CC BY
448
Многообразие форм современного искусства: контекстуальность проблемы
Глущенко К. В.
В современном обществе все чаще поднимается вопрос о развитии современного искусства и формах его существования. Главными аспектами в рассмотрении этой проблемы становится композиция, структура образов, способы воспроизведения и художественные средства выразительности. Завершившийся 20 век ознаменовал появление новых тенденций и новым пониманием искусства. в конце 90-х современное искусство стало пониматься как совокупность художественных практик, сложившаяся во второй половине ХХ века. Обычно под современным искусством понимают искусство, восходящее к модернизму, или находящееся в противоречии с этим явлением. Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960—70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги).
В 21 веке стили из прошлого стали не только источниками вдохновения для дизайнеров, но и полноправной составляющей визуальной культуры. Мы далеко ушли от тех времен, когда с помощью единственного стиля можно было выразить дух эпохи. Революционные научные открытия и новые технологии, когда-то вдохновлявшие множество дизайнеров и архитекторов, уже не являются мощным творческим стимулом. в настоящее время дизайнеры стоят перед широчайшим выбором художественных средств и стилистических атрибутов. Начав экспериментировать с новыми стилями и техникой, художники объединялись в группы и обсуждали в них свои идеи. Мастера, имевшие общие цели, часто создавали свое движение (например, футуристы). Помимо чувства солидарности и взаимного доверия, участие в этих движениях поднимало авторитет их членов, поскольку к группам художников отношение было более серьезным, чем к независимым индивидуалам. с другой стороны разделение художников по движениям, игнорирует тот факт, что каждый художник индивидуальность и каждое произведение искусства уникально. Каждый автор пытался привнести что-то новое. Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения.[1]
Многих людей охватывает недоумение, когда в художественных галереях видят холсты с невнятным изображениями, которым придается такой же статус, как работам «старых мастеров». За последние сто лет роль искусства в западной культуре изменилось. Техническое мастерство и реализм, которым с XV века придавали наиболее важное значение, сегодня отошли на второй план. Тем не менее, для большинства людей это все еще непременные составляющие настоящего искусства.
До современного искусства в основе традиционного искусства лежали следующие сюжеты:
1. Портрет. Людям всегда хотелось иметь свои изображения, увековеченные для потомства, но позволить себе это могли только богатые.
2. Религия и мифология. в сценах из Библии, греческой и римской мифологии можно было черпать красочные и поучительные с точки зрения морали сюжеты.
3. Сцены из повседневной жизни. Поскольку общество становилось все более демократическим, возникала потребность в картинах, которые могли быть понятны людям, не имевшим классического или религиозного образования.
4. Исторические события. Власти предержащие стремились увековечить важнейшие исторические события, особенно если победителями представали они сами.
5. Пейзажи. По мере того как западное общество становилось все более индустриальным, возрастала ностальгия по первозданной природе.
6. Натюрморт. Иногда художники рисовали какие-то предметы, желая отобразить их символические свойства, но часто и ради собственного интереса.
Что же изменилось? Что повлияло на искусство? Изобретение фотографии в 1830 году побудило художников, стремится к достижению большего реализма. Но уже к концу XIX века художники стали задумываться, стоит ли вообще отображать окружающий мир в искусстве. Это привело к возникновению абстрактного искусства. Вторым фактором стал закат патронажа — системы, посредством которой церковь, королевская семья и аристократия давали художникам заказы. в XIX столетии торговцы произведениями искусства стали выставлять на продажу и не заказные работы, что дало художникам большую свободу выбора в творчестве. и даже средства выражения искусства стали изменяться. Такое явление, как перфоманс был важной составляющей многих авангардных школ и движение двадцатого века. Вскоре характерные черты перфоманса-атака на чувства, осуществляемая при помощи синтеза различных средств выражения и дисциплин; отсутствие повествовательного начала в структуре; сотрудничество артистов разного рода-стали основными признаками того, что мы знаем как «хэппенинг». [2]
В 1960-х годах первомансы и хэппинги начинают набирать силу, но развиваются его различные формы: от «спектаклей-действий» до джазовых и поэтических перфомансов совместных с мультимедийными проектами. Перфомансы быстро приобрели популярность. Ощущение раскрепощенности артистов и зрителей было заразительным. а эксперименты и взаимовлияния театра, танца, кино, видео и изобразительного искусства имели важнейшее значение для развития перфоманса. «Живое искусство» позволял художникам стирать границы между средствами выражения,
между искусством и жизнью. Перфоманс, как способ выражения, продолжал набирать силу и во главе ставил социально-политические проблемы эпохи. Дискриминация женщин, расизм, воины, СПИД и различные социальные и культурные табу. Создатели самых впечатляющих работ были Вито Аккончи и Кароли Шнееман,Ребекка Хорн, Джеки Эппл, Яёи Кусама, Рон Атей и другие.
Искусство перфоманса выросло из широко круга источников- изобразительного искусства, танца, театра, рок-н-ролла ,кино, кабаре, клубной культуры, политической деятельности и т.д.- и стало признанным видом искусства, со своей собственной историей.
К средине 1960х годов художественный мир Нью-Йорка уже объявил о кончине *поп-арта и начал искать ему замену. Так было найдено новое искусство названное «оп-артом» (сокращение от «optical art»). Хотя любое искусство в известной степени полагается на обман зрения, оп-арт специально использует этот оптический феномен, чтобы нарушить обычный процесс восприятия. Составленная из четких геометрических узоров в черном и белом цвете или сочетании очень интенсивных цветов, живопись оп-арта вибрирует, ослепляет и мерцает, создавая иллюзию движения или появления изображения.
Новые представления нашли воплощение в искусстве «ассамблаж»- разновидность «искусства объекта». Как и другие формы, ассамблаж, по существу, представляет собой «разросшийся» коллаж-комбинацию предметов на плоскости или в пространстве. Термин «ассамблаж» является собирательным понятием, охватывающим различные варианты вещественных комбинаций: иногда художники вводят реальные объекты в живописные произведения (Роберт Раушенберг), в других случаях — создают композицию исключи -тельно из готовых форм (например, промышленных изделий); сюда же относится и так называемые «падающие картины» (монтаж предметов на вертикальной плоскости). в области работали ассамблажа работали: Аллен Кэпроу, Джим Дайн, французские художники группы «новых реалистов» и другие.
Другая форма — бесформенная живопись («инфор-мальное искусство») — понятие, возникшее в 50-е годы и применяемое для обозначения сильного течения в европейском абстракционизме, аналогично американскому абстрактному экспрессионизму. Представители этого направления создавали картины методом «психической импровизации», стремясь полностью исключить сознание из творческого процесса, вытеснить обдуманно построенную форму самостийно возникающей «неформой». Термину «бесформенная живопись» синонимичны «живопись действия», «другое искусство», «лирическая абстракция», «ташизм», также получившие широкое распространение в западной критике. Популярности этого направления более всего способствовали Мишель Тапье и Жорж Матье. Его наиболее видные представители — Вольс, Жан
Фотрие, Жан Дюбюффе, Марк Тоби, Жорж Матье, Анри Мишо, Жан Поль Риопелль. Идеи развития новых форм слияния искусства и жизни сформировалось в «Боди-арт». Это искусство, которое использует тело, прежде всего тело самого художника, в качестве средства выражения. Во многом боди-арт был реакцией на «безличность» концептуального и минималистского искусства, так же развивающихся в это время.
Заметную роль в искусстве 1970-х годов сыграл «гиперреализм». Сам термин не характеризует направление как таковое, это один из многих терминов, использовавшихся по отношению к определенному типу живописи и скульптуре. Гиперреализм отражал натуралистичный, беспристрастный подход к изображению, и тем или иным образом живописнее работы подтверждают влияние, которое фотография оказала на живопись. Гиперреализм продолжает существовать и сейчас, выраженный как в «резкофокусных» фотографиях, так и в картинах. Авторы «размывают» изображения с помощью сухой кисти, для того чтобы подчеркнуть из зернистость, умышленно выявить изъяны.
Лэнд-арт (Earth Art, Earthworks, искусство земли) искусство, расширяющее границы в отношении материалов и месторасположения. Это совпало с ростом интереса к экологии и осведомленности об опасности загрязнения среды и избыточном потреблении. в каком-то смысле Лэнд-арт — это разновидность охраны природы: если какая-то часть земли посвящена искусству, она тем самым может быть защищена от застройки. Вплоть до настоящего времени большинство художников лэнд-арта это англичане и американцы — это Роберт Моррис, Карл Андре, Нэнси Холт, Майкл Хейзер, Энди Голсуорси и другие. Самая знаменитая работа Роберта Смитсона — «Спиральный мол» (1970), он превратил промышленный пустырь, заброшенный после разведок нефти, в самую знаменитую и романтичную работу «искусства земли».
В 1970 годах появляется направление «Арте по-вера» (бедное искусство). Название содержит в себе намек на «простые» или нетипичные для искусства материалы, использовавшиеся художниками в своих инсталляциях, например воск, позолоченная бронза, ткань, неон, пластмасса, овощи и даже живые животные. Сами работы представляют собой сочетание великолепных, многослойных, подчас экстравагантных произведений. Отличительными чертами «арте повера» являются неожиданное соседство предметов или образов, сплав прошлого и настоящего, природы и культуры, искусства и жизни. Например: «Золотая Венера тряпья» (1967) представляет собой пластмассовую копию классической статуи Венеры, обращенной к горе одежды.
Архитектура хай-тека пропагандирует новые технологии и пользуется ими как в практических целях, так ради визуального эффекта. Сотрудниче-
ство архитекторов с инженерами-конструкторами и инженерами строителями — ключевая особенность архитектуры хай-тека. Первым крупным памятником хай-тека стал Центр Жоржа Помпиду в Пари-же(1971-1977). Несмотря на дерзкий современный дизайн, контрастирующий с окружающей средой, здание быстро стало популярным. в качестве других примеров хай-тека можно привести и постройки других архитекторов: Исследовательский центр
Шлумбергера в Кембридже, Институт Арабского мира в Париже Жана Нувеля и Колесо обозрения «Око Лондона» (2000) и другие.
Неоэкспрессионизм можно назвать одним из многочисленных «оттенков» постмодернизма. Художники этого направления использовали так называемое «умершее» искусство живописи и выставляли напоказ все, что было дискредитировано — фигуративность, субъективность, открытые эмоции, автобиографичность, символизм и сексуальность. в целом, неоэк-спрессионисткое творчество отличают технические и тематические особенности. Сюжеты зачастую обнаруживают глубокое погружение в прошлое, как во всеобщую историю, так и в личные воспоминания, анализируемые с помощью аллегории и символизма. Неоэкспрессионисты черпают вдохновение из истории живописи, скульптуры и архитектуры, используя традиционные материалы и темы. к началу 1980х термин использовался по отношению к новой немецкой живописи таких художников, как Георг Базелиц, Йорг Иммендорф, Зигмар Польке и др. Вскоре ряд художников не связанных с какими либо определенными группами, были наречены «неоэкспрессионистами». Среди них Бруно Чеккобелли, Фрэк Ауэрбах, Леон Коссофф, Аниш Капур и др.
Многообразие направлений 20 века пополнилось и трансавангардом — направлением, которое комбинировало и трансформировало прежние традиции в области формы и содержания, главным образом, богатое культурное наследие Италии. Этот термин используется по отношению к произведениям 19801990-х годов, созданных художниками Сандро Киа, Франческо Клименто, Энцо Кукки и Миммо пала-дино. Для них свойственны неистовость выражения и атмосфера романтической ностальгии по прошлому. Красочные, чувственные, драматические, их работы передают ощущение удовольствия от заново открытых качеств живописных материалов.[3]
Представленные направления современного искусства конца 70-х и 80-е годы ХХ века охарактеризовались «отходом» от концептуального искусства и минимализма и возрождением интереса к изобразительности, цвету, свету и объему. Большое влияние на развитие современного искусства оказало развитие технологий: видео и аудио, компьютеры. к этому же периоду относится расцвет фотографии в искусстве. Все больше мастеров используют новые технологии как средство художественного выражения.
Первое десятилетие XXI века демонстрирует ситуацию подготовки к новому уровню и этапу самосознания. Не вызывает сомнений то, что в отношении современного искусства нужен дифференцированный подход.
Современные художники создают такие произведения искусств, которые отвечали бы современным требованиям и многогранному, культурно разнообразному, технологично развитому окружающему миру. Работая в самых разнообразных сферах и областях, современные художники часто отображают и комментируют своими работами современное общество.
Список использованных источников
1. Лакшми Бхаскаран «Дизайн и время. Стили и направления в современном искусстве и архитектуре»
Издательство: Арт-Родник, 2007 r.
2. Эми Демпси «Стили, школы, направления. Путеводитель по современному искусству» Издательство:
Искусство - XXI век, 2008 г.
3. Моника Бохм-Дюшен, Джанет Кук «Современное искусство» Издательства: АСТ, Астрель, 2001 г.
Информация об авторе
• Глущенко К. В. // студентка Южного Федерального Университета г. Ростова-на-Дону
