние на воспитание характера, силы воли. Как видим, проявленный интерес к народному творчеству способен развивает не только общую и духовную культуру, но и культуру физическую.

Русские народные игры имеют многотысячелетнюю историю: они сохранились до наших дней со времен глубокой старины, передавались из поколения в поколение, вбирая в себя лучшие национальные традиции. Все эти игры могут находить и находят уже сегодня свое применение в репертуаре любительских и профессиональных танцевальных коллективов, как без изменения движений пластики, так и с некоторыми изменениями и дополнениями в зависимости от варианта замысла балетмейстера-руководителя, сочинителя и постановщика самобытного хореографического полотна. Основа всего этого игрового и пластического материала может быть использована для создания множества плясок или хороводов. Конечно, не все из жизни приемлемо для сцены. Надо выбирать самое интересное — своеобразное и необычное или какое-то особенное, что даст настроение танцу, сохраняя стиль и манеру в исполнении.

Танец — это совершенная форма игры. Очень многие сценарии отношений можно оптимизировать. В танце очень легко менять роли. Только что ты вел — и вот уже ведет твой партнер. А хореографические образы, как правило, несут в себе отображение этапных, ключевых моментов жизни, и благодаря своей высокой опосредованности и взволнованной приподнятости они оказываются способными постигнуть ее сущность.

Танец, возникший как жанр прикладного назначения, всегда был прочно связан с определенными условиями его исполнения и восприятия, с конкретной жизненной ситуацией. Так, к примеру, обязательная составная часть богослужения культовые пляски

обладали величественным, строгим, торжественным характером; движения и музыка в них зачастую были строго регламентированы и обусловлены особенностями церемонии [1, с. 9].

Древнейшим видом русских народных плясок культового происхождения являются пляски-игры, отображающие трудовой процесс, эти танцы, как правило, носили воспитательный характер и не исключали наличие шутки и иронии. В дохристианской Руси были широко распространены игрища, на характер и содержание которых наложил отпечаток земледельческий быт славян. На игрищах славяне не только совершали обряды, но веселились, и «добывали» себе жен. Об этих древнейших игрищах и обычаях славянских племен радимичей, вятичей и северян можно найти засвидетельствование в летописях.

Влияние народных игрищ и забав на балетмейстерское видение хореографического произведения еще недостаточно разработано и конечно требует более досконального исследования. Обращение к аутентичному фольклорному материалу позволяет увидеть народные традиции в их развитии. От искусства хореографа зависит, как он сумеет огранить эти бриллианты народного творчества, сохранить их и подарить современникам. И это особенно важно сегодня. Но следует констатировать тот факт, что сложившаяся в течение многих лет система профессиональной подготовки балетмейстеров стала настолько догматична, что сводится, в основном, лишь к формированию профессиональных навыков, ограничивая процесс сознательного и творческого обучения, не затрагивая художественного и образного мышления.

Выявление роли традиционных народных гуляний, игр, забав в постановочной деятельности балетмейстера, способствует развитию традиционной народной хореографии, и естественным образом приведет к большей ее популяризации. Определение новых способов организации хореографического сценического действия в методах работы балетмейстера над созданием хореографического произведения на основе традиционных игр — это более полное использование народных традиций в русском танце, которое может привести к его лексическому и характерному обогащению.

Система обычаев традиций любого народа — это результат его воспитательных усилий в течение многих веков. Через эту систему каждый народ воспроизводит себя, духовную культуру, свой характер и психологию, в ряду сменяющих друг друга поколений. Через национальную хореографию передается не только эмоциональная сторона жизни, но и осуществляется воспитательный процесс, путем приобщения подрастающего поколения к истокам родной культуры.

Какие основные трудности возникают при использовании данного материала на сцене? Первое, на что стоит обратить внимание, это компоновка, выстраивание игрового и пластического материала, как по композиции, так и по лексике движений. Построение материала и время его показа не должны вызывать чувство монотонности и однообразия. Все находиться в развитии. Мир танца диктует свои законы отображения действительности, основанные не на буквальном соответствии жизненного и художественного материала, а на степени верности метафорическому, поэтическому отражению жизни. Танец, в силу своих изобразительно-выразительных возможностей более чем другой вид искусства, чужд натуралистической подробности, житейской повседневности, обыденной достоверности.

Как уже говорилось, важным фактором в постановке танца является и сохранение стиля. Стиль или манера, выходка — это душа танца. Стиль, манера русского танца, как, впрочем, и танцы других народов, отличаются по манере исполнения. Даже на такой небольшой территории как Белгородская область, мы видим несколько пластических стилей в разных регионах, которые отличаются манерой держаться, двигаться основным шагом, положениями рук и так далее.

Мы сознательно делаем упор на стиль и манеру, поскольку часто сталкиваемся с бездумным смешением стилей, эклектикой, что и говорит об уровне руководителя. Смешение стилей возможно, но как сопоставление различных фрагментов танца, поставленного по принципу контраста. В каждой местной традиции живет и сохраняется

особенная, ценностно-неповторимая художественная основа, которая создавалась многими поколениями одаренных творцов и может способствовать рождению нового в условиях сценического бытования.

Одной из самых больших проблем для руководителя является отсутствие информации. Литература, учебная и познавательная, посвященная русскому танцу и выпущенная в последнее время, далеко не одинакова по своей серьезности и педагогической направленности. К сожалению, многие руководители пользуются старыми представлениями о сценическом воплощении русского танца, и старой литературой, которая писалась для начинающих руководителей самодеятельных коллективов. Приостановлена работа по пропаганде русской традиционной хореографии. Не издаются массовыми тиражами репертуарные и методические пособия.

Как известно, одной из главных составляющих в создании хореографического произведения является музыка. В настоящее время это проблема номер один. Только единицы коллективов танцуют под «живую» музыку. Все остальные — под фонограммы, и не всегда качественные, да и такие достаточно сложно найти. Народные оркестры и ансамбли не записывают музыкальные произведения, предназначенные для сценического воплощения балетмейстерских задумок. В этом особенно остро ощущается дефицит музыкального материала, именно поэтому одной из важных задач является, сегодня создание специальных сборников авторских музыкальных произведений для региональной русской сценической хореографии.

Все вышеперечисленное может способствовать развитию негативных тенденций в растлении русского народного танца. Репертуар профессиональных и любительских коллективов слабо пополняется новыми произведениями русской народно-сценической хореографии. Однако мы все же наблюдаем, как изменяется содержание танцев, видим, как они творчески перерабатываются и дополняются, в связи с требованиями современной жизни. Необходимо очень любовно и в то же время строго, с глубоким знанием фундамента русского народного танца подходить ко всем творческим обработкам, стилизациям и сочинениям любых видов танца.

В хореографических коллективах распространены такие разновидности русского танца как, танцевальная сюита, хореографическая картина, вокально-хореографическая композиция и т.д. Все эти формы танца могут создаваться и на основе развития традиций народных гуляний, игрищ, посиделок и так далее. Ведь в профессиональном и в любительском творчестве всегда были хореографические произведения, в основу которых легло народное творчество: кружево, вышивка, ткачество, игрушка и тому подобное. Поэтому, одним из способов создания хореографического произведения вполне может стать композиция, основанная на соединении танца с народной игрой.

Напрасно хореографы в своем творчестве мало обращаются к этой интересной и до конца не разработанной теме, так как — это неиссякаемый источник балетмейстерских идей и находок в реализации постановочного потенциала. Тем самым обогащается содержание, появляются новые темы, расширяется репертуар. Открытие для жизни новых пластов народного творчества дает танцевальному искусству новую струю воздуха.

Традиционные народные игры и забавы могут и должны быть первоисточниками и служить основой создания нового способа организации хореографического сценического действия. По сути, народные забавы — это фундамент традиционной хореографии, и популяризация народных игрищ (танцы, пляски, хороводы) и забав может способствовать сохранению, развитию и приумножению национальной танцевальной культуры. Обрабатывая этнографический материал, необходимо создавать новые художественные хореографические произведения, созвучные нашему времени.

Нужно более смело, творчески подходить к проблеме создания новых танцев. Больше пробовать, экспериментировать, опираясь на традиции и учитывая требования эпохи. Каждому хореографу необходимо стремиться к тому, чтобы его творчество было

профессионально грамотным, а в репертуаре не было одинаковых безликих номеров, в которых нет индивидуальности постановщика. И чтобы, выходя на сцену коллективы, дарили нам неповторимую красоту танца, который должен стать для зрителей и зрелищем и воспитателем.

Широкие научные исследования, более активное обращение хореографов к народной тематике позволяют надеяться на дальнейшее развитие русского народного сценического танца. Совершено, очевидно, что это способствует утверждению принципа народности в хореографической культуре.

Стремясь познать, возродить и донести до широких масс русскую национальную культуру, балетмейстеры создают новые произведения на основе народных традиций, которые, несомненно, будут пользоваться успехом зрителей, и выполнять основную функцию на сегодняшний день — сохранение и популяризация народных традиций, отраженных в хореографических произведениях. Только так можно сохранить и передать последующим поколениям бесценные творения народа, что естественным образом приведет к духовному возрождению.

Безусловно, воплощение современной темы немыслимо без нового танцевального языка и других выразительных средств. (Музыка, сценическое оформление, костюмы и т.п.). И, все же самое главное — это мировоззрение балетмейстера, его интеллект, культура, профессиональное мышление — художника, творца хореографического произведения. Балетмейстер призван найти изобразительные и выразительные оригинальные как пластические, так и пространственные решения, которые естественно и органично раскроют образ современника.

Хореографическая тема, образ рождается не только в результате осмысления одного орнамента или одной музыки, а, как всякий продукт мышления, есть результат переработки самых различных сведений и знаний, поэтому орнамент может рассматриваться как основной источник в формировании художественного замысла.

Орнамент содержит в себе обилие рисунков, геометрических и орнаментальных построений, которые можно переносить в танец и на их основе сочинять пластический мотив, переводя плоскостные изображения в пространственно-объемные и временные.

Орнамент содержит пластические обобщения, символы, образы, заключенные в традиционных элементах, отражающие дух мышления коллективного творца — народа. Значение этих элементов можно расшифровать, а затем использовать образы в формировании нового замысла.

Итак, сделаем соответствующие выводы.

Делается упор на стиль и манеру, поскольку мы часто сталкиваемся с бездумным смешением стилей, эклектикой, что и говорит об уровне руководителя. Смешение стилей возможно, но как сопоставление различных фрагментов танца, поставленного по принципу контраста. В каждой местной традиции живет и сохраняется особенная, ценностно-неповторимая художественная основа, которая создавалась многими поколениями одаренных творцов и может способствовать рождению нового в условиях сценического бытования.

Обращение к аутентичному фольклорному материалу позволяет увидеть народные традиции в их развитии. От искусства хореографа зависит, как он сумеет огранить эти бриллианты народного творчества, сохранить их и подарить современникам.

Создание сценических вариантов народного танца на основе фольклора с сохранением его национального колорита, выразительных средств и, самое главное, с современной трактовкой содержания, чтобы он являлся образным отражением жизни, способствовал эстетическому и нравственному воспитанию личности.

Проявлять интерес к национальному колориту, народному танцу, стремиться с его помощью, создавать на сцене человеческие характеры, уметь находить в повседневной действительности нужные движения и сценически их интерпретировать.

Также мы наблюдаем, что балетмейстерам следует хорошо знать специфику и возможности разных видов танца. Все танцевальные композиции и номера должны иметь сюжетную основу, отличаться развернутой драматургией и детальной разработкой темы и образов.

Сегодня, для самовыражения, раскрытия творческого потенциала в постановочной деятельности, для накопительного арсенала хореографа работают и авангардные направления, и традиционные выразительные средства.

Важно, чтобы при таком разнообразии и возможностях, балетмейстер чувствовал меру в выборе пластического языка, соблюдал единство формы и содержания, выдерживал стиль и, безусловно, имел свой «почерк», свой индивидуальный подход в решении поставленных задач.

Необходимо наблюдать жизнь — ведь она неисчерпаемый источник разнообразных тем для танцевальных номеров, балетных спектаклей. В окружающей действительности надо искать характеры и образы для хореографических произведений, посвященных нашим современникам.

Нужно более смело, творчески подходить к проблеме разработки хореографической темы и создания новых танцев. Больше пробовать, экспериментировать, опираясь на традиции и учитывая требования эпохи.

И, все же самое главное — это мировоззрение балетмейстера, его интеллект, культура, профессиональное мышление — художника, творца хореографического произведения.

Балетмейстер призван найти изобразительные и выразительные оригинальные, как пластические, так и пространственные решения, которые естественно и органично раскроют любую, выбранную и разработанную хореографическую тему.

Литература

1. Карпенко, В. Н. Хореографическое искусство и балетмейстер: Учебное пособие / В. Н. Карпенко, И. А. Карпенко, Ж. Багана. — М.: ИНФРА-М, 2015. — 192 с.

2. Смирнов, И. В. Искусство балетмейстера: учебное пособие для студентов культпросвет. фак. вузов культуры и искусств / И. В. Смирнов. — М. : Просвещение, 1986. — 192 с.