CC BY-NC
133Символика синих цветов в европейском и японском изобразительном искусстве
Белова Дарья Николаевна
кандидат философских наук
доцент, Московский государственный институт международных отношений (университет) Министерства
иностранных дел Российской Федерации
119454, Россия, г. Москва, ул. Вернадского, 76, каб. 4105 И [email protected]
Статья из рубрики "Эстетика и теория искусства"
Аннотация.
В статье анализируется эстетическая ценность природы, цветочная тематика в живописи европейских и японских мастеров XV- начала XX вв. Подчеркивается символика различных проявлений и общие закономерности связанные с кругооборотом в природе и кратковременностью присутствия цветов в мире, философское и религиозно-мистическое их значение. Предметом исследования являются синие цветы, рассматриваемые автором в контексте развития символизма и метафорического смыслового подтекста в европейской и японской живописи XV- начала XX вв.Использовались сравнительно-сопоставительный и иконологический методы исследования, опирающиеся на философские, культурологические и исторические научные материалы. Актуальность рассматриваемой темы определяется возрастанием культурного взаимодействия со странами Востока, с Японией в частности, и стремлением сохранить свои национально-специфические особенности. Предпринята попытка сопоставления европейского и японского изобразительного искусства, выявления цветочной символики, ее эстетического смысла и аллегорического подтекста, подчеркнута природа символических образов синих цветов. Сделан вывод: религиозно-мистическая направленность живописи более выражена у европейцев, у японцев художественное выражение чувств выше религии, что находит подтверждение в эстетическом восприятии цветовой гаммы.
Ключевые слова: символизм, ирис, синий цвет, импрессионизм, японская живопись, буддизм, религиозная направленность, красота, совершенство, цветок
DOI:
10.7256/2454-0625.2019.3.29141
Дата направления в редакцию:
04-03-2019
Дата рецензирования:
05-03-2019
Дата публикации:
06-03-2019
О, сколько их на полях! Но каждый цветет по-своему -вот высший подвиг цветка!
Мацуо Басё
Природа влияет на эстетическое сознание человека, формируя основу для многообразного проявления философии культуры, помогая ему в познании самого себя, своей личности, в установлении связи с ней. Природа рассматривалась как прекрасный идеал стремлений человеческих. Согласно Платону идеал абсолютной красоты, душевной и телесной, способствует восприятию истинной божественной красоты.
Великие деятели Возрождения Джованни Пико делла Мирандола, Марсилио Фичино, Леонардо да Винчи, Микеланджелло и другие, относились к природе как к источнику вдохновения и подражания, следуя принципам творческого развития человека, его духовности при сближении с ней, по словам Леонардо, художник пишет «человека и представления его души» [12, с-1891. Философия искусства зиждется на эстетике природы, что подчеркивает В.С. Соловьев в работе «Красота в природе». Художники эстетезируют природу, способствуют развитию чувствования при её созерцании, помогая воспринимать различные природные объекты, в частности цветы как произведения искусства, эстетические ценности. Они включают в изображение свое мифологическое мышление, свой социально-культурный уровень, тип личности, духовность, религиозную направленность, усиливая возвышенно-эстетическое отношение к природе, любование ей.
Цветы олицетворение всех таинственных сил природы, тайной и магией наполнена их красота. Структура цветка символизирует начало мира, его философско-космическую систему.
В одном мгновенье видеть вечность, Огромный мир - в зерне песка, В единой горсти - бесконечность И небо - в чашечке цветка.
У. Блейк [3' с- 635]
Цветок указывает на быстротечность жизни, на кругооборот жизненных сил в природе с их возрождающейся способностью.
Все поблекло...Только астры
Серебристые остались,
Под холодным синим небом
Замечтались ...
Грустно я встречаю осень.
Ах, не так, как в дни былые!
Так же вянут, блекнут листья
Золотые.
А. Аснык «Астры» [4' с-5011
Время идет, меняются времена года, человеческая душа откликается на изменение среды обитания, меняются эстетические впечатления, производимые природой, что находит отклик в живописных работах мастеров. Красота природы, её гармония нашло отражение в работах И. Канта, Ф. Шеллинга, В. Соловьева и других.
Поклонение природе, стремление к осознанию ее эстетики, сопряжено с этикой и натурфилософией в период Ренессанса. Почитание природы, обожествление её, любование ей, выражаются в символических построениях взаимоотношений с ней как с Матерью Природой, которая наделяет всех своей любовью, плодородием, божественной силой «символы видятся загадочным языком божественного» [6, с-471.
Природа связана с временами года - зарождением, расцветом и угасанием и отчетливо коррелирует с человеческой жизнью - младенчеством, юностью, зрелостью, старостью, смертью. «Дни человека - как трава; как цвет полевой, так он цветет. Пройдет над ним ветер и нет его, и место его уже не узнает его» (Пс. 102:15-16). «Человек. как цветок, он выходит, и опадает; убегает, как тень, и не останавливается» (Иов 14:2). Подтверждением этих слов выступают произведения Ганса Бальдунга Грина, изображающие изменения в человеке на протяжении жизни. Он подобен цветку -растет, цветет, вянет и умирает. Аллегория смерти и красоты представлена в картинах «Семь возрастов женщин» (1510), «Три возраста женщины и Смерть» (1510), «Три возраста человека» (1539). Это тема нашла отражение и у других художников: Эдварда Мунка «Три стадии женщин» (1894), «Четыре возраста в жизни» (1902); Густава Климта «Три возраста женщины» (1905) и другие. Тема приходящей старости как суета сует -vanitas vanitatum, раскрывает недолговечность красоты, что подчеркивает роза, как быстро вянущий цветок в руках старухи «Старая кокетка» (после 1630) Бернардо Строцци.
Природа находит отражение в цветочно-растительном кругообороте. Магия Весны проявляется в буйстве Флоры в период её цветения, что подчеркнуто в произведениях Боттичелли «Весна» (1477), Тициана «Флора» (1515), Рембрандта «Флора» (1634), Пуссена «Триумф Флоры» (1627) и «Царство Флоры» (1631) и другие. Любовь и Природа связаны как Венера и Натура. Любовь из чувственной переходит в возвышенную, то есть любовь земная насыщается духовностью, становиться небесной.
Флора - древнеримская богиня весны и цветов, культ её ввел царь Тит Таций еще в годы основания Рима. В честь Флоры праздновались праздники - Флорали, отличающиеся пышностью цветочного убранства. В античной Греции покровительницей цветов была богиня любви Афродита. Римляне и греки связывали красоту цветов с цикличностью времен года, с божественной силой природы, одушевляли её, используя мифологию и символику.
Никола Пуссен в картине «Царство Флоры»/«Сад цветов» (1631), изображает сад богини
цветов Флоры, где главным действующим лицом является Весна - Флора, разбрасывающая цветы. Согласно сюжету произведения «Метаморфозы» античного поэта Овидия, художник возвращает цветам их человеческий облик, так как после смерти мифические герои превращались в цветы. Художник в своем произведении показывает вечный кругооборот природы - рождение, расцвет и смерть. Все изображенные цветы в картине имеют определенное символическое значение, что особенно важно в религиозном искусстве, и связано с «неоплатонической или
мистической интерпретацией символов» [6, с 47].
Пышная цветовая символика наполняет картину Сандро Боттичелли «Весна» (1477) «самый рафинированный, самый эстетически просветленный вариант Сада Любви» [15, с-324], где в центре изображена Венера, а Весна - Флора с боку притягивает к себе внимание. Три грации Viriditá, Leticia, Splendor -Ш, олицетворяют идеальную красоту, наполняют душу радостью. Разнообразные цветы-2! наполняют картину, их символическое звучание и движение мифических героев создают нестабильное, изменчивое состояние смены времен года, созревание и увядание. Кругооборот природы как вращение колеса бесконечен.
Эмоционально-эстетическое влияние живописи стало возможным «благодаря трансформации античных символов в горниле неоплатоновской мысли» [6, с- 1091, что отчетливо проявилось в образе Венеры. Обращает на себя внимание загадочное выражение лица Венеры, оно бледное, задумчивое, с печальной улыбкой. Она знает о рождении, расцвете, увядании и смерти Природы, что соответствует Матери рода человеческого и созвучно Деве Марии.
Роскошные растительные композиции из цветов, фруктов и овощей создавал Джузеппе Арчимбольдо (1526-1593). Представитель маньеризма, он в своих работах предвосхитил сюрреализм. Многоликость природы, её изобилие, он отразил в метаморфозных портретах, где человеческие лица формировались из цветов и фруктов в циклах «Четыре сезона» (1563), «Времена года» (1572-1573). Его «Весна» составлена из множества цветов, а «Лето» и «Осень» из фруктов. «Флора» (1591) причудлива, цветочное разнообразие сливается в загадочно восхитительный женский образ. Все работы полны фантазии, юмора, символичности, реалистичности, натюрмортной изысканности.
Цветок в Библии указывает на божественное предназначение, что доказывают чудесным образом расцветшие посохи святого Иосифа Аримафейского и Аарона (старшего брата Моисея), став, таким образом, символом Божией благодати и надежды на возрождение. Посох Аарона процветший миндаль (Чис. 17:1-10; Иер. 1:11) - это знак торжества, воли Божией и сила пророчества.
Развитие христианской символики цветов, их языка и красоты, слились в образе Девы Марии. Цветы самые разнообразные дополняют Её образ и подчеркивают, что мир создан Богом, и на что указывает в своем религиозном трактате «Цветочки» Франциск Ассизский. Мистическое и символическое значение имели цветы различных форм и окраски, так белые, особенно, розы и лилии, выступая главным атрибутом Девы Марии означали чистоту, непорочность, целомудрие; красные - символ пролитой крови святыми и мучениками. Цветы, имеющие оттенки синего, голубого, сиреневого напоминали о синеве неба, божестве (васильки, фиалки, колокольчики, незабудки, ирисы).
Синий цвет многозначен и вызывает различные ассоциации, меняя смысл изображения, создает сложное восприятие его. Цвет спокойствия, гармонии, единства, преданности,
созерцательности, связан с синевой неба и воды, мистикой и трансцендентностью, символизирует истину и тайну божественной непостижимости. Голубоватым был и «фаворский свет», исходящий от Христа в момент преображения, как показано на иконе Феофана Грека «Преображение Иисуса Христа перед учениками на горе Фавор» (1403). Голубой цвет связывает любовь земную и небесную, синий цвет символизирует Царство Небесное, духовную чистоту и целомудрие Богоматери. Голубой цвет присутствует во фресках Дионисия в соборе Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря и «Троицы» Рублева и других иконах. Присутствие голубого цвета в религиозном искусстве разных эпох означает присутствие Божественных сил.
Индиго или темно-синий цвет в религиозной сфере означал целомудрие, на протяжении ХП-Х1У вв. этот цвет использовался как символическая эманация божественного в соответствии с философским осмыслением. Символика синего цвета в Возрождении и Средние века сходна и с современной его символикой. Синий цвет присутствует и в одежде Девы Марии и в геральдики. Геральдические цветы - лилия (ирис), распространены во Франции, ирис присутствует также в гербе Флоренции, а роза эмблема династии Тюдоров. Религиозная живопись четко и настойчиво подчеркивает синим цветом принадлежность Девы Марии небу, божественному Духу, к связи с Господом и Сыном Его,
что нашло отражение в произведениях искусства.
Синим шедевром является Уилтонский диптих «Дева Мария с младенцем» (1395-1399) автор неизвестен. Синий цвет в одеянии Марии использовали многие живописцы: Рогир ван дер Вейден, Стефан Лохнер, Фра Беато Анджелико, Ян ван Эйк, Дюрер, Рафаэль, Тициан и другие-^31.
Постепенно из темно синих тонов цвет преобразуется в более светлый, яркий, жизнерадостный. Эволюция синего цвета закончилась с окончанием готической эпохи, когда он был наиболее распространен и востребован. Однако, он нашел проявление и в более поздние периоды, например, у Васнецова В.М. «Богоматерь с младенцем на престоле» (1883-1893), Нестерова М.В. «Богоматерь с младенцем» (1890) и другие.
Эмоциональным воздействием цвета на человека и цветовосприятием интересовались многие теоретики и практики искусства - Леонардо да Винчи, И.В. Гете, А. Шопенгауэр, Э. Делакруа, И. Грабарь, К. Рерих, К. Юон, И. Иттен, М. Алпатов и другие. И.В. Гете считал, что цвет через зрение воздействует на душу. Цветовая гармония выступает как важное средство художественной выразительности, что подчеркивается сопоставлением цвета и звука, проведенным композиторами А. Скрябиным и М. Чюрлёнисом. В.М. Бехтерев полагал, что гамма цветов благотворно влияет на нервную систему. В. Кандинский выделял синий цвет и его действие на духовное состояние и отразил это в своей работе «О духовном в искусстве». Он указывал, что «цвет - это клавиш, глаз -
молоточек, душа многострунный рояль» [10, с-46"". Художник создает цветовую мелодию, вызывая отклик в душе, заставляя ее вибрировать в зависимости от разнообразия в тональности. При изменении тональности синего цвета изменяется и его восприятие. Если синий цвет становиться темнее, углубляясь до черного, то вызывает чувство печали, а становясь светлым вызывает чувство покоя, безразличия. «Голубой цвет, представленный музыкально, похож на флейту, синий - на виолончель и, делаясь все темнее, на чудесные звуки контрабаса; в глубокой, торжественной форме звучание синего можно сравнить с низкими нотами органа» [10, с-69"".
Голубые цветы означают божественный дар с небес, это символ мечтаний, стремлений к
идеальному, несбыточному, недостижимому, романтической любви, к познанию Мировой Души. Голубой Цветок как символ немецкой романтической поэзии нашел свое место в романе Новалиса (Георг Фридрих Филипп фон Гарденберг, 1772-1801) «Генрих фон Офтердинген». Образ Голубого Цветка позаимствован из народных тюрингских сказаний, согласно которым голубой цветок папоротника, которого не бывает, распускается в Иванову ночь. Голубой Цветок в романе выступает как символ поэтической мечты, любовного романтического томления, тоски по возвышенному идеалу, познанию природы, самого себя, своей души. Он превращается в символ странствий лирического героя, мистической и религиозной настроенности. Молодой герой находит цветок, опьяненный восторгом, видит, что лепестки его образовали голубой воротник, из которого выглядывает милое женское лицо. Новалис придает Голубому Цветку символ Божественной любви и Вечной Женственности. В образе Голубого Цветка он видит и образ своей умершей невесты, и образ Мировой Души, и любовь к Премудрости Божией Софии. Его мысли направленны на преобразование Мира через Дух и религиозное постижение личности.
Мистический Голубой Цветок как разгадка и ключ к немецкому романтизму, магическому, идеальному, подпитанный Новалисом, базировался на идеях Бёме, Шеллинга, Рихтера, Гофмана. «Искания Голубого Цветка означает путь любви, ведущий любящего в сокровенное святилище Мировой Души и сулящий ему там, как дар,... целостное знание
божественной тайны.и преображающую мир теургическую державу» [8, с-2751. «Голубой
Цветок - это Небо, проникающее землю» [8, с-7411.
Изображение цветов синего цвета, в частности, ириса (мечевидная лилия), как цветов, принадлежащих Деве Марии, связано с тем, что листья цветка напоминают меч, пронзивший Её сердце и указывают на семь скорбей Богоматери. Этот образ встречается в работе Хуго ван дер Гуса «Поклонение пастухов» или «Алтарь Портинари» (1473-1475), ирисы изображены в вазе как натюрморт. Интересна работа «Грехопадение» (1479), где ирисы, используются как фиговый лист, прикрывающий Еву. Рогир ван дер Вейден изобразил на переднем плане вазу с ирисом в картине «Мадонна со святыми» (1450). Великолепны работы Дюрера «И рис» (1503) и «Мадонна с ирисом» (1508) в точности передачи цветов ириса и растительности. Ганс Мемлинг один из первых художников написал цветочный натюрморт - «Кувшин с цветами» (1490), который изображает майоликовый кувшин, стоящий на восточном ковре в нише с монограммой Христа на переднем плане. Букет состоит из ириса, лилии и колокольчиков, где каждый цветок символически связан с Девой Марией: ирис - материнская скорбь, лилия - целомудрие, колокольчик - воскресение из мертвых.
Цветочные композиции стали появляться в начале XVII в. Букет цветов символизировал бренность, ведь земные радости также преходящие как красота цветка. Цветочные композиции было тяжело интерпретировать, так как язык цветов многогранен и символика их имела различный смысл. Vota amico facta (пожелание другу - лат.):
Не втолковал тебе я алфавита
Цветов, где в хитрых сочетаниях сокрыта
Безмолвная таинственность речей -
Язык, столь ясный в немоте своей.
Джон Донн [7' с-77]
Композиции цветов изображали: Ян Брегель Старший «Цветы в деревянном вазоне» (1606-1607); Ян Давидс де Хем «Цветы в вазе» (ок.1660), «Цветы в стеклянной вазе, распятье и череп» (1630); Амброзиус Босхарт Старший «Букет цветов в нише» (1618). Считалось, что букет содержащий ирисы обладает божественной силой. Ирис символизировал отпущение грехов и указывал на возможность спасения. Букеты могли содержать цветы из разных сезонов, которые часто рисовались по эскизам.
Светская символика, присутствуя в изобразительном искусстве, особенно у нидерландских мастеров, первых создателей станковых натюрмортов, дала рождение цветочному натюрморту, в котором часто могли присутствовать так же насекомые и животные, что выражало мироощущение человека и его символическое восприятие природы. Так в «Цветочном букете»/«Лихтенштейский букет» (1612) Руланта Саверейя, изображена муха - символ зла и греха, и ящерица как телесность материального мира. Абрахам Миньон в натюрморте «Букет с кошкой и мышеловкой» (1670-1675), изображает ирис на темном фоне; Ян Давидс де Хем пишет «Роскошный натюрморт с попугаем» (1650), сочетая цветы и птиц, его работы отличаются реалистичностью и богатством красок, проработкой деталей. Натюрморты Яна ван Хёйсума достигли наивысшего расцвета в изображении букетов, он использует светлый фон, что являлось тогда новшеством «Ваза с цветами» (1720), «Цветы в нише» (1734), «Цветы в терракотовой вазе» (1736).
В конце XIX начале XX вв. нашли выражение новые жизненные позиции при попытке создать импрессионизм, яркое, впечатляющее направление в изобразительном искусстве, зародившееся во Франции. Художники стремились изобразить мир в его изменчивости, движении, передать свои впечатления, мимолётные видения, применяя определенные приемы и методы в изображении, передавая легкость, радость, красоту мгновения. В это же время в Европе возрастает интерес к философии и культуре Востока, в частности, к буддизму, что находит отражение и у художников импрессионистов.
Импрессионистские изображения приобретают эфемерность, зыбкость, как бы иллюзорность, что роднит их с буддийскими понятиями. Эстетическое восприятие действительности, природы, принятие и понятие мимолётности существования, участие в жизненном цикле перерождения, роднят буддизм и импрессионизм. Идеи единства мира и гармонии воспроизведены в произведениях К. Моне, Ван Гога, Матисса, Ренуара и других.
Импрессионизм связан с символизмом. Цветочная символика в искусстве символизма представлена очень разнообразно. Цветок как символ мимолетности красоты определяет чувственное восприятие природы. Культ растительных форм продолжает питаться синим цветом, доставляя эстетическое наслаждение, выражая определенные идеи и символические особенности природных образов. Яркими представителями этого периода в живописи были Ван Гог и К. Моне, которые многие свои произведения связывали с изображением ирисов.
В «Ирисах» (1889) Ван Гог выбрал необычный ракурс объекта, почти не встречающийся в западной живописи, но присутствующий у японских мастеров, который очень близко приближ е н к з рите лю и ра с полож е н на не йтра льном фо не . Н а тв орч е с тв о В а н Г о г а оказали огромное влияние произведения японских мастеров, в частности японские ширмы, изображающие ирисы, и работы японского художника Кацусика Хокусай «Ирисы и кузнечик» (1820). Ван Гог на фоне синих ирисов рисует один цветок белого ириса, символизирующий одиночество. Цветочные композиции из ирисов нашли воплощение и в
других работах Ван Гога «Вид на Арль с ирисами» (1888), «Ирисы Сен Реми» (1890), «Ирисы в вазе» (1890). В 1890 г. художник пишет картину «Цветущие ветки миндаля», символизирующие начало новой жизни, это произведение так же является подражанием с тилю я по нс ко й ж ив опис и.
Клод Моне является одним из основателей французского импрессионизма. Японское искусство оказало влияние и на него, что выразилось в изяществе и тонкости линий, очаровании, гармонии изображения. Тематика и стиль гравюр Кацусика Хокусай нашла отражение в большинстве работ К. Моне: «Сад ирисов в Жеверни» (1899-1900), «Клумба с ирисами в саду художника» (1900), «Сад»/«Ирисы» (1900), «Сиреневые ирисы» (19141917), «Ирисы и водяные лилии» (1914-1917). В этих работах художник передает чистоту красок, многообразие оттенков, воздушную среду, впечатление совершенства, мимолетность красоты цветов.
Если сравнивать Ван Гога и К. Моне, то у них совершенно разная манера изображения. Импрессионистски сочная, яркая у Ван Гога, более реалистичная с ориенталистским уклоном, у К. Моне - воздушно-расплывчатая, вибрирующая, полная свежести, света и мимолётной красоты.
М. Врубель изобразил белый ирис полный одиночества «Белый ирис» (1886-1887). М. Врубель несмотря на то, что любил синий цвет и использовал в своих картинах, однако не уподоблялся мистической символики Голубого Цветка Новалиса, его белый ирис одинок, но силен духом.
Доминирование голубого цвета присуще и пейзажистам XX в. Буйство голубого цвета отмечается в цветочной тематике американского художника Роберта Джулиано Ондердонка (1882-1922). Он изображал голубые люпины: «Тропинка через синие цветы» (1913-1914), «Весенним утром» (1913), «Синие цветы в Техасе» (1915), «Голубые цветы пасмурным утром» (1916), «Голубые цветы в сумерках» (1918), «Синие цветы» (1921). Его голубые бескрайние, роскошные поля полны мистической нереальности и возвышенной духовности.
Голубой цвет как тяга к мечте нашел воплощение у современного художника Д. Кустановича в серии «Бабочки» (2008-2009), где в образе голубой бабочки - «живой цветок», выступающий как символ и метафора в культуре, стремящаяся к свету, в высь к небу.
Падающий цветок Вернулся вдруг на ветку Оказалось: бабочка!
Мо рита ке
В японской культуре, считалось, что листья ириса своей клиновидной формой напоминают меч и фаллос, воинственный дух. Ирис почитался как цветок самураев, мужской цветок. Он символ праздника мальчиков, отмечающийся в мае (Праздник ириса - так как он цветет в это время). Цветок ириса, начиная с древних времен культивировался и выращивался в парках, любование ирисами доступно для всех желающих. Ирисы с удовольствием используют художники в своих композициях, синий их цвет для японцев символизирует вечность, успех, мужество, отвагу, ему приписываются магические свойства, он олицетворяет здоровье. Любование ирисами сопровождается ритуалом, ирис и боевой дух обозначаются одними и теми же
иероглифами. В Японии придерживаются специфической и тонкой колористки, особенно в ранжировании цвета, которому дают поэтические названия, ассоциированные с природой, базирующиеся на идеи соответствия.
Ирисы нашли отражение в работе Огаты Корина «Ирисы. Ширма» (1701). Автор каллиграфически выписывает ирисы, обращая внимание на форму и цвет. Изображение представляет тонкую ритмическую, волнообразную композицию, где расположены на золотом фоне цветы синего, сине-лилового цвета. Из сферы реального восприятия рисунок переходит в поэтически-духовную сферу. Его произведения входят в список национальных сокровищ Японии. А также ирисы изображали: Судзуки Харунобу «Ирисы» (1764); Утагава (Андо) Хиросигэ «Белая цапля и ирисы» серия «Птицы и цветы» (1830), «Ирисы в Хорикири» серия «100 знаменитых видов Эдо» (1857), «Ирисы» серия «Цветы Токио» (втор. пол. XIX в.), «Ирисы» серия «38 видов Эдо» (1862). Утагава Хиросигэ использует разнообразные пейзажные сюжеты с изображением птиц, насекомых и цветов. Его работы оказали влияние на творчество европейских художников того времени. Творчество Кацусика Хокусай отличает тонкий вкус, внимательное отношение к деталям, наличие собственного стиля, глубина и изысканность, философский подтекст, что нашло отражение в гравюре «Ирисы и луговая цикада» (1832). Ван Гог не раз копировал данную гравюру. В полотнах Каванабэ Кёсайя отмечается лирическая камерность, перекликание пейзажных мотивов с жанровыми как в «Ирисы и дама» (1864). Живописец передает зыбкое очарование природы.
У японцев тонкое чувство вкуса и мироощущения, их гравюры воздушны и утончены, они предпочитают многие разнообразные цвета и каждый из них обладает особым смыслом, несет свой символ. Сине-голубой олицетворяет для них постоянство, преданность, честность, спокойствие, глубину чувств и совершенство. Зная язык цветов (ханакотоба), основанный на древних японских традициях, можно использовать его в общении и сделать тонкий намек, подаренными цветами на свое желание. Символы ханакотоба проявляются во многих японских фильмах и аниме.
Символика и магия цветов имеют большое значение для многих японских художников (бамбук, лилия, хризантема, орхидея, сакура и др.), цветочная символика перекликается и дополняется стихами. Японская поэзия - это импровизация, свободное дополнение к живописи, подчеркивающая чувства, передаваемые изображением.
Ирис на берегу
А вот другой - до чего похож!
Отражение в воде.
Мацуо Басё
Чувства вызывают мысли о быстротечности жизни, о том, что цветы, радующие взор, повторяют круговорот ее в природе, все наполнено смыслом и не должно быть ничего незамеченного, во всем надо искать красоту. Самое главное и прекрасное в мире это непостоянство и недосказанность, что доказывают изображения «36 видов Фудзи» (1830) и «100 видов Фудзи» (1834-1835), выполненные Кацусика Хокусайем. Первым японским художником, пейзаж в творчестве которого выступает как философско-осмысленный, величественный облик природы, наполненный духовностью.
Цветы вызывают эмоции как свежие, так и засохшие, как и цветы в душе человека. Цветы находятся в постоянном движении, от одного состояния переходят в другое,
отражая бренность жизни, расцветая и умирая, возвращаясь вновь. Цветок в душе человека подобен цветку живому, каждый цветок должен знать свое время и цвести как заведено законом природы. Если человек возрастив в душе цветок, теряет его, он вянет, а если цветок расцвел в душе старого человека, то цветение возможно и в старости.
Мироощущение японцев, их этические и эстетические критерии, духовная направленность, символическое изысканное восприятие природы, позволяют им укреплять национальную культуру, трансформируя новые идеи Запада. В Японии эстетическое предпочтение утонченности восприятия ценностей природы, пропитанное метафорическими аллюзиями, в том числе и в бытовой культуре очень сложны и разнообразны, соединяясь, образуют национальный характер-41. «Природный объект (аромат, цветок, или чай, придворная дама, воспринимаемая тоже как «цветок» и, одновременно, как произведение искусства) настолько пронизан культурным значением, так плотно опутан тонкой нитью всеобщей и универсальной эстетической связи культуры..., что не просто «наделен» эстетической ценностью, а есть эстетическая
ценность» Г17, с-641. Благодаря такому восприятию природы развивается возвышенное духовное отношение к ней, как у Плотина, некая духовная энергия движет души при созерцании природы. Художник отображает свое видение мира, природы, наполняя их философскими раздумьями. Японская эстетика включает в себя медитацию, символику и субъективное «Я», тонкое ощущение небытия великой пустоты. Пустота выступает как явное отсутствие красоты, что ведет к осознанию трансцендентной красоты и более высокому, духовному восприятию живописи.
Для понимания гармонии неба и земли необходимо внутреннее видение, своеобразный тип миропонимания, принципов эстетического восприятия, сформированных под влиянием религиозно-философских учений синтоизма и буддизма. Обожествление природы и поклонение ей, гармоничное сосуществование с ней, основные особенности живописи Японии. Чувство единения с природой, слияние с ней, художники подчеркивают изображением цветов в живой природе, а не выдуманных мистических как в европейском искусстве.
Эстетика умиротворения и духовности, не нарушая законов природы обязует жить в потоке перемен, в едином ритме с природой, найдя пути к постижению ее и преобразованию человека, нравственно совершенствуя его, в сочетанном движении воздуха и воды, то есть следовать красоте непостоянства «любование красотой
реального мгновения, запечатленного в рисунке» Г5, с- 2051. Любование цветами - это выражение чувственного отношения и любви к природе. В живописи наблюдается стремление к гармонии безупречности и совершенству. Эстетический идеал японской живописи - красота одинокой печали.
Таким образом, религиозно-мистическая направленность в изобразительном искусстве была больше выражена у европейцев, японцы главные чувства и мысли человека воплощали в понятии Дао, у них художественное выражение чувств выше религии. Эстетическое восприятие цветовой гаммы, в частности, синего цвета у европейцев носит религиозно-символически-мистическое значение, трансформировалось в романтическое сентиментально-мистическое, у японцев - созерцательно-совершенное философски-поэтическое.
Символизм европейского средневековья близок современному человеку, в то время как японская система художественных представлений разница от европейской. У них божеством стала сама природа, а европейцы подражают ей, восхваляют человека и его
превосходство над ней, даже в религиозной живописи.
Тоска по синему цвету, Голубому Цветку, чистым мечтаниям, присутствует у большинства людей нашего времени, что выражается в устойчивых словесных выражениях: «голубая мечта», «синий туман», «синяя птица», «синие дали», «синий дурман», «голубая кровь» и т.д. Введение синего цвета в повседневную жизнь обогащает ее эстетическими чувствами. Японцы для наслаждения красотой цветения немофилов Мендиса, высадили их в парке Хитати и каждую весну голубые поля цветов восхищают и доставляют радость. Цветение голубой и сиреневой глицинии можно наблюдать в сказочном парке цветов Асикага, там же растут разнообразные ирисы, цветочные пейзажи меняются из сезона в сезон, создавая незабываемое зрелище, повышая настроение и очищая душу, углубляя утонченность восприятия красоты природы.
Идеал японской анимации девочка Хацунэ Мику, у нее ярко голубые глаза и волосы, она харизматичная, обаятельная, поп-звезда, шестнадцатилетняя певица - голограмма, нереальна, это - «голубая мечта».
«Рассматривая произведения искусства, мы всего лишь проецируем на него новые, отсутствующие прежде значения. Искусство всегда открыто для переосмысления» с,53]. Это особенно важно в живописи при эстетическом восприятии и воздействии различных цветов и в частности синего на смотрящего человека, следовательно, главное внимание должно быть уделено осмыслению характера символического звучания синего цвета в изобразительном искусстве.
■Ш Жизненная сила, Радость и Блеск (итал.) Грации (Хариты) - Аглая (греч.) - блеск, красота; Евфросина (греч.) - радость, благомыслящая; Талия (греч.) - изобилие, цветущая, небесная.
В правом углу картины изображен ирис - синий цветок, о котором речь пойдет в дальнейшем.
Рогир ван дер Вейден «Благовещение Марии» (1399-1400), «Снятие с креста» (1435); Стефан Лохнер «Поклонение волхвов» (1426), «Мадонна в беседке из роз» (1440) в ярко синей одежде; Фра Беато Анджелико «Коронование Марии» (1434-1435), «Мария с младенцем» (1440); Ян ван Эйк «Благовещение» (1434), «Мадонна и ребенок у фонтана» (1439); Жан Фуке «Богоматерь с младенцем» (1450) - самая эротичная Мадонна в синем; Антонелло да Мессино «Мария Аннунциата» (1476); Дюрер «Мадонна с младенцем» (1496-1499), «Семь скорбей Девы Марии» (1495-1496), «Поклонение волхвов» (1504),
«Праздник четок» (1506), «Мадонна с грушей» (1512); Рафаэль «Мадонна Конестабиле» (1502-1504); Тициан «Мадонна с младенцем и святыми» (1530-1532)
г-41 Важнейшие принципы понимания японского искусства фурюу - возвышенный, утонченный вкус, образованность, разносторонность, а также моно-но-аварэ, ваби, саби, югэн. Претворяя в жизнь эти принципы, японцы создавали свои произведения искусства.
Библиография
1. Алпатов В.М. История и культура Японии.-М.: Крафт, 2002. 288 с.
2. Белова Д.Н. Идеальный женский образ в христианской живописи XIV-XVI веков.-М.: МГИМО-Университет, 2018. 302 с.
3. Блейк У. Стихотворения. Сборник/Пер. с англ. С. Маршака.-М.: Радуга, 2007. 640 с.
4. Бунин И.А. Стихотворения и переводы.-М.: Современник, 1986. 582 с.
5. Герасимова М.П. Механизм заимствований в японской культуре/Япония. Ежегодник, 2010. №39, С.192-208
6. Гомбрих Э. Символические образы. Очерки по искусству Возрождения/Пер. с англ. Е. Доброхотовой-Майковой.-СПб.: Алетейя, 2017. 408 с.
7. Донн Дж. Стихотворения/Пер. с англ. Б.В. Тимашевского.-СПб.: Художественная литература, 1973. 168 с.
8. Иванов В.И. Собрание сочинений в 4-х т. Т.4. Брюсель.1987, С.252-278, С.739-741
9. Иттан И. Искусство цвета/Пер. с нем. Л. Монаховой.-М.: Д. Аронов, 2004. 136 с.
10. Кандинский В.В. О духовном в искусстве.-М.: Архимед, 1992. 108 с.
11. Катасонова Е.Л. Япония. Эстетические метаморфозы/Азия и Африка сегодня, 2009. №6 (623). С.59-64
12. Леонардо да Винчи. Избранные произведения в 2-х т.-М.: Изд-во «Студия Артемия Лебедева», 2010. Т.1. 444 с., Т.2. 480 с.
13. Николаева Н.С. Декоративные росписи Японии XVI-XVШ вв. От Кано Эйтоку до Огата Корина.-М.: Изобразительное искусство, 1989. 232 с.
14. Пастуро М. Синий. История цвета/Пер. с франц. Н. Кулиш.-М.: Новое литературное обозрение, 2017. 144 с.
15. Соколов М.Н. Бытовые образы в западноевропейской живописи XV-XVII вв. Реальность и символика.-М.: Рип-холдинг, 2016. 376 с.
16. Эко У. Искусство и красота в средневековой эстетике.-М.: АСТ, 2014. 352 с.
17. Эстетика природы.-М.: ИФРАН, 1994. 230 с.
18. Япония. Как ее понять: очерки современной японской культуры/Под. ред. Роджера Дж. Дэвиса и Осаму Икэно; пер. с англ. Ю.Е. Бугаева.-М.: АСТ Астрель, 2009. 318 с.
19. Японская поэзия.-М.: СЗКЭО, 2017. 320 с.
