CC BY
99
УЧЕНЫЕ
ЗАПИСКИ
Ю.М. ТЮТЮНОВА, кандидат педагогических наук, доцент Орловского государственного университета
Тел. (4862) 55-44-96
К ВОПРОСУ ВЗАИМОСВЯЗИ ТЕОРИИ и ПРАКТИКИ В СОВРЕМЕННОЙ МЕТОДИКЕ ПРЕПОДАВАНИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА
В данной статье рассматриваются вопросы взаимосвязи теории и практики преподавания изобразительного искусства в высшей школе. При этом особый акцент делается на необходимости повышения роли профессионального тренинга в системе подготовки высококвалифицированного специалиста.
Ключевые слова: взаимосвязь теории и практики, современная методика преподавания изобразительного искусства, профессиональный тренинг.
Документальные и вещественные памятники изобразительного искусства убеждают нас в том, что величайшие художники разных эпох, стремясь к совершенствованию мастерства, обращались прежде всего к научным знаниям своего времени. Не случайно самый учёный из художников и самый творческий из учёных Леонардо да Винчи неоднократно указывал на огромную роль научной теории в практической деятельности: «Обучайся сначала науке, а затем обратись к практике, порождённой этой наукой»1. Эту же мысль развивает автор классических жизнеописаний выдающихся живописцев, ваятелей и зодчих Джорджо Вазари: «Но если случилось так, что практика сочетается с теорией, ибо ничего не может быть полезней для жизни, то, с одной стороны, искусство достигает при помощи науки большего совершенства, с другой -советы и писания учёных художников сами по себе более действенны и пользуются большим доверием, чем слова и дела тех, кто не знает ничего другого, кроме своих навыков, как бы хорошо или плохо ими ни владели»2. Из студенческого опыта особенно запоминается мысль Аннибале Карраччи, одного из основателей прославленной Болонской академии художеств, который считал, что мучительный путь исканий истины в работе художника можно легко преодолеть, зная заранее основные теоретические положения искусства: «Как жаль, что я не знал его (трактата Леонардо. - Ю.Т.) прежде. Он бы избавил меня от 20 лет опыта». Живописец и теоретик искусства Джошуа Рейнолдс писал: «Наше ис-
Однако большинство выпускников современных художественно-педагогических специальностей, к сожалению, мало задумываются над теоретическим обоснованием собственных творческих достижений. Часто, получив базовые навыки в специализированных учебных заведениях, далее они идут кружными путями проб и ошибок. Их «мучения в ис-
Ил.1. Стилизация фигур животных в знаки
© Ю.М. Тютюнова
кусстве» для широкого круга поклонников представляются актом иррациональным и доступным только «избранным» или «особо одарённым». Тем не менее, обращаясь к истории письменности, мы обнаруживаем, что люди раньше начали рисовать, чем писать (ил. 1). Сейчас никого не удивляет тот факт, что в школах всех учат писать, - это в порядке вещей. Обучение изобразительному искусству следовало бы приравнять к обучению письму и отводить таким урокам в учебных планах столько же часов. Мы убеждены в том, что научить рисовать можно каждого мыслящего и способного к самодисциплине человека. Другой вопрос, станет ли он впоследствии художником? Знания грамматики не гарантируют писательской или поэтической судьбы, зато характеризуют человека как образованного и культурного.
Общеобразовательному значению рисования немалое внимание уделяли выдающиеся мыслители прошлого. Среди них Жан Жак Руссо, Дени Дидро, Жак Луи Давид, Карл Маркс, Иоганн Генрих Песталоцци. Человека, не имеющего представлений об искусстве, сколь много бы он ни знал в прочих областях, нельзя назвать вполне культурным. Без изобразительной грамоты невозможно научиться понимать и оценивать произведения искусства, видеть их художественные достоинства. По этому поводу К. Маркс писал: «Если ты хочешь наслаждаться искусством, то ты должен быть художественно образованным человеком»4. Д. Дидро, считавший образование ключом к развитию личности, утверждал: «Образование придаёт человеку достоинство». Также он замечал: «Страна, в которой учили бы рисовать так, как учат читать, превзошла бы скоро все страны»5. С этим трудно не согласиться, поскольку прогрессивным представляется социум, в котором процветают науки и искусства, а человек живёт в гармонии с природой. Ж.Л. Давид видел в искусстве идеологическую базу для воспитания высокоорганизованного человека. И действительно, обучение искусствам и наукам в содружестве с воспитанием высоких идей до сих пор остаётся идеальной формулой просвещённого общества.
Ж.Ж. Руссо считал, что гармоничное развитие человека невозможно без познания им законов природы. В этом процессе он отводил существенную роль рисованию с натуры. По его мысли, каждому человеку необходимо заниматься искусством не ради искусства, а ради приобретения верного глаза, гибкой руки и тонкости чувств. Вторя англичанам с их «яблоком, которое каждому необходимо съесть самому», он считал личностный опыт восприятия более важным моментом в обу-
чении, чем копирование выполненных кем-то образцов.
И.Г. Песталоцци, по существу заложивший теоретическую базу для школьной методики изобразительного искусства, рекомендовал начинать рисовать раньше, чем писать (это естественно даже с позиций психофизиологии). И, размышляя об отсутствии стройной теории обучения искусствам, давал анализ этой ситуации следующим образом: «...многие из них (художников. - Ю.Т.) ценой длительных усилий ... достигали столь развитого чувства пропорции, которое делало для них излишним измерение предметов. Однако сколько было художников, почти столько же было различных средств у них, ни у кого из этих художников не было названия для своих средств, потому что никто из них не знал их определённо; поэтому они и не могли как следует сообщить эти средства своим ученикам, которые, стало быть, были в том же положении, что и их учителя. Они тоже должны были крайними усилиями и долгими упражнениями, но вновь собственными средствами, или, вернее, без всяких средств, добиваться результата своих учителей.. .Таким образом, искусство должно было оставаться в руках немногих счастливцев, имевших время и настроение возвыситься до этого чувства таким окольным путём; поэтому их искусство никогда нельзя было рассматривать как общечеловеческое дело, а притязания на его развитие - как общечеловеческое право. И всё же оно является таковым»6.
Аристотель находил необходимым обучать молодое поколение искусствам, делая акцент на их воспитательной функции. По его мысли, искусства возвышают чувства, воспитывают нравственность. И действительно, не имея определённых утилитарно-практических целей, искусство существует для совершенствования нравственной жизни людей. Не случайно Александр Македонский, отдавая дань уважения двум своим отцам - Филиппу биологическому и Аристотелю духовному, - говорил, что благодаря первому он живёт, а благодаря второму живёт достойно.
Теория и методы обучения рисованию передавались от цивилизации к цивилизации. Греки ездили учиться в Египет, итальянцы вновь открывали миру секреты греко-римского наследия, русские осваивали византийские каноны иконописи. К сожалению, до нас дошли лишь крупицы трудов древнегреческих художников-педагогов. Остаётся предполагать, какими методами руководствовались они в обучении подрастающего поколения, учитывая уникальный культурный пласт в виде непревзойдённых памятников искусства, которые
УЧЕНЫЕ ЗАПИСКИ
1>сш
Ил. 2. Ника Самофракийская
они оставили потомкам (ил. 2).
Средневековые мастера, безымянные в силу сложившихся общественных отношений, пытались вывести свои формулы обучения искусствам, но их труды, по выражению М.В. Алпатова, скорее напоминали поваренные книги, чем книги об искусстве. Не случайно самым «тёмным» в истории человечества нам представляется этот период, когда сознательно уничтожались или скрывались в монастырях «языческие» манускрипты Древнего Египта и Древней Греции. Культ монашества-рыцарства низвёл художника на одну из самых низких ступеней в иерархии социальной жизни. Не потому ли для нас утрачены учебники великих греческих художников-педагогов, секреты их мастерства, которые казались тогдашним идеологам ересями, а сейчас так многому могли бы научить современных художников?
Интересно, что, проанализировав место художника в общественной иерархии той или иной эпохи, можно сделать вывод об уровне развития цивилизации в целом: чем ниже социальный статус художника, тем более варварским и менее культурным является общество. Статус жреца-худож-ника в Древнем Египте и свободное положение грека-гражданина, равного среди равных, - всё
это, как известно, вызвало взлёт культур. Римская империя, ущемив права художника, лишила нас имён гениальных скульпторов-портретистов, возможно, и этим спровоцировав свой скорый закат? Средневековье представляется беспросветным, в то время как живительный воздух эпохи Возрождения вновь возвысил Личность, и в частности Художника, дав миру титанов Джотто ди Бондоне (1267-1337), Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Сандро Боттичелли (1445-1510), Альбрехта Дюрера (1471-1528).
Интерес к человеку прослеживается в произведениях искусства разных периодов. Идеальным человек предстаёт у греков - человек, равный богам и героям. Мастера Ренессанса (ил. 3) вслед за гениальными пращурами ищут каноны и модули в изображении человеческого тела. Искусство же очень талантливых, но, к сожалению, совершенно необразованных художников средневековой поры изображало человека по-детски, нарушая пропорции. Греческая классическая скульптура развивалась принципиально иначе, что вызвано безукоризненным знанием пластической анатомии и символическим, условным обращением к портретным характеристикам натуры. Вероятно, поэтому мы никогда не узнаем, как на самом деле вы-
?-7
Ил. 3. Леонардо да Винчи. Голова апостола Филиппа. Рисунок для фрески «Тайная вечеря»
ИСКУССТВОВЕДЕНИЕ
глядел легендарный Александр Великий, ибо дело художника того времени - гимн совершенству, а реальные люди, как известно, обладают множеством недостатков. К слову сказать, академисты ^Ш-Х1Х веков также придерживались тех же установок, полагая, что скрупулезно прорисованная натура оказывается совершенно непригодной для картин, следовательно, необходимо соблюдать меру, а формы натурщиков «выправлять» по Аполлону или Гераклу.
Небольшой историко-культурный экскурс наглядно показывает, что проблема адаптации натуры к замыслу художника существовала всегда. Не секрет, что региональные худграфы России в смысле обеспечения натурой находятся в самом бедственном положении: бюджет вузов не рассчитан на оплату услуг натурщиков, как это положено в специализированных учебных заведениях. Поэтому, как правило, демонстраторами пластических поз работают пенсионеры, безусловно, незаменимые в тематических портретах и жанровосюжетных заданиях, но малопригодные для обнажённых учебных постановок. В качестве обнажённых моделей видятся спортсмены, молодые стройные люди. Из-за низкой оплаты достаточно тяжёлого труда приглашать таких натурщиков не представляется возможным. И получается, что переход от гипсов к живой модели не даёт искомого результата. Попытка даже самого старательного студента найти только что изученные мышцы в натуре под «грузом нездорово прожитых лет» обречена на провал. Эстетика таких постановок более чем сомнительная: студенты как будто несут наказание за какую-то провинность. Естественно,
они не получают удовольствия от таких занятий. А что может воспитать в них педагог в таких усло-
виях? В лучшем случае - усидчивость, а в худшем -неприятие. К тому же часто один натурщик сопровождает группу на протяжении всех лет обучения, что также не способствует оптимизации учебного процесса. Вот и приходят на память советы академистов «выправлять» формы по греческим эталонам, приучая к красоте через античность (ил. 4).
В художественно-педагогической практике последних лет наблюдается спад студенческого интереса к профессиональному мастерству вообще и ремесленной практике в частности. Стремительно развивающийся технический прогресс создаёт для этого «благоприятные условия»: читальные залы пустуют, поскольку ответ на любой вопрос можно найти в Интернете, а с помощью плоттера быстро распечатать подготовительный фоторисунок-картон. Проблема заключается в том, что во Всемирной паутине иногда неожиданно для себя узнаёшь «доподлинные» сведения о том, что Лермонтов якобы стрелялся с Дантесом, а отсканированное и обработанное в Соге1 изображение фактически исключает профессиональную постановку глаза и руки - профессиональный тренинг по изобразительному искусству.
Интерес к академически кропотливому изучению натуры теряется. Если раньше для того чтобы не выглядеть «хуже других», надо было много рисовать и писать этюды, то теперь достаточно сфотографировать натуру, обработать изображение на компьютере - и. результат «налицо». Вновь оглянувшись назад, мы заметим: во все времена люди искали лёгких путей в обучении, в том числе и в обучении рисованию. Вспомним попытки использования различных приспособлений (ил. 5): камеры-обскура, прибора-завесы Леона Баттисты Альберти или метод Иосифа Шмидта, ученика Песталоцци (40-е годы XIX в.), когда сзади натуры располагался картон, разделённый на квадраты, стигмографическое рисование - рисование по сетке точек и т.п. В настоящее время место рам и камер заняли цифровые фотоаппараты и компьютеры. То, что люди, желающие быстрее и без особых затрат научиться рисовать, пытались усерд-
Ил. 4. П.П. Чистяков. Натурщик
Ил. 5. А. Дюрер. Перспективное рисование
ное изучение натуры модернизировать и ускорить, вполне объяснимо. Удивляет другое: как растиражированные кем-то шаблоны смогли увести современных студентов от поиска своего языка, пресловутого «я так вижу», на что не так давно пеняли художники-педагоги? Творческая мысль молодых художников находится сейчас не в «прокрустовом ложе традиции», а в обезличенной паутине. А это ничего общего с развитием творческого потенциала личности не имеет.
И всё же рисование с натуры в сочетании с изучением специальной литературы выдержало испытание временем и до сих пор является наиболее прогрессивным методом обучения изобразительному искусству.
Однако некоторые преподаватели, видя профессиональную беспомощность студентов, идут у них на поводу. Например, рекомендуют уменьшать формат рисунка. Мотивировка следующая: времени мало, и большой лист труднее обработать. В результате получается, что студенты старших курсов даже не выходят на формат А2. Небольшой по размерам, заштрихованный до краёв, но изначально неграмотно построенный рисунок, несмотря на всё усердие автора и количество потраченных зря времени и графита, лучше не станет. На наш взгляд, большие рисунки выполнять целесообразнее, поскольку в маленьком изображении легко не заметить большую ошибку. В большом же любая незначительная неточность очевидна. Вероятно, в академической практике надо добиваться от студентов не столько полной проработки тоном, сколько осознания и, следовательно, реализации поставленной педагогом задачи. Для профессионалов не является секретом тот факт, что с первых линий, проведённых карандашом по листу бумаги, легко можно предположить меру подготовленности студента, степень грамотности и уровень понимания.
Рисунок не случайно считается аналитическим методом познания действительности. По существу та же «гимнастика ума», только в зрительных и осязаемых образах. Как в учебной, так и в творческой работе надо опираться на разум. На занятиях прежде всего следует овладевать методикой профессиональной постановки глаза - «сознательного» зрения. Хрестоматийно высказывание Микеланджело, призывавшего рисовать не руками, а головой. Вышеупомянутый Дж. Рейнольдс также считал рисование «.приложением разума, а не рук»7.
Занятия рисунком, живописью и композицией открывают пути к вершинам искусства, развивают образное мышление, воспитывают художественный вкус. По существу художника формируют два взаимопроникающих процесса: ремесленная практика и теория творчества. Под первым мы
понимаем умение конструктивно и пластически, тонально и в цвете решать изображение на плоскости. Творчество представляется процессом саморазвития, когда потребность в повышении своего профессионального уровня - будь то обращение к специальной литературе или посещение музеев и выставочных залов - становится неотъемлемой чертой характера. Желание развиваться возникает в момент появления в сознании представлений о пока ещё недоступных возможностях. В этом большую роль играет личность художника-педагога, владеющего словом и делом, способного личным показом того или иного упражнения «зажечь» творческую искорку в каждом студенте. Образовательную и воспитательную функции методических рисунков, выполненных на глазах студентов не только грамотно, но и аккуратно и красиво, трудно переоценить.
Мыслитель-гуманист и педагог Ян Амос Комен-ский в своей «Великой дидактике», останавливаясь на роли и месте искусств в процессе образования, наряду с правильным их употреблением и разумным направлением также требовал частого в них упражнения. Но однообразные упражнения, тренируя какой-либо один навык, бывают интересны только на первых порах. Вскоре студенты оказываются во власти одного приёма, и, когда, скажем, штриховка начинает получаться и достигается определённый удобоваримый результат, наступает спад активности. Случается, что студенты, имеющие довузовскую художественную подготовку, в погоне за внешним эффектом из работы в работу тиражируют какой-либо удавшийся штамп -то ли эффектный затёк, то ли хлёсткую линию и т.п. Манерничанье ничего не даёт для аналитического изучения натуры. Писатель и естествоиспытатель, мыслитель и почётный член Петербургской Академии наук Иоганн Вольфганг Гёте называл манеру произволом искусства и призывал к научному познанию действительности. Замечено, что человек продуктивнее обучается в лишь моменты, когда происходит смена задач, их усложнение, присутствует некоторый «спортивный» интерес.
Вообще соревновательный элемент на занятиях создаёт атмосферу заинтересованности в процессе обучения. Ещё Леонардо, подогревая в молодых людях интерес к обучению, рекомендовал вводить в рутинные занятия игровой момент: нарисовать на стене линию и испытать свой глазомер, отломив от прутика часть, сверившись затем с натурой. Будучи прекрасным психологом, он также выступал за групповую форму проведения занятий, мотивируя это чувством здоровой профессиональной зависти, стремлением превзойти соучеников в мастерстве. Соревнование на
более точный рисунок, рисование на время, рисование на создание художественного образа и т.п. целесообразны и в настоящее время.
Известно, что в мастерских эпохи Возрождения ученик овладевал рисунком только в связи с композиционной работой. Последующее выделение рисунка в самостоятельную дисциплину произошло в момент становления академического образования. Педагогический опыт автора убеждает в том, что студенты со значительно большим воодушевлением работают над композиционно интересными сюжетными постановками. Также практика показывает, что краткосрочный тренинг в сочетании с изучением теории активизируют процесс обучения на всех этапах. Более того, независимо от уровня дотренинговой подготовки такие занятия полезны всем без исключения, поскольку расширяют границы уже известного и позволяют, избавляясь от штампов, развиваться дальше. Выполнение силуэтных, 2- и 3-тоновых, а также линейных набросков оптимизирует процессы восприятия (глаз), абстрагирования (мозг) и собственно изображения (рука).
Краткосрочное рисование в силу своей гибкости, широты диапазона использования изобразительных и композиционных средств позволяет быстрее увидеть и оценить результат, а разнообразие приёмов и материалов - искать более выразительное решение того или иного натурного мотива. И здесь необходимо некоторое разделение краткосрочных рисунков по цели, которую они должны достичь. К первой группе относятся наброски, выполняемые непосредственно для формирования необходимых технических навыков. Их целью является профессиональная постановка глаза (навыки восприятия) и руки (навыки изображения). Сюда можно отнести все сверхскорост-
боты кистью и т.п. Вторая же группа ставит своей целью развитие образного мышления (навыки абстрагирования), включая цветовые изображения, линейно-контурные пространственные рисунки и силуэтные изображения. И конечно, более всего стимулируют этот процесс композиционные эскизы, сюжетные наброски и зарисовки. Заметим, что, каким бы способом ни был выполнен набросок (линейный или силуэтный, 2- или 3-тоновый), взаимосвязь форм в изображении должна быть логичной: обобщённая форма обусловливает частную, в рисунке фигуры должны чувствоваться костяк и конструкция, пластика и образ натуры. Моделировать же пластику надо осторожно, не увлекаясь излишне деталями, акцентируя главное. Фигуру в пространстве необходимо «крепко» установить, найти ось равновесия, передать общий характер движения.
Для тренингового рисования в качестве натурщиков с удовольствием выступают сами студенты. Ограниченное время выполнения, смена задач, материалов и приёмов эффективно сказываются на формировании и развитии профессиональных качеств будущих художников. При этом замечено, что начало активного овладения технологически разными изображениями побуждает студентов к поиску дополнительной информации в теоретических источниках, способных дать высококвалифицированные ответы на возникающие вопросы. Чтобы больше знать и уметь, они знакомятся с трудами художников-педагогов, таких как Н.Н. Ростовцев, А.М. Серов, Г.В. Беда, Е.В. Шорохов, В.С. Кузин, Г.Б. Смирнов, А.А. Унковский, С.П. Ломов, Н.Я. Маслов, Н.Г. Ли, Н.П. Бесчастнов. Изобразительное искусство имеет свою азбуку, свои законы. Без настойчивого, ежедневного тренинга и постоянного обращения к теории даже самая совершенно выстроенная методика аудиторного обучения не даст искомого результата.
М., 1981. - С.106.
ные кроки, упражнения на овладение приёмами ра-
Примечания
1 Леонардо да Винчи. Книга о живописи. - М., 1934. - Стр. 95.
2 Альберти Леон Батиста. Десять книг о зодчестве. - М., 1937. Т. 2. - С. 3.
3 Мастера искусства об искусстве. - М., 1967. Т. 3. - С. 418.
4 Маркс К. и Энгельс Ф. Об искусстве. В 2-х т. - М., 1967. Т. 1. - С. 155.
5 Ростовцев Н.Н. История методов обучения рисованию: зарубежная школа рисунка.
6 Там же. - С. 144.
7 Там же. - С. 107.
YU.M.TYUTYUNOVA
THE PROBLEM OF INTERCONNECTION OF THEORY AND PRACTICAL TRAINING IN MODERN
METHODS OF TEARCHING FINE ARTS
The article treats the problem of interconnection of theory and practical studies in training highly qualified specialists of art faculties. The emphasis is made on special exercises based on a scientific approach.
Key words: interconnection of theory and practical studies, modern methods of teaching fine arts, professional training
