CC BY
74УДК 821.161.1.09 ББК 83.3(2)64-8,4
Межевитин Владимир Александрович,
режиссер, сценарист, искусствовед, член Союза журналистов РФ (г. Воронеж)
ВЫСОЦКИЙ. ТАГАНКА. ПОРТРЕТЫ...
(К юбилею поэта и актера)
Аннотация. В статье рассказывается о поэте и актере Владимире Высоцком и его друзьях, работавших с ним в театре.
Ключевые слова: бескомпромиссная позиция поэта, дружба, честь и совесть, служение сцене, поющая и страдающая душа, восторг и восхищение зрителей.
У Высоцкого юбилей - 80! В это трудно поверить, потому что ушел он из жизни в общем-то еще молодым человеком. И пусть случилось это без малого 40 лет назад, но фильмы с его участием продолжают идти на телеэкранах, являя нам запечатленный на пленках 60-70-х годов образ его - яркий, энергичный, невероятно талантливый.
Когда думаешь о нем, понимаешь, что сама дата ухода Владимира Высоцкого и причина этого ухода, - пожалуй, единственно несправедливая и ужасающая часть его истории. В остальном он - баловень судьбы, как говорится, «любимец муз и вдохновенья», сумевший взрастить и реализовать свой уникальный дар. Ну, в самом деле: родился в Москве. Выжил в страшной войне, не потеряв родителей. Юность и молодость пришлись на удивительное время послевоенного подъема страны, расцвета ее культуры и искусства. Закончив престижный театральный вуз (Школу-студию МХАТа), стал премьером популярнейшего в столице и в стране (известного на весь мир) Театра на Таганке. Снялся в тридцати картинах, среди которых были шедевры кинематографа, а он исполнял в них главные роли. При жизни поэта и артиста было выпущено более десяти пластинок с его песнями, а благодаря магнитофонам едва ли не весь репертуар Высоцкого был известен и любим не только у нас, а и за пределами СССР. Выступая с многочисленными концертами, он везде ощущал восторг и обожание поклонников своего таланта.
Сегодня в средствах массовой информации, ангажированных и напичканных антисоветизмом, общим местом стало поливать прошлое нашей страны грязью со всех сторон, переплетая в своих стенаниях были и небылицы, и, подобно карточному шулеру, затевать «игры»
с доверчивыми зрителями, манипулируя словесами по своему усмотрению, согласно «правилам» шулерской игры - представляя тех или иных героев прошлых лет (в том числе и Высоцкого) жертвами социалистического строя. Особняком стоят лишь отдельные мнения и редкие передачи, заставляющие, обращаясь к фактам, размышлять об увиденном трезво, без пропагандистского надрыва и спекуляций. Любопытную передачу показал недавно писатель Захар Прилепин на телеканале «НТВ», в которой осуществлена попытка увидеть биографию Владимира Высоцкого без экзальтированной конъюнктуры.
Автору этих строк, выросшему на песнях и фильмах любимого поэта и актера, видевшему почти все спектакли «Таганки» и некоторые их репетиции, хочется, отмечая юбилей Высоцкого, посвятить несколько журнальных страниц его близким театральным друзьям, ибо именно театру, как уверял сам Владимир Семенович, он был обязан своим становлением и творчеством.
[2241
СПЕКТАКЛЬ ПОСВЯЩАЯ ПОЭТУ
Вспоминая Владимира Высоцкого, мне хотелось бы рассказать об одном из дней, проведенных на «Таганке» (осенью 1991 г.), и нашей репетиции «Портрета Себастьяна Видаля» там. В тот день мы репетировали втроем. Актеры среднего поколения любимовского театра Игорь Штернберг и Любовь Селютина (едва ли не лучшая актриса «Таганки») были моими партнерами. Чтобы не мешать монтировщикам декораций готовить сцену для предстоящего спектакля, мы расположились в пустующей гримерке, обговаривая возможные мизансцены, подробности диалогов и характеров... На стене пестрели старые афиши, а из окна доносился шум проезжающих, вечно куда-то спешащих машин и людской гомон - привычные звуки городской улицы, голоса времени.
Иногда в дверном проеме гримерки, словно в цирковом аттракционе фокусника, неожиданно появлялись седеющие герои прежней «Таганки»: Золотухин, Трофимов, Шаповалов, Бортник, Щербаков, Межевич... А между ними - незнакомые молодые люди, актеры, видимо пришедшие в театр недавно. Их моложавые лица напоминали о непрекращающемся круговороте жизни, ее неустанном (и безжалостном) обновлении. «Что делать? - думалось мне. - Стареющих и сходящих с подмостков известных актеров рано или поздно должны будут сменить новые лицедеи, другие ищущие признания таланты. Смогут ли они добиться успеха поколения, создавшего знаменитый на весь мир театр -кто знает?»
Хорошо помню, как «под занавес» той нашей репетиции в руках Игоря Штернберга оказался уве-
систый черный конверт с принесенными из дома фотографиями спектаклей и концертов «Таганки» прошлых лет - сказочного и уже относительно далекого периода премьерства Высоцкого. Мы перебирали редкие снимки и внимательно вглядывались в них. Я видел, как погрузилась в свои мысли Люба, работавшая с Владимиром Высоцким вместе на таганковской сцене в одних с ним спектаклях, и как просветлело лицо Игоря, выросшего в семье, где Владимир Семенович, или просто Володя, был человеком желанным, родным и любимым. Отец Игоря - тоже актер, уважаемый корифей Театра на Таганке являлся одним из давнишних друзей прославленного барда и артиста.
Я расспрашивал Любу и Игоря о многом, в том числе и о скандальном спектакле памяти Высоцкого, поставленном впервые в 1981 (в годовщину его смерти), запрещаемом и в чем-то завершающем самый яркий этап былой «Таганки». И они охотно вспоминали о том, что в нем не было сцен из нашумевших прежде спектаклей и портретов Высоцкого, никаких киносюжетов с его участием. Весь смысл постановщиков действа заключался в создании образа поэта, артиста и певца не визуальными, а звуковыми средствами. О Высоцком должны были рассказать его удивительный голос и записанные на пленку песни.
Художник Давид Боровский для воплощения замысла режиссера Юрия Петровича Любимова придумал подвижную декорацию - установку из кресел партера, которую можно было вращать вдоль и поперек сценического пространства, поднимать вверх или опускать вниз, размещать по мере надобности под разными углами. Зачехленные и соединенные вместе стулья, приходившие в движение, тщетно искали Высоцкого, наталкиваясь всякий раз на его отсутствие. Ощущение оставленного, брошенного дома, образовавшейся жуткой пустоты было для Театра на Таганке невыносимо тягостным.
Эффект трагической опустошенности, в котором таинственно и одиноко звучал громоподобный и проникновенный голос Владимира Высоцкого, рождался из иллюзии, создаваемой всеми участниками спектакля. Друзья искали поэта и не могли найти, не могли больше увидеть, но его присутствие среди них было ощутимо как никогда. На шуточные и романтические песни барда (исполняемые актерами) Высоцкий отвечал монологами и балладами драматического, философского содержания и неимоверного накала. В одном эпизоде он вступил в диалог с Филатовым, в другом - на два голоса с Золотухиным исполнил разрывающую душу «Баньку».
сию
Спектакль многое поведал о Высоцком, его детстве, пришедшемся на войну, и времени послевоенном, в котором созревали личность и характер поэта, неслучайном выборе профессии и театра, его песнях, ставших в значительной степени выражением совести народа в великие и, конечно же, сложные, противоречивые годы нашей истории... Так уж случилось, что памятная постановка с последним «участием» Владимира Высоцкого подвела определенный итог не только в жизни «Таганки», но и всей страны. Очень скоро пришли иные времена, нравы и песни. Но и среди них сегодня продолжает камертоном звучать честный и неподражаемый голос поэта, его песни и стихи, а на «Таганке» (теперь уже той части, которую возглавляет Николай Губенко) продолжают работать его последователи, соратники, друзья. И это значит - все было не зря, судьба Высоцкого и его Театра продолжается.
МАРИНА ВЛАДИ.
ЖЕНЩИНА, СТАВШАЯ ЛЕГЕНДОЙ
Весной свой юбилей отметит и Марина Влади - героиня той самой нашумевшей «Колдуньи» (некогда популярнейшей во всем мире картины, где и увидел ее Владимир Высоцкий и с которой, может быть, началась их общая судьба)... Эта удивительная женщина стала музой нашего легендарного поэта, барда и артиста. Жизнь ее и творческая биография часто казались сказочными и необычайно притягательными. Но было в них и немало трагических испытаний. Преодолевала она их с завидной стойкостью и мудростью. Говорить о ней хочется вновь и вновь.
Она дочь русских эмигрантов, оказавшихся из-за Гражданской войны за пределами родины. Отец Марины Владимир Поляков - летчик, вынужденно сменивший в эмиграции несколько профессий, - был человеком талантливым, обаятельным и неунывающим, во многом определившим жизненный путь дочери, выбор ею творческой, актерской стези. Она сначала поступила в балетную школу парижской Оперы, а потом оказалась на съемочной площадке фильма «Летняя гроза» (1949), ставшего ее дебютом в кино.
Искренняя и обаятельная девочка, светлая и доброжелательная, взявшая псевдоним по имени своего отца, она снялась в нескольких итальянских картинах. В 1953 году к ней пришел первый большой успех. Молодая актриса ярко и незабываемо сыграла главную роль в фильме режиссера А. Кай-ата «Перед потопом». Среди разнообразных работ Марины Влади - своенравная итальянка Анджела в фильме режиссера Де Сантиса «Дни любви» (1954, Италия), лесная дикарка в фильме «Колдунья» (1956), мужественная участница Движения Сопротивления в фильме «Приговор» (1958). В 1963 за роль в фильме «Современная история» («Королева пчел», режиссер М. Феррери) Марина получила премию Международного кинофестиваля в Канне. В 1967 году она сыграла одну из главных ролей в фильме Ж.Л. Годара «Две или три вещи, которые я знаю о ней», в 1969 блеснула в фильме венгерского режиссера М. Янчо «Сирокко».
Летом 1967 года Марина Влади стала участницей V Международного кинофестиваля в Москве. Тогда же, в июле, произошла ее встреча с Владимиром Высоцким. Сначала она увидела его в спектакле Театра на Таганке «Пугачев», где он играл роль Хлопуши. Вот как она вспоминала о тех впечатлениях в своей книге «Владимир, или Прерванный полет»: «На сцене неистово кричит и бьется полураздетый человек. От пояса до плеч он обмотан цепями. Ощущение страшное. Сцена наклонена под углом к полу, и цепи, которые держат четыре человека, не только сковывают пленника, но и не дают ему упасть... Меня пригласили посмотреть репетицию «Пугачева», пообещав, что я увижу одного из самых удивительных исполнителей - некоего Владимира Высоцкого. Как и весь зал, я потрясена силой, отчаянием, необыкновенным голосом актера. Он играет так, что остальные действующие лица постепенно растворяются в тени. Все, кто был в зале, аплодируют стоя... Мы решаем провести остаток вечера у Макса Леона, корреспондента «Юманите». Он живет недалеко от центра... Как только мы приезжаем к Максу, ты берешь гитару. Меня поражает твой голос, твоя сила, твой крик. И еще то, что ты сидишь
¡яи
у моих ног и поешь для меня одной. Постепенно я начинаю постигать смысл, горький юмор и глубину твоих песен. Ты объясняешь мне, что театр -твое ремесло, а поэзия - твоя страсть. И тут же, безо всякого перехода говоришь, что давно любишь меня...
Проходит время. Сначала я получаю нежное письмо из Москвы. Потом, как раз когда я размышляю над тем, что со мной происходит и почему мне так тоскливо, телефонный звонок обрывает мои невеселые раздумья. Это ты. Я слышу теплый тембр твоего голоса и русский язык, напоминающий мне об отце, которого я обожала, - и от всего этого у меня ком в горле. После разговора я кладу трубку и реву. «Ты влюблена, моя девочка», - говорит мама. Я стараюсь найти другое объяснение - много работы, устала, но в глубине души понимаю, что она права: я жду не дождусь встречи с тобой...»
Вскоре стало ясно, что судьба свяжет их на несколько лет, вплоть до самой смерти поэта. Развитию отношений помог фильм Сергея Юткевича «Сюжет для небольшого рассказа», в котором Марина Влади сыграет Лику Мизинову, а период съемок, длившихся несколько месяцев, станет началом романа двух легендарных личностей, их любви. В их совместной жизни будет всякое: радость и счастье общения, трудности бытия, испытания и отчаяние. Но в последнем стихотворении Высоцкого, адресованном ей, которое она найдет уже после его кончины, будут такие слова:
...Мне меньше полувека - сорок с лишним, -Я жив, двенадцать лет тобой и Господом храним. Мне есть что спеть, представ перед Всевышним, Мне есть чем оправдаться перед ним.
Она напишет о своей любви, времени, проведенном с любимым человеком, своей жизни и друзьях замечательную книгу, трепетную и вдохновенную. Сделает по этой книге пронзительный спектакль. Будет показывать его не только во Франции, но и в России. В общем, собравшись с силами, будет как-то жить и даже иногда сниматься в кино, которое она забросила в годы своей «русской любви»...
Всего же ее творческая биография насчитывает более 100 кинокартин, несколько спектаклей, сыгранных на сценах парижских театров, несколько книг. Говорить о ней хочется всегда с любовью и благодарностью, с признательностью и восхищением.
НИКОЛАЙ ГУБЕНКО
Он из поколения сирот военных и послевоенных лет, времени Великой Победы (над фашистской Европой), доставшейся нам огромной ценой; времени удивительного взлета науки,
С2гП
промышленности, искусства; из поколения, в котором талант и творчество почитались выше денег, а Совесть, Честность и Дружба были для многих необходимыми ценностями жизни... За честность, совестливость и надежность, за безусловный актерский и режиссерский талант уважал своего друга Николая Губенко Владимир Высоцкий.
Губенко родился в Одессе в августе 1941-го, когда отец уже был на фронте, где вскоре и погиб. После смерти матери, которую повесили фашисты, мальчик оказался в детском доме, а потом в интернате. Здесь и прошел он суровую школу становления характера, воли, души. На всю дальнейшую жизнь он остался благодарен учителям, изо всех сил старавшимся вложить в своих воспитанников не только знания, но и лучшие качества человека: доброту, справедливость, любовь.
После интерната Николай Губенко поступил во ВГИК к легендарному режиссеру и педагогу Сергею Герасимову, который вместе со своей женой Тамарой Макаровой внес огромный вклад в становление личности будущего актера и режиссера. Первые же работы Губенко в кино и театре обнаружили его удивительный артистический талант, а снятые им фильмы заявили о появлении в кинематографе тонкого, проникновенного и незабываемого Художника.
Дебют его на экране состоялся в 1965 году в нашумевшей картине Марлена Хуциева «Мне двадцать лет». Затем последовали не менее яркие и запоминающиеся работы в фильмах «Последний жулик», «Первый курьер», «Пароль не нужен», «Директор», «Прошу слова», «Они сражались за Родину». Колоритные, страстные, целеустремленные характеры, которые отличали внешняя выразительность, редкостный темперамент и открытость с завидной психологической глубиной, стали «визитной карточкой» молодого артиста.
Режиссерские работы Николая Губенко в кино: «Пришел солдат с фронта» (1972, сценарий Василия Шукшина), «Подранки» (1977), «Из жизни отдыхающих» (1981), «И жизнь, и слезы, и любовь» (1984), «Запретная зона» (1988) - снятые по собственным сценариям - сделали его классиком отечественного и мирового кинематографа, принесли ему множество наград и премий.
Параллельно с кинематографом все эти годы (с некоторыми перерывами) ярко и насыщенно проходила и театральная деятельность артиста. В Театре на Таганке он вышел на сцену в 1964 году и сразу же заявил о себе как об одном из самых главных исполнителей. Его пластика, невероятная энергия и музыкальность сделали Николая Губенко безусловным лидером знаменитого театра. Отношение Губенко к профессии наглядно характеризовал факт посещения им уроков циркового училища, где актер в течение нескольких месяцев занимался акробатикой и жонглированием, добиваясь поставленной перед собой цели.
Среди ролей, сыгранных им на Таганке, особо запомнились: Янг Сун («Добрый человек из Сезуана» Б. Брехта), Печорин («Герой нашего времени» по М.Ю. Лермонтову), Керенский («Десять дней, которые потрясли мир» по Дж. Риду), Гитлер («Павшие и живые» по стихотворениям военных лет), Пугачев («Пугачев» по С.А. Есенину), Борис Годунов («Борис Годунов» А.С. Пушкина). Как режиссер он поставил «Послушайте!» по произведениям В.В. Маяковского в 1987 году.
Авторитет Николая Губенко в профессиональных кругах был столь велик, что в 1988 году ему предложили стать министром культуры СССР. В этой должности он оставался вплоть до 1991 года. После разделения любимовского театра Губенко в 1993 году стал художественным руководителем «Содружества актеров Таганки». В первом спектакле театра - «Чайка» А.П. Чехова - сыграл Триго-
□2Ю
рина. Поставил: «Белые столбы» по М.Е. Салтыкову-Щедрину (1994), «Иванов» Чехова (1997, роль Иванова), «Не плачьте вслед» по В.С. Высоцкому (1998), «Афган» (1999, сценическая композиция Губенко), «В.В.С. (Высоцкий Владимир Семенович)» (2000, сценическая композиция по произведениям Высоцкого). В этом году Николаю Николаевичу исполнится 77 лет. Он по-прежнему выходит на сцену и сохраняет в себе силы для новых творческих планов. Хотелось бы, чтобы они осуществились. Этого искренне хотят его зрители, поклонники и друзья.
ВАЛЕРИЙ ЗОЛОТУХИН
Он приехал в Москву из далекой алтайской деревни, преодолев тяжелую болезнь, сомнения близких и трудности окружающей его действительности. Сатиновые штаны, безденежье и негероическая внешность не помешали Валерию Золотухину стать героем одного из лучших театров страны, любимым артистом отечественного кинематографа и писателем, чьи книги давно пользуются заслуженным спросом... В одной из анкет 60-х годов Владимир Высоцкий назвал его своим лучшим другом.
Сценическая жизнь актера на «Таганке» началась в 1964 году, когда Валерий Золотухин увидел «Доброго человека из Сезуана» в постановке Юрия Любимова. Спектакль произвел на него огромное впечатление, и молодой артист дал себе слово, что будет работать в любимовском коллективе на любых ролях. Вместе с женой Ниной Шацкой (бывшей однокурсницей по ГИТИСу) они показались Юрию Петровичу Любимову и были приняты в только что открывшийся театр.
В спектаклях «Таганки» тогда остро зазвучала тема свободолюбивой личности, тема вольницы, возникшей на волне послевоенного времени - тех лет, когда страна, восстановившись после страшных потерь, обратилась к Человеку, его внутреннему миру, его надеждам, сомнениям и мечтам... Героями этих спектаклей становились люди, обретающие свой голос и свое лицо, пытающиеся противостоять возникающим вокруг (а, в общем-то, вечным) проблемам человеческой несостоятельности, приспособленчеству, лицемерию.
Стремясь к созданию синтетического спектакля новой неожиданной формы, режиссер (как уверяли театральные специалисты) вместе с тем оставался на почве драматического театра, постепенно расширяя его пространство, возможности его выразительных средств. В творчестве Юрия Любимова общественно-политическая направленность, эстетика политического уличного театра сочетались с
исследованиями нравственных и психологических коллизий и с лирической поэтической темой.
Нравственная философская проблематика Пушкина, Гоголя, Достоевского, Чехова, Горького, Булгакова, а затем и современных писателей: Мо-жаева, Быкова, Абрамова, Васильева, Трифонова -серьезно исследовалась режиссером в свете насущных общественно-политических вопросов, в связи с проблемой насилия, взаимоотношения власти и народа, разложения общества, теряющего свои идеалы.
Молодой актер Валерий Золотухин, обладающий запоминающимся голосом, музыкальностью, пластичностью, открытостью и завидной работоспособностью, вскоре выдвинулся в число лучших артистов «Таганки». Узнали и полюбили его зрители и за блестящие работы в кино, которые, впрочем, никогда не мешали его театральной деятельности, считающейся им приоритетной.
Событиями театральной Москвы становились едва ли не все спектакли «Таганки», где Золотухин запомнился своими ролями в таких постановках, как: «Добрый человек из Сезуана» (Ванг), «Десять дней, которые потрясли мир» (Братишка), «Мать» (Находка), «Что делать?» (Лопухов), «Товарищ, верь!..» (Пушкин), «Дом на набережной» (Глебов), «Герой нашего времени» (Грушницкий), «Борис Годунов» (Самозванец), «Живой» (Кузькин), «Доктор Живаго» (Живаго), «Медея» (Креонт), «Шарашка» (Прянчиков), «Марат и маркиз де Сад» (маркиз де Сад). Запомнился Валерий Золотухин и в спектаклях Анатолия Эфроса, где он сыграл Ваську Пепла в «На дне», Альцеста в «Мизантропе», Петю Трофимова в «Вишневом саде». В Театре Советской армии, куда Золотухина пригласили в спектакль «Павел I», он, заменив заболевшего Олега Борисо-
[2291
Валерий Золотухин и Юрий Любимов
ва, со свойственным ему темпераментом и азартом выступил в главной роли. Он также много концертировал, охотно пел и читал стихи на самых разных сценах.
В кино Валерий Золотухин полюбился зрителям с первых своих фильмов: «Пакет» (1965, Петька), «Хозяин тайги», «Пропажа свидетеля» (участковый Сережкин), «Бумбараш», «О тех, кого помню и люблю» (Васильев), «Царевич Проша» (Лутоня), «Единственная» (Касаткин), «Сказ про то, как царь Петр арапа женил» (Филька), «Весна двадцать девятого» (Григорий Гай). Среди многих других картин Золотухина хотелось бы упомянуть «Маленькие трагедии», где он блеснул в роли Моцарта, а также «Цветы запоздалые», «Салют, Мария!», «Предварительное расследование», «Средь бела дня», «О друзьях-товарищах», «На всю оставшуюся жизнь». Во всех этих работах актера отличали удивительная органика, легкость и пластичность, юмор, психологические тонкости в создании того или иного образа. Зачастую он воплощал на экране подлинно народные характеры, порою близкие фольклорным. В некоторых фильмах Золотухин исполнял народные песни, проникновенные и пронзительные.
Валерий Сергеевич Золотухин последние годы своей жизни отдавал не только Театру на Таганке и кинематографу, но и помогал восстанавливать церковь в своей родной деревне на Алтае. Шефствовал над театром в Барнауле, выпустил там курс молодых актеров. Осуществлял художественное руководство, всеми силами способствуя развитию театральной жизни целого региона.
В 1981 году актер был удостоен звания заслуженного артиста РСФСР, а в 1988 году Валерий Золотухин стал народным артистом России. Был он и членом Союза писателей, запомнившись нам своими замечательными книгами: «На Исток-речушку к детству моему», «Печаль и смех моих крылечек»,
«Дребезги», «Все в жертву памяти твоей.», «Мой Эфрос», «На плахе Таганки», «От Живого к Живаго», «Таганский дневник». Немало страниц в них посвящено Владимиру Высоцкому.
Все, созданное этим самобытным и ярким человеком, останется с нами как свидетельство Великой советской эпохи, во многом способствовавшей появлению уникальных талантов, рожденных в глубине России, - нашей удивительной Родины.
АЛЛА ДЕМИДОВА
Не принятая в театральное училище после школы из-за плохой дикции, Алла Демидова все-таки поступила на актерский, пройдя уроки университетского театра МГУ, которым руководил Ролан Быков. После окончания экономического факультета московского университета (где она и преподавала некоторое время) были Щукинское училище, легендарная «Таганка», работы во многих кинофильмах, спектаклях и передачах на телевидении. Эпоха взлета отечественного искусства подарила актрисе возможность пробовать себя в самых разных ролях и проявлениях, а зрителям - увидеть ее впечатляющий талант.
Первыми работами в Театре на Таганке стали: госпожа Янг («Добрый человек из Сезуана»), Вера («Герой нашего времени»), Эльмира («Тартюф»), Боженская («Час пик»). Она запомнилась в поэтических представлениях «Антимиры», «Павшие и живые» по стихотворениям военных лет, в спектакле «Десять дней, которые потрясли мир». Яркая артистичность Демидовой проявилась в ролях Гертруды («Гамлет») и матери Раскольникова
Алла Демидова
С23Ю
(«Преступление и наказание»). Убедительное владение средствами внешнего и внутреннего перевоплощения позволило Алле Демидовой сыграть проникновенные роли старой крестьянки Василисы Милентьевны («Деревянные кони») и Кабанихи («Бенефис»). Этапными работами оказались роли в спектаклях по пьесам А.П. Чехова: Раневская («Вишневый сад») и Маша («Три сестры»). Эти образы сочетали в себе интеллектуальное начало с эмоциональностью и драматизмом. С неизменным успехом Демидова исполняла роли современные и классические, окрашивая их благородством, строгим изяществом и утонченностью: Марина Мнишек («Борис Годунов»), роли в спектаклях «Владимир Высоцкий», «Пир во время чумы»... Актриса умело использовала широкий диапазон театральных средств: тонкий психологизм - Элина («Прекрасное воскресенье для пикника»), яркую характерность и гротеск - жена Мокинпотта («О том, как господин Мокинпотт от своих злосчастий избавился»), пластику, пантомиму, элементы балета - Фе-дра («Федра»). В 1993 году Алла Сергеевна создала театр «А», где сыграла Медею («Медея») и Электру («Электра»). В 80-90-х годах читатели с интересом познакомились с книгами Аллы Демидовой: «Вторая реальность, «Владимир Высоцкий, каким знаю и люблю», «А скажите, Иннокентий Михайлович...», «Тени зазеркалья», «Бегущая строка памяти», - свидетельствующими о литературном даровании автора. В 2004 году вышла ее книга «Ах-матовские зеркала».
В кино Алла Демидова дебютировала в 1957 году (Студентка - «Ленинградская симфония»). Роль поэтессы Ольги Берггольц («Дневные звезды», 1968) в ее исполнении стала лирическим размышлением о долге художника перед временем и страной. Темы творчества и поиска смысла человеческого существования нашли продолжение в ролях Леси Украинки («Иду к тебе», 1972), Актрисы («Визит вежливости», 1973), в фильмах «Ты и я», «Повесть о неизвестном актере», «Бегство мистера Мак-Кинли» (Государственная премия СССР, 1977). Искусство Демидовой всегда подкупало вдохновенным профессионализмом, лишенной кокетства грацией, интеллигентностью, чувством современности. Зрителям запомнились образы, созданные актрисой во многих фильмах: лидера левых эсеров Марии Спиридоновой («Шестое июля), Жени («Степень риска»), Лизы («Зеркало»), Пашеньки («Отец Сергий»), матери Лиды («Звездопад»), Лизы («Живой труп»), Аркадиной («Чайка»), Катлины («Легенда о Тиле»), Комиссара («Служили два товарища»), Юлии фон Мекк («Чайковский»), Яны («Выбор цели»), Колдуньи («Аленький цвето-
чек»), Герцогини Мальборо («Стакан воды»). Памятны ее работы в картинах: «Щит и меч», «Стюардесса», «Вся королевская рать», в блистательной телепостановке «Дети солнца».
В последнее время Аллу Демидову можно увидеть в музыкальных программах, где она читает стихи и прозу, в спектаклях зарубежных режиссеров. Она по-прежнему радует нас взыскательностью, многогранным талантом и безупречным вкусом личности, открывающей зрителю подлинно высокое искусство, личности, искусству преданной всей душой.
ЛЕОНИД ФИЛАТОВ
Леонид Алексеевич Филатов родился в декабре 1946 года в Казани. Отец его был геологом, и поэтому семье приходилось часто переезжать с места на место. Но в начале 50-х Филатовы обосновались в Ашхабаде, ставшем для Леонида городом детства. Здесь он пошел в первый класс, отсюда же уехал покорять Москву... Придя в Театр на Таганке, он более десяти лет будет партнером и товарищем Владимира Высоцкого.
Послевоенный многонациональный Ашхабад бурлил страстями, в которых подростки из разных районов выясняли отношения между собой. В дворовых войнах приходилось участвовать и Леониду. Однако активная уличная жизнь с ее юношескими атрибутами - «разборками» и драками - сочеталась у будущей знаменитости с любовью к поэзии (многое из Пушкина Филатов знал наизусть) и заняти-
Г23Л
ями в школьном драмкружке. С 12 лет Леня стал печататься в газете «Комсомолец Туркменистана». Спросом пользовались его басни. Позднее пробовал Филатов писать прозу и стихи, заниматься переводами. Получив аттестат зрелости, Леонид с группой одноклассников отправился в столицу поступать во ВГИК на режиссерский. Однако для зачисления на желанный факультет требовались трудовой стаж и соответствующее направление, которых у него не было. Кто-то из поступавших в щукинское училище друзей уговорил Филатова сдавать экзамены на актерский, и, чтобы не возвращаться домой, Леонид согласился.
Преодолев жесткий отбор, он поступил на курс Веры Константиновны Львовой. Среди его однокурсников были: Александр Кайдановский и Нина Русланова, Иван Дыховичный, Владимир Качан, Борис Галкин. В училище литературные опыты Леонида Филатова приобрели профессиональное качество и вскоре оказались востребованными. Повсеместно зазвучали песни на его стихи, пьесы же пошли сначала на студенческой сцене, а потом и на телевидении.
После окончания «Щуки» молодой многообещающий актер был принят в легендарный Театр на Таганке. Постепенно к нему приходят главные роли в таких спектаклях, как: «Дом на набережной», «Обмен», «Товарищ, верь!..», «Час пик», «Пугачев», «Гамлет», «Мастер и Маргарита», «Что делать?», «Маленькие трагедии», «Борис Годунов», «Чайка», а также «Игроки» (в антрепризе)...
Всенародным любимцем Леонид Филатов стал благодаря телевидению уже в середине 70-х годов. Телевизионные постановки режиссера Сергея Евлахишвили: «Мартин Иден», «Кошка на радиаторе», «Часы с кукушкой», «Осторожно, ремонт!» (в последних трех актер являлся и автором сценария), а также «Любовь Яровая», «Воспитание чувств», «Капитанская дочка» - сделали Филатова известным на весь Советский Союз. Интеллект и юмор артиста, искрометный талант, удивительная пластика, взрывной темперамент снискали ему славу героя нового времени - утонченного и рефлексирующего, загадочного и чрезвычайно обаятельного даже в отрицательных ролях.
Телевизионную эстафету подхватил кинематограф. Взлет актера в советском кино был фантастическим. С 1980 по 1984 год он снялся в 16 фильмах! Особенно запомнились: «Экипаж», «С вечера до полудня», «Женщины шутят всерьез», «Голос», «Грачи», «Успех», «Соучастники», «Избранные», «Из жизни начальника уголовного розыска». Во второй половине 80-х зрители увидели артиста в картинах: «Забытая мелодия для флейты», «Загон»,
«Город Зеро», «Шаг»... Съемки он сочетал с интенсивной работой на сцене. Накануне своего 50-летия Леонид Филатов был удостоен звания народного артиста России.
От скандалов и конфликтов Театра на Таганке, раздробивших (на заре рыночных отношений) некогда сплоченный коллектив, Филатов уходит сначала в кино: как режиссер снимает фильм «Сукины дети», а потом на телевидение, где становится автором и ведущим популярной и, главное, проникновенной и необходимой передачи «Чтобы помнили». Тогда же пошатнувшееся здоровье обрекает его на мучительное существование и борьбу за жизнь уже не на сцене и экране, а в суровой действительности.
Тяжелую болезнь почек, инсульт, реанимации, сложнейшую операцию пришлось перенести Леониду Алексеевичу в течение 10 последних лет своей жизни. Несмотря на все тяготы, он продолжал работать - делать программу, писать стихи и прозу. Более десятка книг вышло из-под его пера. Во многих театрах России ставили его остроумную блестящую пьесу «Про Федота-стрельца, удалого молодца», а также и другие. Труд Филатова - воистину героический - был отмечен рядом престижных национальных премий, признанием коллег, читателей и зрителей...
В интервью тех последних лет он с болью и раскаяньем говорил о конфликте театра с Анатолием Эфросом, а потом и с Юрием Любимовым. Многое испытавший, заглядывающий в своих передачах в судьбы ушедших, в пропасть забвения и смерть, Леонид Филатов остро ощутил, как хрупка и коротка жизнь, как часто мы бываем несправедливы друг к другу, к нашему прошлому и настоящему. Понимая это, он продолжал проявлять себя на телевидении и в литературе. Словно бы обращаясь к нам, говорил вновь и вновь: будьте добрее и терпеливее, мудрее и благодарнее; цените жизнь свою и своих близких, своих современников!.. Хорошо было бы всем нам жить именно так.
АНАТОЛИЙ ЭФРОС
Не так давно на канале «Культура» был показан фильм Анатолия Васильевича Эфроса «В четверг и больше никогда» с великолепными актерскими работами Олега Даля, Иннокентия Смоктуновского, Любови Добржанской, Веры Глаголевой... Показ картины был посвящен 20-летию его ухода из жизни. За кадром все время незримо присутствовал режиссер - выдающийся мастер, чуждый эпатажа, тщеславия и кичливости - качеств, столь присущих нашему сегодняшнему времени. С Высоцким Эфроса свя-
С232 )
зывали проникновенный спектакль «Вишневый сад», поставленный на «Таганке» в 1975 году, и радиоспектакли по «Незнакомке» А. Блока и «Мартину Идену» Д. Лондона, замечательное сотворчество и взаимоуважение.
Известность Анатолию Эфросу принесли его работы на телевидении. Телевизионные постановки «Героя нашего времени» Лермонтова, «Островов в океане» Хемингуэя, «Месяца в деревне» Тургенева, «Ромео и Джульетты» Шекспира дали возможность познакомиться с удивительным художником многим отечественным зрителям. Те снятые на пленку эфросовские спектакли 70-80-х годов, неожиданные и утонченные, иногда парадоксальные, но всегда необычайно талантливые и запоминающиеся, явились частью опытов и достижений театрального постановщика, получившего признание в нашей стране и за рубежом...
Свою режиссерскую деятельность Анатолий Эфрос начал еще в 1951 году по окончании ГИТИСа (курс Н.В. Петрова и М.О. Кнебель). Первые спектакли ему довелось поставить в рязанском театре, а с 1954-го по 1967 год он был режиссером Центрального детского театра и «Ленкома» в Москве. Там, в ЦДТ и Театре им. Ленинского комсомола, Эфрос проявил себя как последовательный и убежденный сторонник искусства «переживания», настойчиво стремясь в своих постановках к достоверной образности, уделяя внимание тщательной разработке человеческих характеров, совершенствуя собственный художественный метод, продолжающий лучшие традиции русского театра.
Важное место в раннем творчестве режиссера занимала тема формирования личности молодого современника, что было естественно для репертуара ЦДТ и «Ленкома» тех лет. Пьесы Розова, Арбузова, Рощина, Хмелика, а затем и Радзинского часто оказывались предметом исследования Эфроса и его актеров. Впрочем, и тогда, в 50-е и 60-е годы, режиссера интересовала наряду с современной драматургией и классика. «Чайка» Чехова, «Борис Годунов» Пушкина, «Женитьба» Гоголя, «Мольер» Булгакова и другие классические пьесы занимали видное место в послужном списке Анатолия Эфроса тех лет и (тем более) позже - в театре на Малой Бронной, куда Анатолий Васильевич перешел с группой артистов-сподвижников (Яковлевой, Ширвиндтом, Дуровым, Дмитриевой...) и где поставил, может быть, самые удачные спектакли.
Режиссер, видимо, чувствуя, что ему отпущен недолгий век, торопился сделать как можно больше. Спектакли на радио и телевидении, постановки на сценах разных театров и даже в кино красноречиво иллюстрировали записи в эфросовских дневниках: «успеть... успеть... успеть!»
Он успеет многое, но последние годы жизни будут очень тяжелыми для Эфроса. Театр на Таганке, в котором Анатолий Васильевич поставит несколько завершающих биографию спектаклей, его в качестве нового художественного руководителя (вместо Юрия Любимова) не примет. Противостояние «Таганки» Анатолию Эфросу, несмотря на успешный «Вишневый сад» и обнадеживающий вариант «На дне», будет продолжаться до самой смерти Мастера в 1987 году. И, кажется, только после его ухода наступит прозрение и осознание театром величины утраты. Осознание несправедливого отторжения художника, желавшего вернуть на сцену «несуетную тишину и углубленность»...
Режиссер убеждал актеров искать смысл не столько в написанных словах роли, сколько между и
- дальше. Под смыслом Эфрос разумел не интригу, не фабулу, не примитивную логику, а высшую точку психофизического состояния человека, растянутую «в сложную кривую эмоциональных перепадов»... Он очень любил джаз, индивидуальное мастерство ценил необычайно, но еще больше ценил ансамбль
- то сочетание разных голосов в единой теме, которым в совершенстве владеют музыканты-виртуозы. Напутствуя артистов, он призывал их играть как джазовые мастера, легко импровизируя, но в границах «нежности». Анатолий Васильевич много вкладывал в это немодное слово - «нежность».
Где бы ни репетировал режиссер Эфрос, он добивался от исполнителей способности понимать партнера больше, чем себя, настаивал на сверхчут-
сию
ком взаимодействии, «психологическом проникновении друг в друга», обоюдном уважении. Просил, чтобы логика была нежной, краски - чистыми, разговор - простодушным. Эфросу последних лет органически была противна всякая шумиха, театральщина на сцене, так называемая «острота новых форм». Он через все это давно прошел и оставил позади. Фразу «Все искусства хороши, кроме скучного» считал пошлейшей. Говорил о том, что скучно может быть только неразвитой душе, не научившейся чувствовать и трудиться...
Его путь в творчестве начинался в 1950 году, когда ему было 25. Хочется надеяться, что он продолжается и сегодня, после смерти Мастера (в 1987). Продолжается в его учениках, друзьях и книгах, в его работах, оставшихся на пленках и в нашей памяти.
ЛЮБОВЬ СЕЛЮТИНА
Удивительной кажется судьба этой актрисы на театральном поприще. Она пришла в Театр на Таганке в первой половине 70-х после окончания щепкинского училища (курс М. Царева), незабываемо заявив о себе в целом ряде люби-мовских постановок. В одном из последних пронзительных спектаклей с участием Владимира Высоцкого (в роли Свидригайлова) «Преступление и наказание» (по роману Ф.М. Достоевского) Любовь Селютина тонко и неподражаемо сыграла Соню Мармеладову. В новой интерпретации Юрия Любимова «Доброго человека из Сезуана» народная артистка России Селютина исполняла роли Владимира Высоцкого (!)... О ее работе в спектакле «Медея», где когда-то хотел участвовать и Высоцкий, хочется сказать несколько слов.
Эта знаменитая трагедия Еврипида, имеющая мифологические корни, была впервые показана на сцене в 431 году до нашей эры. Среди 18 уцелевших (из 92) творений легендарного греческого поэта, драматурга и философа «Медее» принадлежит особое место, ибо именно ей удалось сохраниться до наших времен, оставаясь актуальной и весьма востребованной. История женщины, оказавшейся из-за неразделенной любви, ревности и мести в эпицентре событий, волновавшая человечество многие сотни лет, продолжает оставаться, судя по многолетним аншлагам Театра на Таганке, современной и по сей день. Впрочем, пьеса Еврипида сегодняшним успехом на таганковских подмостках обязана во многом ее постановщикам и исполнительнице главной роли - Любови Селютиной, всякий раз сжигающей себя на театральной сцене.
ш
Любовь Селютина
Репетиции «Медеи» начал Юрий Петрович Любимов зимой 1995 года сразу же по получении им послания Иосифа Бродского со стихами и комментариями к пьесе. Чтением труппе того памятного письма открыл режиссер «Таганки» работу над постановкой (вместе с художником Давидом Боровским) еврипидовской трагедии. «Дорогой Юрий Петрович! - сообщал Бродский. - Посылаю вам хоры. Читать их актеры должны методом чересполосицы, хотя некоторые из них - сольные номера... Эпилога я вам не написал. Думаю, что он и не нужен. «Медея» - не басня, и если у Еврипида нет морали, то и у нас не должно быть... Хоры я переделал, а основной текст (в переводе Иннокентия Анненского), по-моему, чрезвычайно хорош, и трогать его не надо. Если бы пьесу ставил я, я сделал бы ее всю черно-белой, а последнюю сцену появления Медеи с грифонами - ярко-красной... Я знаю, что в театре теперь главное - режиссер, а не автор. Тем не менее, как частичный подельник Еврипида, думаю, что пьеса в особых ухищрениях не нуждается. Хорошо бы обойтись минимальной геометрией и коринфским мотивом (архитектурным) в костюмах. Особенно хору: чистая вертикальная линия в одежде плюс эхо коринфской капители в прическе. Вообще, хор можно сделать этакими колоннами: двигаться ему особенно не следует, разве что - в пятом стасиме...»
Следуя этим и некоторым другим пожеланиям Бродского, во многом совпадающим с ощущениями режиссера и художника, Любимов и Боровский решили постановку достаточно лаконично и монохромно, избегая (как просил Иосиф Александрович) чрезмерной экстравагантности и пестроты. На светлом фоне декораций и костюмов персонажей лишь черные одежды Медеи были подчеркнуто контрастны и зловещи, оттеняя ее характер, поступки,
□3С
сверхзадачу роли, неся на себе предчувствие жуткого финала действа. Музыка композитора спектакля Эдисона Денисова, как и хотели Любимов с Бродским, создала необходимую атмосферу, привнеся в нее то самое «погромыхивающее приближение ужаса», надвигающегося со сцены на зрительный зал.
Еврипидовскую версию «Таганки» предваряла медитация, в которую погружались актеры за несколько минут до начала спектакля. На глазах рассаживающихся по местам зрителей участники представления словно бы растворялись в прошлом, отрешаясь от всего малозначительного и наносного, одновременно настраивая на серьезный диалог и пришедшую к ним аудиторию.
Выбор исполнительницы на главную роль трагедии - дочери колхидского царя Ээта чародейки Медеи, - требующей яркого темперамента, психологизма и оригинальной пластики, оказался на редкость точным и оправданным. За Любовью Се-лютиной со времени «Преступления и наказания», «Трех сестер» и «Дома на набережной» (который Анатолий Эфрос называл величайшим достижением театрального искусства ХХ века) закрепилось признание в неоспоримом мастерстве и выдающемся таланте. Ей суждено было в «Медее» взвалить на себя основной груз сложнейших эмоций роли (и пьесы в целом) - груз страстных, испепеляющих
споров с изменщиком мужем - Язоном, - с внутренними, раздирающими душу противоречиями, и внешними обстоятельствами, груз выбора между жизнью и смертью собственных малолетних детей.
Режиссер, актриса и почти все, кто участвовал в грандиозном спектакле, справились со своими задачами более чем достойно - тому свидетельством высокие оценки специалистов театра многих стран, призы и аншлаги, сопровождающиеся неослабевающим зрительским желанием приобретения «лишнего билета», спрашиваемого у театральных дверей. Желанного билета на свидание с «Медеей». Как, впрочем, и других свиданий с разнообразными работами основателя театра Юрия Любимова и одной из лучших актрис «Таганки», запомнившейся в спектаклях Эфроса «На дне», «Вишневый сад», «Мизантроп» и в постановках Любимова «Пир во время чумы», «Братья Карамазовы», «Шарашка», «Добрый человек из Сезуана», «Евгений Онегин», «Живаго», «Фауст», «Арабески»...
«Я не вижу сегодня в России актрисы, равной Селютиной, - сказал как-то Юрий Петрович Любимов, - и сожалею, что у себя на родине мы часто не ценим то, что имеем». Со словами Мастера трудно не согласиться, ибо примеров вокруг предостаточно.
Понятно, что присутствие режиссера знаменитой «Таганки» в каждом приводимом в статье актерском портрете, безусловно, свидетельствует о его огромнейшем вкладе в творческие судьбы многих и многих людей, на таганской сцене работающих, и прежде всего, конечно же, Владимира Высоцкого как Человека, Артиста и Поэта.
Литература:
1. Марина, Влади. Владимир, или Прерванный полет. - М., 1989.
2. Губенко, Николай. Во что превратили Россию. -М., 2013.
3. Кино: энциклопедический словарь. - М., 1987.
4. Русский драматический театр: энциклопедия. -М., 2001.
Mezhevitin Vladimir Aleksandrovich,
director, screenwriter, art expert, member of the Union of journalists of Russia (Voronezh)
VISOTSKIY. TAGANKA. THE PORTRAITS...
(To the poet's and actor S jubilee)
Abstrakt. The article tells about the poet and actor Vladimir Visotskiy and his friends, which was working with him at the theatre.
Key words: the compromiseless position of the poet, the friendship, the honour and the conscience, the service to the scene, the singing and the suffering soul, the spectator's rapture and the admiration.
сию
