CC BY
262
В. Ю. Никитин
Московский государственный университет культуры и искусств,
Москва, Россия
СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ ВО ФРАНЦИИ. ИСТОРИЯ И ТЕНДЕНЦИИ
Аннотация:
Данная статья посвящена истории возникновения и развития contemporary dance во Франции, которая признана мировым лидером в этом направлении хореографического искусства. Анализируется творчество всемирно известных хореографов, таких, как К. Карлсон, Ж. Бувье, К. Диверрес, О. Дюбок, М. Марэн, М. Монье, Р. Шопино, К. Сапорта, Т. Маландэн, А. Прельжокаж и др.
Ключевые слова: Франция, современный танец, хореографы, К. Карлсон, Ж. Бувье, К. Диверрес, О. Дюбок, М. Марэн, М. Монье, Р. Шопино, К. Сапорта, Т. Маландэн, А. Прельжокаж.
V. Nikitin
Moscow State University of Culture and Arts
Moscow, Russia
CONTEMPORARY DANCE IN FRANCE HISTORY AND PERSPECTIVES
Abstract:
The article is devoted to the history of emergence and development of contemporary dance in France, where this dance form gained prominence, thus making France come to the forefront of this choreography style. The article gives an overview to the performances of renowned French choreographers such as C. Carlson, J. Bouvier, C. Diverras, О. Duboc, M. Marin, M. Monnier, R. Chopinot, К. Saporta, Т. Malandain, А. Preljoсaj and others.
Key words: France, contemporary dance, choreographers, C. Carlson, J. Bouvier, C. Diverras, О. Duboc, M. Marin, M. Monnier, R. Chopinot, К. Saporta, Т. Malandain, А. Preljoсaj.
Статья носит обзорный характер: меньше всего автор претендует на серьезное искусствоведческое исследование современного танца во Франции, поскольку оно в данном объеме просто невозможно. Французский современный танец настолько многообразен, что охватить в небольшой статье все направления и стили, исследовать творчество наиболее известных хореографов — просто нереально. Задача автора — дать общую картину, познакомить с историей зарождения и основными тенденциями развития этого танцевального направления именно во Франции, уже прочно занимающей лидирующее место в contemporary dance. Безусловно, это только основные вехи и персоналии, но как нам кажется, подобный обзор поможет определить общие тенденции, присущие не только французскому современному танцу, но и всему направлению contemporary dance, независимо от национальной принадлежности.
Во Франции современный танец как направление хореографического искусства всегда был под пристальным вниманием государственных структур. Именно национальная программа его развития позволила воспитать в кратчайшие сроки большое количество молодых талантливых хореографов и исполнителей.
Лоранс Лошу, атташе по культуре Генерального консульства Франции в Екатеринбурге, во время проведения фестиваля современного танца в 2011 году сказал: «Во Франции в настоящее время работает 19 хореографических центров, большинство из которых в подчинении Министерства культуры и получают финансовую поддержку от государства. В 1998 году был создан "Национальный центр танца" со своей медиатекой, сценическими и выставочными площадками, центром обучения танцовщиков. Кроме того, труппы современного танца поддерживает и Министерство иностранных дел Франции, которое помогает в организации гастролей, финансирует выступления за рубежом. Это поддержка бесценна, поскольку постоянно идёт поиск новых площадок для выступлений, новой публики, обмен идеями, а это в свою очередь развивает жанр, исполнителей, коллективы».
Атташе по культуре посольства Франции Эдвард де Люмле, который пять лет проработал в России, сказал в этом же в интервью: «Когда в 80-х годах прошлого века во Франции стали в
большом количестве появляться труппы современного танца, они получили поддержку государственных структур. И сейчас современный танец уже завоевал крупные площадки национальных театров: например, репертуар Национального театра де Шайо в Париже — это почти сплошь постановки современного танца». Э. де Люмле заметил также, что в России он наблюдает огромный интерес публики и профессионалов к современному танцу. Фестиваль «France danse», который он организовал, имел очень большой успех.
Современный французский танец сложился под влиянием немецкого экспрессивного танца, американского постмодернистского танца и неоклассики, получившей развитие именно во Франции. Новации С. Дягилева и его «Русские сезоны» положили начало новому стилю классического балета, получившему в дальнейшем название «неоклассика», и французская публика уже была готова к восприятию нового в танцевальном искусстве.
Неоклассическое направление особенно ярко представлено в творчестве Мориса Бежара (Maurice Bejart, 1927—2008). Начав заниматься у Ролана Пети в 1941 году, через три года Морис уже дебютирует в труппе марсельской оперы. В 1951 году он поставил свой первый балет (в Стокгольме, в соавторстве с Биргит Кулл-берг). В 1954 году основал компанию «Балет звезд», затем, в 1957 году — свою труппу в Париже. В 1959 году его труппа «Балле-театр де Пари» оказалась в труднейшем финансовом положении. И в этот момент Бежар получает от М. Юисмана, только что назначенного директором брюссельского «Театр де ла Монне», предложение осуществить постановку «Весны священной». Успех спектакля предопределил будущее хореографа. На следующий год Юисман предложил Бежару создать и возглавить постоянную балетную труппу в Бельгии. Во Франции не нашлось никого, кто бы предоставил Бежару подобные условия работы. Молодой хореограф переезжает в Бельгию, в Брюссель, здесь и появляется на свет в 1960 году «Балет ХХ века». Позже, в 1987 году, Бежар обоснуется в Лозанне, где основал компанию «Балет Бежара».
Начиная от «Симфонии для одного человека» (1955) и заканчивая последними спектаклями, М. Бежар постоянно создавал новый стиль танца, соединяя несоединимое: фольклорный танец и танец модерн, неоклассику и джаз, он экспериментировал с
движением и исполнителями, он постоянно был в поиске, и можно сказать, что существует особый хореографический стиль Бежара, не похожий ни на что, целиком и полностью авторский.
Вместе со своей труппой М. Бежар предпринял грандиозный эксперимент по созданию синтетических спектаклей, где танец, пантомима, пение (или слово) занимали равное место. Он предложил принципиально новое решение ритмического и пространственно-временного оформления спектакля. Привнесение в хореографию элементов драматической игры обуславливало яркий динамизм его синтетического театра.
Первым из хореографов Бежар использовал для своих постановок огромные пространства спортивных арен. Во время действия на огромной площадке размещались оркестр и хор, действие могло развиваться в любом месте арены, а иногда даже в нескольких местах одновременно. Этот прием позволял сделать участниками спектакля всех зрителей. Дополнял зрелище огромный экран, на котором появлялось изображение отдельных танцоров. Пример подобного спектакля — «Мучения Святого Себастьяна», поставленный в 1988 году.
Хореографии Бежара свойственны пластическая метафора, стремительный ритм, приоритет массового мужского танца. Наиболее известны его самобытные спектакли: «Весна священная» (1959), «Петрушка» (1958), «Жар-птица» на муз. И.Стравинского (1970), «Орфей» (на муз. П. Анри, 1958), «Ромео и Джульетта» (на муз. Г. Берлиоза, 1966), «Болеро» (на муз. М. Равеля, 1978), «Бакти» (на муз. Ф. Гласса, 1968), «Нижинский, клоун Божий» (на муз. П. Анри, П. И. Чайковского, 1971) и многие другие. В общей сложности М. Бежар поставил более ста оригинальных спектаклей.
Вторым не менее известным создателем стиля неоклассики во Франции был Р. Пети.
Ролан Пети (Roland Petit, 1924—2011). Известность Р. Пети принес его первый спектакль «Юноша и смерть», который стал эталоном французской неоклассики. В 1945—1951 годах Р. Пети создал и возглавил труппу «Балет Елисейских полей», в 1949— 1967 — «Балет Парижа». В числе лучших работ для этой труппы: «Кармен» Ж.Бизе (1949), «Собор Парижской Богоматери», (1965). Р. Пети работал в жанре драматического балета, тяготел к дина-
мичности сюжета, яркой образности и театральности, мастерски ставил массовые сцены, использовал в лексике сочетание классического и современного танца. В 1972 году Р. Пети организовал труппу «Марсельский балет», для которого были поставлены такие спектакли как «Зажгите звезды» (1972), «Больная роза» Г. Малера (1973) с участием М. Плисецкой, «Пинк флойд» (1973), «Памяти ангела» А. Берга (1977), собственные версии классических балетов «Коппелия» (1975) и «Щелкунчик» (1976). Р. Пети — продолжатель традиций «Гранд-Опера», он создал для труппы этого прославленного театра множество постановок (среди последних его произведений — балет «Клавиго»), а также симфонические балеты «Фантастическая симфония» (на муз. Г. Берлиоза, 1974), «Просветленная ночь» (на муз. А. Шёнберга, 1976). Р. Пети — автор около 100 балетов — как серьезного жанра («Юноша и смерть», «Кармен», «Собор Парижской Богоматери» и др.), так и развлекательного («Летучая мышь», программы для Казино де Пари). Работал в Голливуде (фильм «Г.-Х. Андерсен»), на Бродвее. Среди его наиболее известных постановок, получивших международное признание, — «Сирано де Бержерак», «Комната», «Страх», «Волк», «Траур на 24 часа». Его исполнителями были знаменитые танцовщики Зизи Жанмер, Доминик Каль-фуни, Майя Плисецкая, Рудольф Нуриев, Михаил Барышников.
Начало развития танца модерн как направления во Франции относится к 20-м годам XX в., когда в Париже была открыта школа «Ecole de Paris», где в основном преподавали учителя-эмигранты. Среди них была Л. Дункан, приемная дочь И. Дункан, и Дж. Ромье — первый мужчина-танцор экспрессивного танца. В тридцатые годы в Париж эмигрировали многие немецкие педагоги, среди них были работавшие в труппах Р. Лабана и М. Виг-ман. Естественно, это оказало определенное влияние на развитие экспрессивного танца, однако выдающихся исполнителей или компаний в эти годы во Франции не было. Необходимо также учитывать, что до Второй мировой войны во Франции термин «танец модерн» часто ассоциировался с «ритмическим танцем» или «танцем для здоровья», который был достаточно распространен и основывался на гимнастике Далькроза и джазовом танце. Начало эпохи становления профессионального танца модерн во Франции связано с именами Франсуазы и Доменика
Дюпюи, которые, будучи учениками немецкого хореографа Х. Вейда, продолжали традицию немецкого экспрессивного танца во Франции. Со своей компанией «Les Ballet Modernes de Pari» они получили главную премию на первом фестивале современного танца во Франции в 1958 году со спектаклем «Эпиталама». Затем они открыли свою школу, в которой получили подготовку первые исполнители и хореографы.
Многие молодые хореографы и исполнители предпочитали уезжать в США и учиться у М. Каннингхэма, С. Пэкстона, Э. Николайса. Однако концептуальный и абстрактный танец не получил достаточного распространения во Франции. Возможно, это произошло из-за достаточно сильного влияния классического балета, именно классические танцовщики «Гранд-Опера» Ф. Бласка, Ж. Руссильо, Б. Лефевр и Ж. Гарнье, покинув этот театр в 1972 году, создали «Театр тишины» — труппу «чистого» танца. В 1974 году и при труппе «Гранд-Опера» была создана экспериментальная группа, которая занималась поисками в области современной хореографии. Примой балериной этой группы стала К. Карлсон, ученица Э. Николайса, которая привнесла новую технику импровизации и композиции.
Каролин Карлсон (Carolyn Carlson, род. 1943) — американская танцовщица и хореограф финского происхождения. Родилась в Окленде, штат Калифорния. Училась классическому танцу в университете штата Юта и в балетной школе Сан-Франциско, где в 1965 году познакомилась с Э. Николайсом — в его труппе она проработала семь лет.
В 1968 году Карлсон получила приз как лучшая танцовщица на Парижском международном фестивале танца. Затем она приняла участие в ряде спектаклей компании Д. Дэвиса в Нью-Йорке, а позже А. Беранже пригласила ее как балерину и хореографа в свой театр в Париже. Карлсон поступила туда в 1971 году и поставила свой первый спектакль, «Ритуал для мертвой мечты» (Rituel pour un reve mor), показанный в 1972 г. во дворе Папского дворца в Авиньоне.
С этого времени Карлсон жила в Париже. В этот период она осуществила такие известные постановки, как «Шесть плюс» (на музыку Ж.-Л. Феррари), «Опьяняйтесь» (Enivrez-vous) и «Воздействие» (Verfangen) (на музыку П. Анри). Встреча с Р. Либер-маном в 1974 году стала поворотным пунктом в ее карьере:
сначала она станцевала в Гамбурге соло под названием «Klydex 1» (хореография А. Николайса), продюсером которого выступил Р. Либерман, затем была приглашена в Парижскую Оперу как «хореограф-этуаль», а в 1975 году Либерман предложил ей пост руководителя «Группы театральных исследований» (GRTOP). Между 1974 и 1980 годами Карлсон поставила более 25 спектаклей, включая такие знаменитые постановки, как «Плотность 21,5», «Архитектор», «Этот, тот и другой», «Slow, heavy and blue».
В 1980 году началась работа Карлсон в Венеции. И. Гомес пригласил ее, чтобы создать танцевальную труппу театра «Ла Фе-ниче», основанную на экспериментальной модели, разработанной GRTOP. Между 1981 и 1985 годами театр предоставил Карлсон возможность создать ряд хореографических постановок, которые были менее абстрактными, чем предыдущие ее работы. Среди них: «Одиннадцать волн» (на муз. Ж. Шварца и Р. Обри), «Подлесок» (на муз. Р. Обри), «Голубая дама», последняя стала визитной карточкой уже известного хореографа.
В 1985 году Карлсон вернулась в Париж, начала работать в «Théâtre de la Ville» и была удостоена титула «Кавалера Ордена искусств и литературы» Министерства культуры Франции. Среди спектаклей, поставленных ею в это время в Париже и представленных как во Франции, так и по всему миру: «Темно» (Dark), «Тихие воды» (Still Waters).
В 1991—1992 годах Карлсон жила в Финляндии, где поставила спектакли «Земля» (Maa), «Сентябрь» (Syyskuu), «Кто унес август» (Kuka Vei Elokuun), а в 1994—1995 годах она работала для театра «Куллберг балет» в Стокгольме. Наряду с постановками она занималась показами-импровизациями, которые проводила вместе с теми танцовщиками, которых ценила особенно высоко (среди них — Л. Эксон, Й. Уотинен, М. Айраудо), и музыкантами, чей образ мысли был ей близок (среди них — М. Порталь, Д. Серман, Р. Обри, Й. Кун, Т. Гурту). Она также продолжала ставить репертуарные спектакли для балета Парижской Оперы («Знаки»), Оперы Бордо («Водородный музыкальный автомат») и других театров.
Постановки Карлсон отличает дух сольной импровизации, смешение различных традиций Запада и Востока, интерес к джазу и новейшей музыке (Ф. Гласс, Г. Брайерс и др.). Декорации к её балету «Знаки» с участием Мари-Клод Пьетрагалла в
Парижской Опере (1997, возобновление в 2000 и 2003) выполнил Оливье Дебре. Свой замысел Дебре выразил так: «Генеральная идея этого балета строится на развитии первого знака — улыбки, которая появляется в уголке щеки. Это символ первого общения, рождения ребенка, человека, начало алфавита, всей письменности». Этот спектакль — поистине уникальный шедевр, который, опережая время, войдет в историю современного искусства как первый спектакль, где главным героем является живопись. Для Парижской Оперы художник придумал фантастический спектакль: его составляют семь сценических эпизодов (Знаки), органично сменяющие друг друга. Каждый из них формируют огромные живописные полотна и подвижные объемы. Эти цветовые композиции несут эмоциональный настрой и определенную символику, соответствующую Знакам. Абстрактные сценические пейзажи реально оживают благодаря пластике танцовщиков, причудливые костюмы которых являются частью живописных полотен. За постановку этого спектакля Карлсон была вручена премия «Бенуа де ла данс» (1998), в том же году за балет «Лебедь» — премия «Виктуар де ля мюзик».
В 1999 году Франция, ставшая с ее подачи одной из первых держав contemporary dance, вернула мировую знаменитость к себе, вручив ей орден искусств и литературы и орден Почётного легиона (оба — в 2000).
В 1999—2002 годах Карлсон руководила Танцевальной программой Венецианского биеннале, открыла Академию современного танца и была удостоена медали Парижа (2002) и премии «Золотой лев» на Биеннале современного танца в Венеции (2006).
В 2004 году Карлсон возглавила один из 20 субсидируемых государством Национальных хореографических центров Франции — «Рубэ Нор» в Па-де-Кале.
«Человек в черном взлетает над сценой и на секунду замирает в пространстве, — пишет о спектакле критик Анна Гор-деева. — Легкая ткань его костюма распластывается в воздухе; танцовщик вдруг кажется растекшейся в чашке с водой каплей темной туши. Этой тушью, этой тонкой кистью набросан весь небольшой спектакль Каролин Карлсон.
«Мы — средоточие всего и центр всего в окружающем мире», — утверждает К. Карлсон. И всем танцевальным формам
предпочитает соло. Московский вечер тоже открыла лично. Соло «Пороки и добродетели (Джотто)» на музыку Г. Брайерса она поставила в 2002 году. Почти не сходя с места, на фоне сменяющих друг друга аллегорических фресок, созданных Джотто для капеллы Дель Арена в Падуе, она ведет диалог сегодняшнего расколотого сознания с целостным мировосприятием семисотлетней давности. Восемнадцать минут движения, не подпадающего ни под какие классификации. Карлсон не сочинитель танцев. Она — мыслитель, которому свойственно выражать свои мысли не в философских трактатах, а в абстрактной пластике. К тому же именно абстракция, — считает хореограф, — рождает поэзию» [7].
Исповедующая буддизм К. Карлсон, довольно часто обращается к самым разным национальным и религиозным традициям. Однако, переосмысленные ею, не теряя выразительности, они утрачивают характер пластического фольклора, обретая универсальные черты. Универсальные — значит, способные передать бесчисленные нюансы и настроения. Для кого-то это просто красиво (или безобразно). Кому-то доступен ассоциативный, чувственный, идейный, медитативный уровень. Движение адекватно этим возможностям, оно многозначно.
Для создания своих композиций Карлсон не берет готовую музыку, она заказывает оригинальные партитуры для танца разным композиторам. Обычно композитор работает вместе с ней в студии, смотрит, что она делает, и потом сочиняет. К. Карлсон — живая легенда современного танца, прославленная ниспровер-гательница всевозможных канонов.
В 1999 году в Картушери при поддержке администрации Парижа начала работу мастерская К. Карлсон — «Ателье де Пари». «Ателье» занимается продюсированием и продвижением постановок К. Карлсон, предоставляет базу для создания спектаклей другим хореографам, а также организует классы известных мастеров, таких, как Д. Мюллер, Т. Браун, С. Линке, Б. Джонс, В. Вандекейбус, М.-А. де Мей, М. Шуинар и др. «Ателье де Пари», кроме того, проводит фестиваль «June Events».
К. Карлсон также пишет стихи и рисует — ее книга «Соло» вышла в свет в 2003 году. Ей почти семьдесят, и она до сих пор сама выходит на сцену — более того, в программе одноактных спектаклей, которую привозил ее театр в Москву, соло самой Карлсон
стояло в финале, который обычно исполняют суперзвезды. Она и есть суперзвезда: женщина, с помощью которой современный танец во Франции завоевал равные права с классическим балетом.
Одной из особенностей развития современного танца, особенно в Америке и Европе является то, что среди исполнителей и хореографов было много женщин: Айседора Дункан, Лой Фуллер, Мэри Вигман, Марта Грехэм, а затем, ближе к нам по времени, Пина Бауш, Каролин Карлсон, Триша Браун. Их хореография отмечена антиконформизмом и сильной индивидуальностью, никого не оставляющей равнодушным. Они сумели порвать с эстетическими кодами собственной эпохи и объявили настоящую войну «телам в корсете», как в прямом, так и в переносном смысле этого выражения, введя понятие танца, соединенного с духом в единой гармонии. Они способствовали возникновению нового женского образа, далекого от стереотипов.
Аналогичная тенденция наблюдалась и в современном французском танце. У истоков его взлета, отмеченного в 1980-е годы, стояли хореографы-женщины. Среди них Жоэль Бувье, Катрин Диверрес, Одиль Дюбок, Маги Марэн, Матильда Монье, Режин Шопино и Карин Сапорта. Все они принадлежат к одному поколению и, организовав собственные труппы в период между 1978—1983 годами, стали затем возглавлять национальные хореографические центры. Каждая представляет особое течение в contemporary dance, отличающееся разнообразием хореографического видения и приемов. В работах этих хореографов впервые проявился новый реализм французского стиля в современном танце, не имеющий ничего общего с традиционным американским танцем модерн и постмодерном в танце.
Одиль Дюбок (Odil Duboc, 1941—2010), считается родоначальницей современного французского танца, она была старшей из поколения хореографов, которые появились в конце 70-х годов и совершили революцию в современном танце во Франции. Ее лучшие работы отличает ощущение пространства, что является признаком истинного хореографа, энергия, скорость, свое собственное видение танца. Однако не меньшей заслугой О. Дюбок является педагогическая деятельность, через ее руки прошло огромное количество танцоров, многие из которых в дальнейшем стали известными хореографами, среди них: Б. Шармац, Ж. Бель,
Э. Юин, Р. Урамдан, С. Прюненек и другие, ставшие представителями новой, более «концептуальной» волны современных хореографов. Это педагогическое направление было основным в ее работе на посту директора Национального хореографического центра Бельфор, который она возглавляла вместе с художником по свету Франсуазой Мишель с 1990 по 2008 год. Этот центр был организован на основе ее труппы «Contre Jour», которая была создана в 1987 году.
«Одиль Дюбок — воздушный хореограф. Красота ее чрезвычайно абстрактных постановок состоит в мгновении, когда жест словно подвешен в воздухе. Танец возникает внезапно, из ряда медленных столкновений, непредвиденных напряжений, динамических реакций, но истинная причина каждого движения остается невидимой. В ее хореографии танцоры используют неожиданные поддержки, которые включают самые разные части тела и действуют вопреки закону тяготения, а движения начинаются словно без предварительного разбега или порыва. Остановками, неожиданными прыжками, ускоряющими или задерживающими время, и бросками она меняет у зрителя чувство окружающего пространства. В каждом из своих произведений она сочетает неожиданные возможности и изобретает свободу движения, постоянный поток и такую работу над телом, как если бы оно было эластичной материей» [2].
Среди наиболее известных ее работ — «Retours de scène» (1994, Парижская Опера), «Trois boléros» (1996), «Rhapsody in Blue» (1998, Парижская Опера), «Vénus et Adonis» (2006, опера Нанси), «А cet endroit» (2007, опера Лиона). Всего ею создано более 20 спектаклей для своей труппы и других компаний и трупп во Франции. В 2010 году, в возрасте 69 лет О. Дюбок умерла от рака.
Маги Марэн (Maguy Marin, род. 1951 г.) училась танцу в консерватории в Тулузе, где ее педагогом была знаменитая Нина Вырубова. С 1969 по 1972 год танцевала в Страсбургской опере, исполнив сольные партии в «Жизели» и «Лебедином озере», затем поступила в школу М. Бежара «Мудра» и была приглашена в его труппу. В 1976 году М. Марэн создает труппу «Балле-Театр де ла Арш» и завоевывает первую премию на конкурсе в Баньоле за балет на народные испанские мелодии. В 1981 году труппа, в которую входили К. Глик, Л. Бломфельд, М. Леког, К. Поло,
Ф. Леикк, У. Альваре, Т. Канха, обосновывается в парижском пригороде Кретей, а в 1990 году труппа обретает статус Национального хореографического центра департамента Валь-де-Марн.
В своем творчестве иногда Марэн шокировала публику кажущимся натурализмом и антиэстетикой, за которыми, однако, скрывались юмор и вызов сложившимся стереотипам. Среди наиболее известных ее постановок «Золушка», «May В», «Ram-dam», «La Jeune Fille et la Mort».
«"Золушка" — наиболее известная постановка М. Марэн, отличается оригинальной концепцией — на сцене возникает кукольный мир, где персонажи танцуют в целлулоидных масках. Постановка настолько изобретательна и продумана, что просто невозможно сказать "артисты изображают кукол". Они действительно становятся куклами, сохраняющими при этом все добрые и недобрые человеческие чувства. Вы вольны «впасть в детство» и словно в первый раз, восстановив всю свежесть восприятия ребенка, "прослушать" эту волшебную сказку. Или, напротив, вдруг обнаружить в ней глубинный философский смысл. Образ страдающей и мятущейся в поисках счастья кукольной души — сильный образ. Спектакль имеет постоянный успех в мире с момента премьеры в 1985 г.» [3].
«"May B" сделан на основании двух пьес С. Беккета — "В ожидании Годо" и "Конец игры". Спектакль этот сложно назвать балетным. Легче говорить о пантомиме, а еще точнее отнести его к невербальному театру. На сцене, представляющей черный кабинет, появляются десять фигур. Они облачены в белые пижамы или халаты — как будто действие происходит в психиатрической лечебнице. Они брюхаты, горбаты и кособоки. Лица покрыты густым слоем грима и напоминают недвижные маски слепых Брейгеля. Темой спектакля становится стадность, склонность человека подчиняться командному окрику, нежелание выделяться из массы таких же рабов» [5].
«Каждая из ее постановок могла бы носить название "Удел человеческий". Начиная с вдохновленного С. Беккетом "May B" и вплоть до самых последних постановок она беспрестанно обличает подспудный тоталитаризм. Результат отличается мощью и резкой иронией, жесты, подчас театральные, одновременно являются танцевальным движением и выражают определенную
хореографическую лирику. Две ее последние постановки соответствуют ее ироничному взгляду на общество. "Umwelt" представляет собой испытание возможностей жизни, ее смехотворных ритуалов, танцоры участвуют в яростных сценах, их тела исковерканы войной, трудом и смертью, они появляются и исчезают между двух рядов зеркал, а смех представлен как сама сущность человека и граничит... со слезами!» [2].
В 1983 году Министерство культуры Франции присудило М. Марэн Национальный Гран-при в области хореографии.
Режин Шопино (Régine Chopinot, род. 1952 г.). Начала заниматься классическим балетом с 5 лет, с 1974 года под руководством М. Зинхера начинает изучать современный танец в Лионе. Здесь же в 1978 году создает собственную компанию «Compagnie du Grèbe» и ставит свои первые спектакли. Тремя годами позже, в 1981 году, она получает вторую премию на международном хореографическом конкурсе «Bagnolet» за спектакль «Halley's Comet». Ее следующие спектакли «Délices» и «Via» (1983) органично соединяют мультимедиа и танец. С этих спектаклей началось сотрудничество Шопино с известным французским дизайнером Ж-П. Готье, которое продолжилось в дальнейших совместных работах «Le Défilé» (1985), «K.O.K.» (1988), «Ana» (1990), «St Georges» (1991), «Façade» (1993).
В 1986 году Р. Шопино становится директором национального хореографического центра Пуату-Шарант в Ла-Рошели, на базе которого в 1993 году был создан «Атлантический балет», который существует до настоящего времени.
«Я обожаю дурной вкус», — признается директор «Атлантического балета» Р. Шопино. Танец, по ее мнению, — это музыка в стиле «рок», игра искусственного света, абсолютное игнорирование академических канонов, а вместо балетных пачек — костюмы от Ж-П. Готье. Этот тандем родился на старте их карьер и ознаменовал собой новую эру в оригинальном синтезе — моды и танца. Квинтэссенцией совместного творчества стал спектакль «Дефиле». Среди 18 не менее провокационных постановок, одетых Готье, он наиболее ярко выразил идею симбиоза fashion и art. Спектакль сделан по принципу показа мод, с Т-образной сценой и демонстрацией одежды, только вместо знаменитой походки модели — хореография Шопино.
Большая часть из пятидесяти хореографических композиций, созданных Р. Шопино, рождены из сотрудничества с художниками и скульпторами, такими, как Э. Гольдсворти, Ж. ле Гак или Ж.-М. Брюиэр. Трудно определить единый стиль или направление в ее работах. После экспериментальных работ начального этапа ее творчества, в которых властвовал юмор и художественная провокация, вторая половина девяностых годов отличилась размышлениями автора о природе и сущности человека. В 2002 году спектаклем «Chair-Obscur», поставленным для шести танцоров, началась новой фаза творчества Шопино, исследующая философию жизни и смерти, времени и памяти. В 2004 году, спектакль «W.H.A» продолжил это направление. Спектакль получил премию «Гран при де ла данс» французского профсоюза критиков. Спектакль «Triptyque de la Fin des Temps» был поставлен в 2006 году в часовне Fromentin в Ла-Рошели.
Ее спектакль «Танец времени» на фестивале «Ний 2000», позволил создать совместный проект с вьетнамскими танцорами в рамках сотрудничества с высшей школой танца Вьетнама и театром оперы и балета Ханоя. С 2002 года Шопино регулярно работает с вьетнамскими танцорами, которые прошли стажировку в танцевальном центре в Ла-Рошели. Одна из целей этого сотрудничества — открытие центра современного танца в Ханое.
Карин Сапорта (Karine Saporta, род. 1948 г.) — французская танцовщица и хореограф. Отец — испанец, мать — русского происхождения. Училась в Национальной консерватории, затем обучалась философии и социологии в Парижском университете и в США.
В 1988—2003 годах — руководитель Национального хореографического центра в г. Кан. Поставила танцы в фильме П. Гри-нуэя «Книги Просперо» (1991). Занимается также фотографией и кино. Со второй половины 1990-х сотрудничает в России с танцевальными труппами Екатеринбурга (на Днях современного французского танца в Москве был представлен совместный французско-российский проект — балет «Спящая красавица», идея которого принадлежала О. Петрову, а хореография была создана К. Сапорта). Кавалер ордена Почётного легиона, офицер Ордена литературы и искусства.
Многие хореографы contemporary dance обращаются к статичным позам как основному элементу танца. Особенно ярко этот прием использует в своей хореографии К. Сапорта, профессиональный фотограф. Исследуя физическое состояние человека во время опасности, она придала своей хореографии черты пароксизма. В 2005 году на 59-м Авиньонском фестивале увлечение К. Сапорта фотографией обернулось проектом «Конверт», сделанным в жанре инсталляции-перформанса. Инсталляция представляла собой длинную комнату с почтовыми ящиками, ключи от которых висят на входной двери, а в сами ящики вложены конверты с фотографиями невесты в подвенечном платье, позирующей на фоне мясных туш и молочных бутылок. Пер-форманс заключался в том, что две девушки в белых фартуках продавщиц однообразно вышагивали по комнате, а на их тела проецировались все те же фото.
«Сапорта — один из редких французских хореографов, которые не боятся крайности и эксцесса. Ее мир, наполненный химерами и роковыми женщинами, распущенными инженю и легковесными мадоннами, далекими воительницами и романтическими героинями, парадоксальным образом переворачивает представление о вечной женственности. Ее хореография черпает вдохновение в самых разных стилевых источниках, но только для того, чтобы сильнее их изменить. За двадцать лет карьеры она осуществила тридцать постановок и испробовала практически все стили, и зачастую еще до того, как они вошли в моду. Цирк, кабаре, фламенко, фольклорная традиция, классический балет, барокко и минимализм. Все смешивается и сливается в едином стиле хореографа, заявляющего об эстетике как о философской дисциплине, а о танце как о мистическом действии» [2].
Катрин Диверрес (род. 1959 г.). К сожалению, о творчестве этого хореографа материалов очень немного, поэтому приведем только выдержку из статьи французского критика Моники Вальби: «Решительная. Это первое слово, которое приходит на ум, когда думаешь о Катрин Диверрес. И еще — упорная. Из ее биографии вспоминается прежде всего детство, проведенное во Франции и Африке, а также отъезд в Японию на встречу с одним из основателей танца буто, хореографом Казуо Оно. После этой поездки ее представление о балете меняется. Хореография
больше не представляется ей просто физической дисциплиной или пространственным расположением тел, но становится внутренним подвижничеством, а танец — движением мысли. Ее постановки вызывают головокружение, поскольку напоминают танец на краю пропасти. Той пропасти, бездна которой так притягивает ее. Отсюда проистекает чистая сила, проявляющаяся и в экстремальном умении себя сдерживать, и во столь же радикальных взрывах. Тела становятся каллиграфией, символами подземного, трагического и таинственного мира. С 1994 г. К. Ди-веррес возглавляет Государственный хореографический центр Ренна и Бретани» [2].
Матильда Монье (Mathilde Monnier, род. 1959 г.) работала во многих французских труппах, училась в школе М. Каннингхэма, и там же начала работать как хореограф, поэтому ее ранние работы носят абстрактный характер. Свое образование продолжила у ученицы М. Каннингхэма — Виолы Фарбер.
Первое признание приходит в 1986 году, когда Монье получает премию Министерства культуры Франции на конкурсе «Bagnolet».
Среди ее дебютных работ особой оригинальностью отличаются джаз-танц-пьеса «Китайские безделушки» (1991), в которой танец вступает в диалог с музыкой в исполнении кларнетиста-импровизатора Луи Склави, и балет «Ради Антигоны» (1993), где Монье объединила свою труппу и труппу африканских танцовщиков, соединив два совершенно разных стиля танца. Среди ее спектаклей «Nuit» (1995), «L'Atelier en pieces» (1996), «Arrêtez, anxtons, arête» (1997). В 2002 году — спектакль «Allitérations» созданный совместно с философом Jean-Luc Nancy и композитором электронной музыки eRikm. Спектакль «Publique» (2004) продолжает эксперименты с музыкальным сопровождением, он создается только для женского состава под произведения известной рок-звезды PJ Harvey. В 2005 году — спектакль «La Place du singe», созданный совместно с писательницей Christine Angot, соединяющий текст и хореографию. В этом же году для Авиньонского фестиваля спектакль «Frère&sœur à la Cour d'honneur». В 2006 году работа с известной певицей Katerine и создание спектакля, в котором органично соединяются песни и хореография. В октябре 2007 года М. Монье предста-
вляет в сотрудничестве с Karim Zeriahen новый спектакль, соединяющий видеоинсталляцию и танец «Dans tes cheveux» в музее Quai Branly в Париже в рамках выставки Диаспора.
С 1994 года является директором Национального хореографического центра в городе Монпелье. Ее творчество не ограничивается многочисленными постановками, оно охватывает современный образ «жизни в единстве». В 2001 году она решает сделать центр более открытым для внешнего мира, предоставляет его помещения молодым хореографам, дизайнерам, актерам и писателям, и вместе с ними ищет новые способы творческого выражения.
Монье ставила спектакли для труппы Королевского Балета Швеции, сотрудничает с труппой Лионского театра оперы и балета и многими другими компаниями.
Ее хореография, проникнутая глубоким гуманизмом, является отражением ее собственной личности и постоянной заботы о ближнем в самом широком понимании этого слова.
Анжелен Прельжокаж (Angelin Prel^ai, род. в 1957 г.). Учился классическому танцу, брал уроки современного танца у К. Ванер в школе «Канторум». После занятий у М. Каннингхема в Нью-Йорке (1980), вернувшись во Францию, Прельжокаж поступил в Национальную консерваторию современного танца в Анжере (класс Виолы Фарбер). Работал в балетной труппе города Кан, затем в Национальном хореографическом центре в Анжере, в 1982 году — в компании Доминика Багуэ в Монпелье, где как хореограф дебютировал спектаклем «Колониальные авантюры» (1984, в сотрудничестве с М. Клементисом).
В 1985 году основал свою компанию в Шампиньи-сюр-Марн, ставшую в 1989 году Национальным хореографическим центром Валь-де-Марн. Позднее Центр переселился в Шатовал-лон, а потом в Экс-ан-Прованс, где находится и сегодня.
Следующий его спектакль, «Чёрный рынок», получил в 1985 году приз Министерства культуры на XVII хореографическом конкурсе в Баньоле, в этом же году Прельжокаж создает собственную труппу в Шампиньи-сюр-Марн и ставит для нее спектакли «Белые слезы» (1985) и «Памяти наших героев» (1986).
В 1987 году, став лауреатом премии «Вилла Медичи», он отправляется в Японию изучать театр Но. В 1992 году он получает «Национальный Гран-при танца», вручаемый Министерством
культуры, а в 1993 году его вместе с труппой приглашают в Парижскую Оперу, где он поставил несколько одноактных балетов «В честь Русских сезонов». В 1994 году для труппы Парижской Оперы он ставит спектакль «Парк» на музыку Моцарта. За этот спектакль он также получил в Большом театре приз «Бенуа де ла данс». В 1995 году он работал в Шатоваллоне и Мюнхенском балете.
Зарубежные труппы включают в свой репертуар его спектакли: Балет Монте-Карло и Балет Хельсинки — «Видение розы», Тосканский балет — «Пьянящие вина плоти», Парижская Опера — «Благовещение», Балет Нанси — «Белые слезы». Его постановки вошли в репертуар таких известных трупп, как «Ла Скала», «Нью-Йорк Сити балет», «Берлинская опера», «París Opera Ballet».
А. Прельжокаж получил несколько престижных премий в США — «Бесси» (приз за танцевальное и театральное искусство) и премию «За достижения в музыкальном искусстве».
В 1998 году он получил титулы художественного советника в «Дойче Опер» в Берлине и рыцаря ордена Почетного легиона. В этом же году он создает спектакль «Казанова» для балета Парижской Оперы.
В своих постановках А. Прельжокаж соединяет технику классического танца с экспрессионистской пластикой и элементами архаики, дальневосточной культуры тела. Он не раз возвращался к постановкам балетных корифеев XX века (М. Фокина, Л. Мясина, В. Нижинского и др.), давая им новую трактовку. Прельжокаж в разные годы переосмысливает такие шедевры, как «Свадебка», «Парад», «Видение розы» и «Весна священная». Мэтр французского комикса Э. Билял создаёт декорации для авторской интерпретации «Ромео и Джульетты» (в трактовке Прельжокажа вечная история любви разворачивается в лагерной зоне). Прельжокаж регулярно сотрудничает с такими известными художниками, как Э. Билял («Ромео и Джульетта»,1990), Г. Вейвода («Пейзаж после битвы», 1997), Air («Near Life Experience», 2003), Granular Synthesis («N», 2004), Ф. Ибер («Времена года...», 2005), К. Штокхаузен («Эльдорадо», 2007), Ж.-П. Готье («Белоснежка», 2008) и другими.
А. Прельжокаж является создателем короткометражных фильмов («Почтальон», «Мрачные мысли», 1991) нескольких полнометражных лент, в частности «Связующее звено» (1992) и
«Благовещение» (2003), за которые хореограф получил «Гран-при за фильм об искусстве» в 2003 году, первый приз конкурса «Видеотанец» в 1992 году и приз Пражского видеофестиваля в 1993 году.
Он создал несколько экранизаций собственных спектаклей. Творчеству А. Прельжокажа посвящено несколько книг: «Анже-лен Прельжокаж» (2003), «Черный павильон» (2006) и «Анжелен Прельжокаж. Топология невидимки» (2008).
С октября 2006 года балет Прельжокажа и 26 его постоянных танцоров работают в Pavillon Noir в Экс-ан-Провансе. Это здание полностью занимает хореографический центр под его руководством.
Жан-Клод Галотта (Jean-Claude Gallotta, род. 1950 г.) — известный французский хореограф. Начал изучать современный танец в США, где открыл для себя принципы новой хореографии в работах М. Каннингхема, И. Райнер, Л. Чайлдс и других основателей американского постмодерна.
В 1979 году создал в Гренобле совместно с М. Антарац небольшой экспериментальный коллектив — «Группа Эмиль Дюбуа», на основе которой в 1984 году возник Национальный хореографический центр. Именно здесь родился наиболее известный его спектакль «Улисс»». Затем последовали спектакли «Les Aventures d'Ivan Vaffan», «Les Louves et Pandora» и другие. Созданный для Авиньонского фестиваля в 1982 году, спектакль «Дафнис и Хлоя» (на муз. А. Торга) совместил рассудок, юмор и радость чувств. На премьере главные роли исполняли сам хореограф и его жена Матильда, что способствовало невероятному успеху спектакля у публики. Критики называли постановку не только маленьким шедевром и одним из самых красивых спектаклей, но и сущностью любовных отношений. В 2007 году была создана вторая редакция «Дафнис и Хлоя».
В 80-х годах спектаклями «Улисс», «Дафнис и Хлоя», «Mam-mame» Галотта заявил о себе как об одном из лидеров французского современного танца. Он много ставил в других театрах — в том числе в Парижской Опере («Вариации на тему Улисса», «Нос-ферату») и в Национальном театре Шайо в Париже. Спектакль «Mammame» был представлен в 1987 году на «Международном Фестивале Нового Танца» в Монреаля, где ему присуждается премия «Лучшего иностранного спектакля года».
В 1989 году совместно с дизайнерами К. Муриера и Р. Руисом был создан первый полнометражный фильм, в который Галотта соединил видео и хореографию — «Docteur Labus et Les Mystères de Subal». В 1992 году для Всемирной выставки в Севильи он снимает свой второй полнометражный фильм «Amour en deux». В 1994 году — «Prémonitions», хореографическая новелла для труппы в Гренобле. В 1995 году— спектакль для труппы Лионской оперы «La Solitude du danseur», в 1997 году — «La Rue» (спектакль, представленный для 3000 зрителей). С 1997 по 2000 год Галлота был руководителем Центра исполнительских искусств «Судзуока» в Японии.
В общей сложности Галотта осуществил более 60 постановок. Созданные им спектакли гастролируют по всему миру, он снимает фильмы и продолжает активно ставить спектакли, где танец существует на равных с драмой и музыкой. Об уровне труппы Национального хореографического центра Гренобля говорит то, что конкурс на вакантное место в этом коллективе сейчас достигает 350 человек.
Доминик Багуэ (Dominique Boguet, 1951—1992). Доминик Багуе получил в Каннах классическое образование в школе Ро-зеллы Хайтауэр, затем работал в труппе «Балет Женевы», под руководством А. Ката. Затем обучение в школе «Мудра» у М. Бежара в Брюсселе. Он продолжает свое обучение в мастерской, которую К. Карлсон открывает в Парижской Опере в 1974 году и затем отправляется в США, где учится у Дженнифер Мал-лер и Мэгги Блэк и сотрудничает с труппой Лара Любовича.
По возвращении — 1-я премия на фестивале «Bagnolet» в 1976 году за спектакль «Для песен ночи», первый из сорока, созданных Богуэ спектаклей. В 1980 году — руководство Национальным хореографическим центром Монпелье и открытие Международного фестиваля современного танца в Монпелье в 1982 году.
Подобные успехи тем более значительны, что работы Д. Багуэ вне антиконформизма работ других хореографов, они скорее внутренние тонкие рассказы. Тонкие и неустойчивые. Сложноритмизированные мелкие движения, используемые им в хореографии, отображают связь с пространством, детализация движений создает ясные и четкие траектории, словно беглые, тонкие, вычурные письмена. Особенная привлекательность
работ Багуэ в мощности деталей, в совершенстве жеста, быстро брошенного в пространство. Багуэ сам исполнял многие свои произведения, он сверкал, обладая глубоко романтической элегантностью: быстрый, жестокий и красивый.
Проживший всего 41 год Багуэ оказал большое влияние на развитие современного танца во Франции. А. Прельжокаж и М. Ке-леменис начинали свою карьеру танцовщиков именно в его труппе. Д. Багуэ снял несколько фильмов, поставил драматический спектакль и создал множество танц-пьес, самая знаменитая среди которых «Прыжок ангела» (1987). Над концепцией этой постановки он работал совместно с крупнейшим современным французским художником К. Болтански. Наиболее интересными его работами были «Фантазия семпличе», «Ассай», «Странные дни».
После смерти Д. Багуэ в 1992 году была создана ассоциация друзей хореографа «Карне Багуэ» (Дневники Багуэ), цель которой — способствовать сохранению его наследия. Восстановление постановки «Прыжок ангела» Р. Шопино для труппы «Атлантический балет» — первый пример этой работы, ставший событием танцевального сезона 1994 года.
Филипп Декуфле (Philippe Decoufle, род. 1961 г.). В одном из интервью Декуфле вспоминал о годах учебы так: «В детстве я хотел стать художником комиксов, но после учебы в цирковой школе Анни Фрателлини и в школе мима Марселя Марсо, я стал все больше обращаться к танцу».
После обучения в Национальном центре современного танца в городе Анжэ, он стал учеником известного американского хореографа Э. Николайса. После краткого периода работы танцором-соло в начале 1980-х годов он работает в труппе Р. Шопино, а в 1983 году он создает «Découflé Company of Arts», с которой он в том же году побеждает в конкурсе в Баньоле. Он собирает труппу артистов и мастеров, с которыми он работает до настоящего времени: танцоры Э. Мартэн, П. Энро, М. Прелонж, дизайнер костюмов Ф. Гийоле, художник по свету П. Безомб. Словно талантливые звенья машины, видимые и невидимые, все они дают возможность создателю в полной мере реализовать все свои безумства, творческие желания, свое воображение — одновременно наивное и магическое, ужасающее и поражающее, оригинальное и раскрепощенное. Еще в 22 года этот молодой че-
ловек поражает жюри фестивалей и сбивает с толку зрителей своей энергичной, веселой и раскрепощенной хореографией.
В 1989 году, он был приглашен принять участие в подготовке празднования 200-летия Великой французской революции. Деку-фле работает не только в театре, но и в рекламе (в 1989-м рекламный ролик «Polaroid» получил премию «Серебряный лев» на фестивале в Венеции), создает клипы и короткометражные фильмы («Caramba», 1986; «Маленький потерянный бал», 1994) и даже создает массовые зрелища, такие, как открытие чемпионата мира по футболу 2006 года и церемонии открытия и закрытия XVI Зимних Олимпийских игр в феврале 1992 года в Альбервилле. Режиссер-авангардист объединил в грандиозную инсталляцию мастерство спортсменов, акробатов, танцоров, певцов и световое шоу.
Декуфле говорит, что на формирование его мировоззрения и стиля большое влияние оказало «безумие» русского искусства: русские хореографы, художники, кинокартины С. Эйзенштейна, но основные истоки его творчества — в американской и французской культуре. Ф. Декуфле ввел в танец элементы балагана, цирка, паноптикума, в которых гротесковая или даже уродливая внешность артиста только приветствуется.
В 1995 году Дэкуфле размещает свою компанию в Сен-Дени, округе Парижа, в помещении бывшей отопительной станции, которую он реставрирует, чтобы создать лабораторию, где артисты, композиторы и дизайнеры сцены обмениваются своими идеями. Там же рождаются его новые спектакли: «Shazam» и «Abracadabra» (1998), «Cyrk 13» (2001) — результат совместной работы с тринадцатым выпуском CNAC (Национальный центр цирковых искусств города Шалон в Шампани).
В 2003 году, по-прежнему в окружении все той же команды, он создает «Solo» и «Sombrero». Являясь единственным исполнителем в «Solo», хореограф представляет свой образ, разбитый, деформированный, вечно протестующий, и не стесняется включать в спектакль аспекты своей личной жизни: фотографии своих родителей и детей. В «Sombrero» он встречает своих друзей танцоров, чтобы пуститься в путь в воображаемой, фантасмагорической Мексике, вдохновленной вестернами.
В 45 лет этот артист, находясь в вечном творческом поиске, гениально соединяет танец, цирк, видео, музыку и комедию, и
производит на свет совершенно неординарные спектакли. «Ф. Дэ-куфле определяет себя как «постоянно неудовлетворенный, абсолютно независимый» и всегда ставит свое искусство и желания на первое место среди соблазнов славы и компромисса» [1].
Фредерик Лескюр (Frederic Lescure, род. 1968 г.). «Крупный представитель нового французского танца, он привнес свое видение в искусство хореографии. Созданная им в 1994 году творческая труппа "L'Echappee" работает по методике "живой мозг" Ф. М. Александра, которая основана на овладении телом посредством разума. С детства занимался спортом — регби, дзюдо, лыжи, затем пришел в студию известного хореографа из Южной Африки Питера Госса» [8].
В 1986 году Лескюр начал заниматься композицией, а в 1993 году основал свою труппу. Киевский зритель имел возможность в 1998 году посмотреть его работы «Тревожное бегство» и «Крах теории» на первом фестивале современного танца в Киеве. А недавно Французский культурный центр предоставил нам возможность увидеть его спектакль «Начинается». «Начинается» — разговор на тему, на которую не говорит сейчас разве что немой — рубеж тысячелетий. Но Фредерик Лескюр решает ее по-своему и неожиданно. «Начинается» — история порога, черты и перевоплощения, которое обновляет нас и делает проще, освобождает от излишней самоуверенности и дает возможность найти в себе немного веры. — Мы говорим в нашем балете, — рассказывает Фредерик, — о том, что людей обманывают их ожидания, и будущее оказывается непохожим на их представления о нем»1.
Жоэль Бувье (Joelle Bouvier, род. в 1959 г.), Режис Обадия (Régis Obadia, род. в 1958 г.). Ученики Дюбуи — Ж. Бувье и Р. Обадия, используют соединение изобразительного и пластического ряда в своей хореографии. Они так определяют свой стиль танца в интервью для фильма «Век танца»: «Наша работа не связана ни с какой-то особой техникой, основными составляющими поиска является осознание собственного тела и актерская игра, которая позволяет создавать образы на грани иллюзии и реальности». Р. Обадия в 1979 г. закончил Институт искусства танца Ф. и
1 А. Феофанова. «Ф. Лескюр: "Художник — это тот, кто моет окна, когда они грязные"».
Д. Дюпюи, одновременно занимаясь в театральной школе Жака Лекока. Именно там произошла встреча с Ж. Бувье, творческий дуэт с которой длился более 20 лет.
Р. Обадия вместе со своей многолетней партнершей принадлежит к поколению хореографов-экспериментаторов, превративших страну классического балета в центр современного contemporary dance. Он начал ставить еще в конце 1970-х, в 1980 году вместе с Бувье создал в Анже труппу «Эскиз» и за первые же свои спектакли получил три престижных приза, в том числе один — из рук Сержа Лифаря. Компания просуществовала до 2003 года, получив более 50 международных наград как за постановки, так и за реализацию оригинальных видеофильмов, в том числе и приз ФИПА при Каннском фестивале за лучший короткометражный фильм «Комната» в 1988 году, а также Гран-при за фильм «Объятия» на фестивале в Гренобле. Среди наиболее известных постановок: «Потерянный взгляд» (1980), «Побитая земля» (1981), «Голова к голове» (1983), «Верте» (1984), «Царство миллионера» (1985), «За стеной» (1986), «Часы поражения в борьбе» (1988), «Добро пожаловать в рай» (1989), «Одна женщина каждой ночью в большом секрете» (1991), «На солнцепеке» (1992), «Взрыв тишины» (1994), «Безответственность Аполлона» (1996), «Индатэн» (1997), «Открытие» (1998), «У меня нет больше времени» (1999), «Уембоо!» (2000), «Жакоб» (2001), «Д.С.», «Страсти по Томасу Бекету» (2002). В жанре «video-dance» создали фильмы «Комната», «Объятия», «Свадьба» и др.
Французское правительство, контролирующее создание по всей стране хореографических центров, доверило Бувье и Оба-дия сначала Национальный хореографический центр современного танца в Гавре, а в 1993 году — в Анже. За выдающиеся творческие и педагогические достижения Р. Обадиа был награжден в 1992 году званием «Шевалье Ордена искусств и литературы», а в 2000 году «Офисье Ордена искусств и литературы».
В 2003 году Режис Обадиа создает собственную компанию при поддержке Министерства культуры Франции, в рамках которой начинает работу над новыми проектами в Европе и впервые в России. Результат первого же проекта в России — постановка спектакля «Весна священная» на муз. И. Стравинского для труппы «Балет Москва» был награжден «Золотой ма-
ской» как лучший спектакль современного танца. А первая театральная работа — спектакль «Идиот» по роману Ф. Достоевского в инсценировке Е. Вергасовой — была отмечена престижной наградой за лучшую режиссуру на фестивале «Чайка» в Москве. Режис Обадиа не боится экпериментировать, и в круг его деятельности также входит многолетнее сотрудничество с фестивалем хип-хоп в г. Сюррен (Франция), и постановка мизансцен и хореографии для последнего шоу Патриции Каас «Кабаре», с большим успехом прошедшего в 2009—2010 годах, в том числе и в России.
«Собственно, благодаря Бувье—Обадиа, показавшим в 1994 году в Москве свои фильмы и спектакль <^е1коте to Paradise» публика и выучила словосочетание «современный танец» на французский манер — «dance contemporain». С раздражением, но выучила, — для самого современного танца время тогда еще не пришло. Теперь, когда Режис Обадиа, уже свободный и от Жоэль Бувье (двадцать лет работавшие вместе партнеры расстались) и от руководства центром в Анже, поставил в Русском камерном балете «Москва» «Весну священную» Игоря Стравинского, — ситуация изменилась. Современный танец не просто привился, к нему успели приспособиться, а отдельные деятели даже сообразили, что подавать это явление надо с той же помпой, что и классический балет» [6].
Тьерри Маланден (Thierry Malandain, род. 1959 г.). Получил блестящее классическое образование у таких известных педагогов, как Моник Ле Дилли, Ренье Боном, Даниель Франк, Жильбер Майер и Раймонд Франкетти. Танцевал в труппе Опера де Пари, в Балете Руана и в Балете театра Нанси. Лауреат нескольких хореографических конкурсов («Violine Prize» в 1984, «Nyon Prize» в 1984 и 1985), он завершил карьеру танцовщика в 1986 году и создал компанию «Théâtre Present». Она поначалу базировалась в Эланкуре в департаменте Ивлин, затем в Сент-Этьене под названием «Объединенная компания на Эспланаде Оперы Сент-Этьена». За время его двенадцатилетнего руководства компанией работы Маландена были отмечены призами ряда французских фондов и призом «Новый талант SACD». В 1988 году был назначен директором Национального центра хореографии — «Балета Биаррица».
Тьерри Маландэн — автор около 60 хореографических композиций, многие из которых вошли в репертуар многих зарубежных
компаний из Флориды, Сингапура, Каракаса, Каира, Фландрии, Неаполя и многих трупп во Франции — «Королевского балета Вал-лонии», «Национального балета Бордо», «Балета Рэна», «Балета дю Нор», «Национального балета Нанси» и многих других.
В его творческом списке постановки нескольких опер: совместно с Робертом Фортчуном («Золушка», «Орфей в аду», «Кандид»), Питером Бюссом («Каприччио»), Альберто Фассини («Аида»), Жан-Луи Пишоном («Ричард, Львиное сердце», «Иро-диада»), Фредериком Пино («Черная курица»).
В 2000 году он стал кавалером Ордена искусств и литературы Франции, а с 2001 года ему поручено художественное руководство Фестивалем танца «Время любить», проходящим в сентябре в Биаррице.
Основу его труппы составляют молодые танцовщики, в основном выпускники Школы Опера де Пари, блестяще образованные в области классического танца. О Маландене говорят, что он умеет держать традицию: в век тотальной свободы он удивляет почтением к искусству классического балета. «Мне кажется, сегодня утеряна память о прошлом. Многие современные французские хореографы считают, что танец рождается вместе с ними. А я думаю, что танец был рожден задолго до меня. Я хочу вписаться в то, что было. В конечном итоге хореографы всегда задавали себе одни и те же вопросы, и проблемы для них оставались теми же».
Критик О. Петров, после гастролей труппы «Балет Биаррица» в Москве замечает: «Тьерри Маланден, не отказываясь от принципиальных установок "на классику", уже в ранних сочинениях отвоёвывает место, необходимое для последующего творчества, для создания своего мира, ни на какой другой не похожего. В контексте поисков Маландена вполне закономерно, что создание этого нового мира (хореографического) реализуется в спектакле, который так и называется "Creation" ("Творение"), и где библейское (или античное?) предание о творении мира преломляется через историю танца».
После гастролей в Екатеринбурге и Москве, когда были представлены практические все этапные работы Маландена: «Механический балет», «Портрет Инфанты», «Безделушки», «Творение», «Кровь звезд», «Лунный камень», «Danses, danse, dans», «Видение розы», «Послеполуденный отдых фавна», «Пульчинелла», «Бо-
леро», «Щелкунчик», критики достаточно пристально исследовали творчество хореографа, поэтому приведем несколько цитат.
Анна Гордеева. «Время новостей», 22 июня 2005 года. «История балета превратилась у Маландена в основном в историю балетного костюма. Дам в кринолинах сменяют дамы в "шопеновских" юбках, затем наступает черед парадных плоских пачек, следом — черных леотард и, наконец, телесных трико. (Переодевания происходят на сцене: отыграв кусок, народ снимает с себя юбки, перешагивает их и деловито уходит.) "Дамы" тут условны: "шопеновки" и пачки натянуты и на мужчин. Все танцы, таким образом, еще более утрированы. Галантность кринолинов сочетается с рефлекторным подергиванием конечностей танцующих; когда же возникают воспоминания о "Жизели", зал начинает ухмыляться, глядя на шеренгу «виллис», перепады в росте которых достигают полуметра».
Майя Крылова. «Творение без творца». «Сухой рационализм спектакля Маландену не удается замаскировать патетикой Бетховена и танцами "унисекс". Не очень получается и решение самому себе поставленной задачи — сделать так, чтобы каждое танцевальное па воспринималось и всерьез, и как пародия на себя. Спектакль, показанный в Театре Моссовета, скорее похож на бухгалтерский учет истории танца: в ней было вот это, это и еще это. Оттого час десять минут балета показались тремя часами. Впрочем, Маланден, кажется, именно этого и хотел — сделать спектакль о вечности».
Ярослав Седов. «Натворили без Прометея». «Художественный руководитель труппы "Ballet Biarritz" Тьерри Маланден числится экспериментатором, силящимся скрестить в своих постановках академическую технику с модерном. Но, в отличие от первых лиц современной хореографии, представляющих это дело не без драматизма и всерьез ищущих новые творческие пути, Маланден обращает все в шутку. Пару лет назад его труппа показывала в Москве программу, составленную из пародий на спектакли дягилевских "Русских сезонов". Ну а на сей раз Маланден покусился на святое — на балет Бетховена "Творения Прометея, или Власть музыки и танца", впервые поставленный в Вене в 1801-м одним из столпов европейской хореографии Сальваторе Вигано, а в 1929-м заново интерпретированный в Парижской Опере Сержем Лифарем».
Алла Михалева. «Танец белых медведей». «"Мне кажется, сегодня утеряна память о прошлом", — сказал два года назад в одном интервью французский хореограф Тьерри Маланден. Тогда возглавляемая им труппа "Ballet Biarritz" представила российскому зрителю танцевальную программу "В честь русского балета Сергея Дягилева", в которой Маланден дал свой взгляд на такие хореографические шедевры прошлого века, как "Пульчинелла" Л. Мясина, "Видение Розы" М. Фокина, "Послеполуденный сон фавна" В. Нижинского, "Болеро" Б. Нижинской. Взгляд оказался самостоятельным и жестким, но при этом принимающим в расчет первоисточник, в значительной степени отталкиваясь от него. Стало понятно — при всей азартности желания пересмотреть классику в достаточно ироничном ключе, — Маланден отнюдь не адепт постмодернистских идей. Прежде всего он не занимается деконструкцией классических текстов, а пересказывает, как теперь модно выражаться, позиционируемые произведения «своими словами». Плоть от плоти классического танца (начинал как танцовщик Парижской Оперы), он не вступает с ним в непримиримое противодействие, а, беря его за основу, как гайки на стержень "накручивает" на него приемы и движения современного танца, на сочинение коих Маланден настоящий мастер».
Список литературы
1. Блог пользователя Elly Rait. Непредсказуемый Декуфле. 13 марта 2010. http://ellyrait.ya.ru/replies.xml?item_no=118
2. Изрин А. Современный балет. Женское дело // Label France (Ежеквартальный информационный журнал, выпускаемый под эгидой Министерства иностранных дел Франции) №68, 2007. С. 40—43. http://www.ambafrance-by.org/IMG/pdf/0LAB068_RU_3843_CUL-TURE.pdf
3. Гордеева А. Тигры в московском домике // Время новостей. № 96, 05 июня 2006.
4. Исмагулова C. Магия Фредерика Лескюра // Новое поколение. №27. 5 июля 2002.
References
1. Elly Rait's blog. The unpredictible Decouflé. 7th March, 2010. http://ellyrait.ya.ru/replies.xml?item_no=118
Blog pol'zovatelja Elly Rait. Nepredskazuemyj Dekufle. 13 marta 2010. http://ellyrait.ya.ru/replies.xml?item_no=118
2. Izrine A. The contemporary ballet. It's a women's thing. // Label France magazine (A quarterly international magazine published by the French Foreign Office) No. 68, 2007. P. 40-43. http://www.ambafrance-by.org/IMG/pdf/0LAB068_RU_3843_CULTURE.pdf
Izrin A. Sovremennyj balet. Zhenskoe delo // Label France (Ezhekvar-tal'nyj informacionnyj zhurnal, vypuskaemyj pod jegidoj Ministerstva inostrannyh del Francii) No. 68, 2007. S. 40-43. http://www.ambafrance-by.org/IMG/pdf/0LAB068_RU_3843_CULTURE.pdf
3. Gordeeva A. Tigers in a house in Moscow // Vremya novostey, No. 96, 5th June, 2006.
Gordeeva A. Tigry v moskovskom domike // Vremja novostej, No. 96, 05 ijunja 2006.
4. Ismagulova S. The magic of Frédéric Lescure // Novoye pokolenye, No. 27 5th July, 2002.
Ismagulova C. Magija Frederika Leskjura // Novoe pokolenie, No. 27, 5 ijulja 2002.
Фильмография Filmography
1. Балет «Золушка», постановка М. Марен, музыка С. Прокофьева, 1989.
Cinderella ballet, staged by M. Marin, music by S. Prokofiev, 1989.
Balet «Zolushka», postanovka M. Maren, muzyka S. Prokofeva, 1989.
Данные об авторе:
Никитин Вадим Юрьевич — профессор кафедры танцев народов мира и современной хореографии МГУКИ, зам. декана хореографического факультета МГУКИ, доктор педагогических наук, кандидат искусствоведения. E-mail: [email protected].
Data about the author:
Nikitin Vadim — professor, World dance and modern choreography Department, Moscow State University of Culture, Vice-dean of the Choreography Faculty, Moscow State University of Culture, D.Ed., Doctor of Art Criticism. E-mail: [email protected].
